水面上與水面下

出處:http://www.eobserver.com.cn/ReadNews.asp?NewsID=13365

　 苌苌 上海报道 2005-5-17 13:46:50 阅读 2753 次

100年前，康定斯基率先尝试将音乐展现在画布上，将色彩与音乐等同起来，让人们能够“聆听”绘画，“描绘”音乐。在他的画笔下，颜色呈现出的不同形态组合，像一部交响乐一样撩人身心。因为音乐的参与，视听合成带来的新感受力，对现代艺术的发展产生了革命性的影响。


在谭盾看来，现代观众对艺术越来越苛刻的要求，便是来自于这种通感作用下的欣赏经验。人们对听得见的颜色、看得见的声音所做的联想，来源于生命本身蕴藏的欲望，正是这个欲望迫使他不断探索，突破传统和经验。艺术创作对于他来说，没有视觉和听觉上的界限，都作为一种原形思维转化入他的作品中。


天马行空的思维、天赋和努力，让谭盾成为一个“矛盾”的结合体。在通俗音乐方面，他给《卧虎藏龙》写的配乐夺得了奥斯卡最佳原创音乐奖和格莱美奖；在交响乐方面，他以《水乐》、《纸乐》和《陶乐》代表的有机音乐系列，受到前卫艺术界的广泛关注；他的手稿与贝多芬、马勒陈列在一起展示，同时，他又是一个保护即将消亡的民族古乐的基金会的发起人；去年，在北京国际音乐节上，他给我们展现的是多媒体交响乐《地图》，湘西苗女的民歌与马友友的大提琴通过多媒体影像实现音乐对话；今年的4、5月间，在上海的沪申画廊，谭盾的身份转换为当代艺术家，带来的是他的第一次艺术个展“谭盾音乐视觉2005”。


“岁月、战争和灾难可以毁灭事物的外在，然而音乐和梦想却永不可磨灭。”谭盾谈到创作这个展览的初衷时说。一次偶然的机会，谭盾在一所音乐学院的仓库里，发现了很多退役的废旧钢琴，堆在一起，形成一个巨大的废墟城堡。每一台旧钢琴都被千百人弹过，在琴键上形成光滑的凹槽。谭盾被钢琴背后的故事深深吸引——它们曾经培养过哪些音乐家，和多少人有过心灵的交谈？弹琴的人也许早已逝去，那些问题也不会有答案，然而，钢琴经历不同的历史和环境的演变，外表大多损坏，内部的振音钢板和钢弦仍可发出比新琴还优美的声音。于是他有了创作欲望，展现钢琴“解体－重建－再生”的过程，他把旧钢琴运到钢琴厂，拆除它们朽烂的外表，经过重新设计、组装，建造出一组可由人或电脑演奏的“视听雕塑”。

一手促成本次展览的沪申画廊的主持人翁菱是谭盾的老友，近年来，她一直致力于帮助艺术家完成对既有界线和自我的超越，或者在更广的层面上，艺术创作与其它行业之间的界线超越。沪申画廊的所在地，外滩三号的创建者李景汉则是一个资深的当代艺术爱好者，他在世界各地看过不少艺术展，但是说到谭盾的首次个展，他说，他被彻底感动了。

沪申画廊内，可以看得见黄浦江风景的窗户被黑色的幕布围了起来，地面也是黑色的，使得展览空间显得颇为凝重。如果把整个展览比作一部歌剧，斜悬在入口处的钢琴——它在野外经历了十几年的雨打风吹，仍可以发出美妙的声音——就是这部歌剧的序曲。第一乐章是架被遗弃的钢琴；第二乐章讲的是钢琴解体的过程。由钢琴的黑键与白键相间组成的直径约十余米的圆形，四块巨大的钢琴“内脏”放在这个圆形的外围，上海打击乐团的乐手渐次有节奏地大力敲击，令钢板发出浑厚沧桑的音响，余音悠扬，震撼人心；几台投影仪放映的是拆卸钢琴的过程，工人敲打的声音依循着《命运交响曲》的节奏，因为贝多芬传递的信息就是挣扎和力度；一面墙上是组版画，是谭盾创作的两部交响乐的总谱，上面密密麻麻的笔迹，呈现的是他音乐创作最真实、最直接的状态，有的乐章写在环形的五线谱上，边上写着“ｔｈｅｒｅ ｉｓ ｎｏ ｂｅｇｉｎｎｉｎｇ ｎｏ ｅｎｄｉｎｇ ｏｎｌｙ ｃｏｎｔｉｎｕｉｎｇ…… ”站在这面墙前，仿佛听见宏伟的乐章排山倒海而来；谭盾说他非常喜欢沪申画廊，因而喜欢那个用镜子将其空间扩展一倍的创意，在天井处，他铺上一层暗色的镜子，这是之前在此举办展览的职业艺术家都不曾想到的，却给人带来最奇异的体验，30多米高的屋顶和各楼层反射入镜中，让人觉得仿佛走在一个高深的地下宫殿的玻璃屋顶之上，立刻产生了一种眩晕和不适感。而在其旁边，一个竖着悬挂的宽银幕投影上，他的《水乐》表演的影像记录，正发出有节奏且悦耳的声音，这部几年前的交响乐作品正好契合本次展览的主题——水在所有民族中都有再生、复活之意。

