::: VICTOR TSAI :::

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因為阿凡達(AVATAR)的關係，台灣似乎掀起了一股3D熱潮，這股熱潮從影視娛樂一路燒到電子產業，不僅在網路的相關領域討論區上掀起話題，也將台灣的文化創意產業又再次的找到了話題，雖然這股話題已經延燒了許久。

在這裡我就大概的跟大家分享一下，我從網路上蒐集的一些資料及我對於3D電影的認識。首先，我們要先認識何謂3D電影？3D電影其實不僅只大家熟知的3D動畫，事實上，阿凡達了不起的成就並不在於3D動畫上，而是在於與3D實拍的電影做結合。所謂的『3D實拍電影』就是運用3D立體的攝影機，去拍攝真實的場景與人物，然後透過3D成像的技術將他以3D立體的模式播放，簡單的說這牽涉到三個主要的對等關係：攝影機與被攝物、播放系統及觀賞者。當然這只為了讓大家瞭解最容易的解釋方式。

在這份分享報告中我只談到三個部分：

1) The Technology of Avatar Movie
a. 3D Camera
b. Motion Capture
c. CG & VFX

2) The Introduction of 3D Movie
a. 3D Glasses
b. 3D Projector (Theater)

3) The Business Model of Avatar
a. Toys (Augmented Reality)
b. Na'vi Language

第一部分，3D的攝影機可以說是3D電影一個很大的關鍵，其實3D電影的成像技術早在約30年前便已存在，只是因為拜科技所賜，以前無法解決的一些技術問題，得以解決並且讓技術更趨向完美與成熟，例如同步記錄的問題。阿凡達的導演James Cameron早在16年前便已經將劇本完成，只是苦於當時有許多技術問題尚未克服，James Cameron不僅等待，並著手自己研發3D技術，例如他為阿凡達所研發的3D FUSION的技術，這裡我們不難發現美國人的車庫精神，只要有問題，一定是自己親自動手去嘗試，這也是非常值得我們學習的地方。



在這裡我想特別強調一下，台灣其實也有人在為台灣的3D實拍電影默默耕耘，並且在技術上也有不錯的表現，那就是 吉羊數位 的曲全立導演，而他們所拍攝的台灣第一支3D實拍電影《小丑魚》也即將在4/22台北絕色影城上映，希望大家多多捧場。不僅如此，曲導演還將台灣的一些風俗民情用3D實拍的技術呈現，觀賞者可以更充分的感受到台灣之美，在POWERPOINT裡有八家將的圖片便是拍攝的過程。有興趣的人還可以上他們的 FACEBOOK 瀏覽更多資訊。

回過頭來，在3D Camera報告裡可以看到一個雙點攝影機的支架器，其實3D攝影機的雙鏡頭其實就是在模擬人類的左右眼，讓視差造成前後交疊的成像效果，而在雙點支架器的下一頁，便是在計算成像前後的計算軟體，他可以計算出讓被攝物前後成像距離，簡單舉例，當你看一顆蘋果朝你扔過來，這些軟體可以幫你計算出究竟蘋果要離你多近。另外一提，其實只要經過正常計算的3D電影，通常觀賞者都不會有不適的現象，當然個人體質有所差異，但那畢竟是少數，而觀賞3D電影的最佳位置除了螢幕中間以外，建議往後排坐一點，觀賞的效果會更好，也比較舒適。



在Motion Capture(動作捕捉)上，比較值得一提的是微表情捕捉，透過近距離的鏡頭，讓演員不只有動作上的演出捕捉之外，還有更貼近人性化的表情捕捉。這裡有一段初步的Motin Capture應用原理記錄影片，歡迎按此連結觀賞。



在特效方面，我比較關注是UI的設計，User Interface (人機介面設計)，在好萊塢甚至有電影專屬的UI Designer，專門幫電影場景中的UI做設計，大家可能比較有印象的是多年以前的《關鍵報告》，在那個時候感覺很酷很炫，甚至國科會及大專院校紛紛投入研究，但是現在，已不難發現這項技術出現在許多大學應屆畢業生的畢業製作裡，而在科技產業，這項技術早已經不是什麼新玩意兒，連我也有設計一個類似的空氣互動裝置。電影裡的一些效果及現象，其實也隱藏著未來科技的發展與走向，甚至可能會影響一些科技趨勢，所以這類的電影對我而言，反而是很好的觀摩機會。



第二部分談的是比較跟觀賞者有關的事情，3D立體眼鏡，目前3D成像的瀏覽方式有兩種：要帶眼鏡跟不要帶眼鏡，不要帶眼鏡的3D技術，我們稱之為裸眼技術。

而要帶眼鏡的3D技術目前有三種方式：
一、Red / Green (Blue) 傳統式
二、Polarizing 被動式偏光鏡
三、LC Shutter 主動式液晶立體眼鏡
現在我們一般在電影院所戴的眼鏡，也就是看阿凡達視屬於第二種Polarizing (被動式偏光鏡)，題外話，目前Acer所推出的3D筆電，所使用的是第二種被動式偏光鏡，而ASUS所推出的筆電是屬於第三種主動式液晶立體眼鏡，沒有誰好誰壞，各有千秋。對這些技術原理還有更深一點的興趣建議可以依上述的關鍵字去Google一下。

現在電影有許多版本，目前院線片有五種：
1. 傳統35mm
2. 2D數位版
3. 3D數位版
4. iMax版
5. iMax 3D版
比較特別的是iMax，他所成像的螢幕較大，所以所使用底片也比較大，約70mm，是屬於一種比較特殊的規格。此外，台灣會慢慢改進為數位放映，也就是說，傳統都用底片來播放，但將來會慢慢改為用3.5吋的硬碟來播放電影，這其中有一些優缺點，但整體而言，數位化是趨勢，也比較符合各方利益。Augmented Reality(擴增實境)，是一種與Webcam結合應用的3D圖型辨識技術，有興趣的看倌可以 按此觀賞阿凡達AR玩具真實使用過程。除此之外，阿凡達還可以將現有的3D資料庫，運用3D快速成型的技術將之商品化，這也是一門非常聰明的生意。

http://www.learnnavi.org/ 便可以學習納美語。

因為資料實在過於龐大，原先計畫只發表20分鐘的分享，所以也沒準備太多，如果有尚未完盡的地方敬請多包含指教。希望這次的分享也能為台灣將來3D的市場略盡綿薄之力，謝謝。

(點小圖可變大圖)


(點小圖可變大圖)

SolidWorks似乎從2009版本開始有了PhotoView 360這套額外的渲染軟體，之前一般內建的渲染器為Photo Works，但總是覺得還不太夠，少了一點什麼?因此有許多的使用者紛紛流向了Bunkspeed的hyperShot，這套軟體的確為目前工業設計者所好，因為它可以在短時間內達到很好的效果，也因此Autodesk也相繼推出Image Studio，而Solidworks在不妨多讓的情況也因此有了Photo view 360。以上是我為了測試Solidworks 2010及Photo view 360臨時建造的FLASH DISK，他在金屬髮絲及金屬綾格紋的表現上的確令人驚艷，這些材質完全是內建，雖然一些功能上還有待改進，但整體的質感似乎已經有跟hyperShot並駕齊驅的品質了。







最上面為Solidworks的繪製圖，第二張為Photo view 360的使用介面，只要依據軟體介面上step by step的操作，選定外觀、環境及設定等，即可達到逼真的畫面要求，在渲染的速度上我則是認為跟hyperShot不分上下，這對於企業老闆而言是一項福音，這代表不需再額外花費一筆費用去購買渲染軟體，而且Solidworks本身的售價就滿合理的，功能更不在話下，在使用與操作介面上(尤其2008版之後)更是直觀與平易近人。或許給有心或者更準備學習工業設計的人，另外一項優質的選擇。

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2012 官方網站 (裡面包含已經發佈的三部幕後製作花絮)

因為一個因緣際會去參加 Hammer Chen 的2012特效研討會，之後我也嘗試將2012特效解密並且實際的模擬做出其中幾個片段的3D特效。這次2012的電影大量應用3Ds Max來製作，主要分為幾個部分:
(1) 火與爆炸
(2) 煙與氣體
(3) 液態流體(海洋)
(4) 碎形(物體物理碎裂)
這些其中還包含特製的碎裂程式與渲染引擎，不過好消息是，這些電影級的軟體工具已經公開上市販售，有興趣的讀者可以但上面屬來第二頁的簡報，裡面為所使用到的軟體介紹。以下影片為我自行製作的模擬3D特效影片。

設計是屬於商業活動的一環。在商學院裡，或多或少都會接觸到商業談判的技巧，但是在台灣的設計學校卻鮮少甚至是沒有著重在這方面的培養。設計是一種買賣，在一般的貨品買賣中是屬於有形商品的價值，但是設計更來的抽象，因為他是屬於一種無形的價值買賣。

在業界，許多設計師總是與業主的衝突不斷，而衝突大多來自於彼此間想法的差異，之前我寫過一篇《40歲以上的設計師》一文，這剛好也反映出這個問題，為什麼在台灣40歲以上的設計師是如此的稀少？有很大的原因是年輕的設計師，因為不了解設計衝突的管理，所以熱情慢慢的被磨滅、志向慢慢的被抹煞，導致大家不願再堅持下去從事這個行業。