蔡国强ＶＳ谭盾
在贝多芬的时代，生活中的视听刺激相对简单，没有电视也没有摇滚乐。但是现在，对音乐家的要求和他们接受的训练不一样了，除了需要他们一如既往地敏锐，看到大家看不到的东西，还要有一种历史责任。从《地图》开始，谭盾将他的一部分精力放在保护即将消亡的古老音乐上，这次与谭盾结伴而来的是他在纽约的好友，当代艺术家蔡国强，不久之后，他们将一起前往蔡国强的家乡泉州，探索和发掘中国最古老的音乐之一——南音。4月17日，蔡国强和谭盾就这个展览展开了一场意味深长的对话。

蔡国强：因为我自己是做当代艺术的，在我看来，谭盾的音乐很像当代艺术，表演性很强，比如他做的水乐，还有让乐手在演奏的当间大声地翻乐谱，这是出于什么意图？

谭盾：我在创作中间并没有刻意追求视觉和听觉的对位关系。我观察到，乐手翻乐谱的声音往往被视做一种干扰音乐本身的噪音，指挥一般都会要求乐手翻乐谱时特别小心，不要弄出声来。但在排练的过程中，翻谱的声音总是很大。我就想，是不是可以把这个被忽视的声音组织起来。有一次写音乐写到一个地方的时候，我就让所有乐手放开地去翻乐谱，结果令人精神一振，视觉上非常具有冲击性。

蔡国强：而且音乐表演到一段的时候，所有的乐手会“啊”地大喊一声，怎么回事？
谭盾：音乐其实很像男女交欢，这种男女沟通的基本方式，蕴涵在很多的当代作品中间。比如你的烟火艺术，烟火燃放的节奏设计、声音的设计、从慢到快的设计、从弱到强的设计，都是从男女的角度考虑的。

蔡国强：你的作品对空间和材料特别讲究，比如你和马友友合作的交响乐《地图》，一个苗族姑娘在录像里唱山歌，马友友在现场用大提琴与她对歌，跨越了时空和地理及音乐背景的界线，另外你特别重视材料，水、陶、石头都可以成为你的乐器，为什么？

谭盾：音乐其实是一个时空的艺术。音乐家对空间特别敏感，我这里说的空间不是单一层面上的，空间有各种各样的，历史的空间、生命的空间、自然的空间……就《地图》这个作品来说，我差不多花了一年的时间思考时空对位的设计。如何把湘西苗家的歌谣带到不同的空间？对我来说，每次舞台的表演都是一次移动，我把它带到世界，就是把视听和时空的距离拉开了，艺术其实很简单。

随着网络工业时代的到来，人们对有机生态越来越忽略，环境的变化甚至威胁人们的生命，所以我做有机音乐，用自然的材料，比如水、石头、木头等，来做音乐发生的基本素材。这个寻找的过程是有机的，非常美妙。你看下雨时的气势，如果把老天爷当艺术家来看的话，他是个很了不起的艺术家，中国的儒家和道家对此都有很多体会。比如古老的倮戏，在这种文化里，所有的东西都拥有生命，一块石头在他们的想象中，可以和鸟儿对话。中国传统艺术所拥有的想象力是惊人的，它的博大就和自然本身一样博大，所以在我的很多音乐中间，我开始让人文的东西和原始的有机文化发生关系。不光在空间，还有在材料方面，都会产生一种有意思的刺激。

这种结合对古典音乐的探索带来很大的挑战性。当你要把水乐跟交响乐放在一起演奏的时候，就牵扯到很多课题，比如交响乐的和弦、配器不能按照传统途径走，却需要寻找一种新的方式，这种方法要天衣无缝地和有机的声音产生共鸣。同时，水乐的表现要借助一些高科技手段，这带来另一种挑战性，要是解决了这个难题，剩下的挑战就是留给观众的。有机音乐在我的生命里之所以这么重要，是因为我周围所有的人都在面临生态的挑战，却又恰恰被我们忽略掉，这也是为什么我喜欢用有机材料做音乐上的尝试。

蔡国强：在纽约肯尼迪机场的一个走廊，列着世界上最伟大的音乐家，谭盾的手稿对面是马勒，左面是贝多芬，谭盾一方面在前卫交响乐方面取得了世界性的成就，另一方面他成立的一个基金会专门保护即将消亡的文化。不久之后，我们就要去我的家乡泉州，去发掘一种古老的音乐“南音”，你为什么关怀这些古老的即将消亡的艺术？

谭盾：《地图》交响乐系列是一个长久的工程。最开始我希望抢救一些即将消亡的艺术，就像这次展览，发现和重新利用了这些旧钢琴，从环保和精神角度都有很大意义。我做《地图》的初衷，是因为我逐渐发觉，家乡的记忆对我后来的成长有很大启发。我想对很多人来说都是这样，不管他是一个商人还是律师。儿时的记忆越到后来越重要，要是消失的话，我就会很伤感。

湖南的山山水水造就了那么多人，泉州也一样，蔡国强是我的好友，他为什么会玩火药？为什么会把火药变成一种艺术？我对此特别感兴趣，我发现，他从小在泉州长大，而泉州是鞭炮的一个生产地，我就问他小时候的记忆还有什么，他告诉我是南音。泉州的南音是中国最古老的音乐之一，所以《地图》之二，就是去寻找蔡国强的根。

我在做当代艺术的时候，永远都离不开传统。当代艺术有意思的地方在于，它一方面要努力突破传统，另一个却在继承传统，是一个辩证的关系。传统就是生命，当你不创造的时候，传统就会消亡，所以发明创造是继承传统的最好方法。

谭盾：音乐视觉2005
主办：外滩三号沪申画廊
赞助：ｄｕｎｈｉｌｌ
展期：2005年4月17日－5月23日