一般人認為，設計的活動，不是設計師說的對，就是業主說的算，這種絕對性的思考模式正是最大的問題癥結。談判的目的是在取的雙贏，差別在於贏多贏少，談判是屬於在灰色地帶中游移的一種溝通模式；不同於辯論，辯論的目的在於取的絕對性的對錯，不是黑就是白的世界。因此，設計師必須要先有此認知，例如在談一個案子之前可以先設定目標，今天我來談這個案子，我要得到什麼？這個目標我可以進退的範圍有多大？我的底線在哪裡等？但最重要的是事先忘掉『絕對』的想法，但不是要丟棄對於設計的堅持，而是換個角度想，對於設計的彈性空間有多少。如此一來，抱著這樣的心態與準備去談判，相信在整個案子上的衝突也會減少許多。

最後，我想補充，不管是設計還是談判，事實上都是『人』的問題，也可以說是『奇蒙子』的問題。許多事情我們會說就事論事，但設計本身就是一種比較偏向感情與情緒方面的商品，因此對於人的問題更應該敏銳處理。

21世紀的設計，應該是一個沒有界線的設計，因為那是講究心靈上的設計。在台灣，還存在著普遍工業化與代工思維的殘毒，現在要做的，應該是找出那些殘毒的環節與步驟。例如設計許多很好的錯的東西，這就是大量工業化底下所造成的原因。

找出別人怎麼做，我們就參考，或者改變其中的作法，這也是工業化大量拷貝的觀念所延伸出來的設計方法，我們要做的，應該是『演化』自己的設計；演化一定是模糊的，但總是會找到一些有趣的、可行的結果。這裡讓我想起一個小故事，我在大學的時候是學珠寶設計的，在大四準備發表畢業作品的時候，有一個同班同學，他選的是金工的自行創作，他每次的評選總是得到老師們的讚揚與高分，那時我實在搞不懂，他的想法不過是從他騎腳踏車的經驗裡來，所繳交的作品也都是半成品，跟我們這組與某知名品牌建教合作的高度商業化作品相比，我相信消費者一定會接納我們的比較多，這件事情我一直搞不懂，一直到了英國，這個文化創意產業與工藝之鄉，我才瞭解，原來她是用『心』在做設計，而我們則是用『腦』在做設計。在20世紀工業化的世紀，作設計的時候，是讓我想一想；21世紀作設計的方法，則是讓我看一看，然後感受一下。

『Few are those who see with their own eyes and feel with their own hearts.』- Albert Einstein. 愛因斯坦曾經說過：『只有少數的人是透過他們自己的眼睛看事情，以及用他們自己的心去感受。』這句話的重點在於自身的眼睛與心靈，愛因斯坦卻沒有談到用腦去看事情。

設計不是化妝術，更不是一種包裝的手法。設計不是只做產品跟形象而已，設計應該是Design Everything 設計可以是設計一個系統、一個方法、一種溝通的過程，甚至是一種領導的方式。設計不只是設計師的事情，一般人其實都在從事設計的事情，設計也不是只有倚靠某方面天份，它其實是可以有系統的學習；但是，設計絕不是在搞怪，如果一個設計師在搞怪，就代表他快玩完了。

設計是一種重新定義所有熟悉事物的工作。例如apple的執行長Steve Jobs最喜歡做的事情就是重新定義產業。在永續設計的觀念也是如此，我們所談的節能省碳，談的是『省能』，但事實上我們要著重的應該是『換能』。設計的方法也是如此，假設在設計一個產品的時候，我們總是著重在How to design（如何設計），慢慢的有人瞭解到應該是What to design（設計什麼），在21世紀的設計則是要更追本溯源Why to design（為何設計）。

台灣要從OEM要轉行到OBM的時候，就必須丟棄某些東西，歸零開始，唯有歸零開始，才會開始用心而不是用腦。但是台灣受教育體制的荼毒太深，教育的方式都是在阻礙創新學習的關鍵，以前大家所受的教育都是工業化大量的生產教育，是一種Brain Training（大腦訓練），過於偏重左腦的序列運算、知識與邏輯的訓練，沒人教導平行思考處理問題、知覺整體環境與直覺的訓練，例如所謂的知覺整體環境，便是教導觀賞自然，我在你眼前燒掉這張白紙，這張白紙並沒有消失，它只是幻化成煙、成雲、變成雨、灌溉了土壤、滋養了植物，植物供給氧氣甚至餵食了人類，其實你就是這張紙。

再者，人格教育的養成也是20世紀工業化的荼毒，在學校我們總是被教導不該犯錯、不能嘗試、不可冒險及不該故意犯規。事實上這全是違背人類發展的條件，學習應該是通過許多失敗的經驗，而去改變能力或者行為的方式。此外有兩個現象也足以證明：首先，目前最實用的學科總是享有最高的地位。人文與藝術總是墊底的科目，所以學校循循善誘的不讓你學你想學的東西，因為那些你學了以後就會找不到工作、甚至毫無社會地位可言。其次，我們對於智力的看法取決於學術能力的高低。所有的公立義務教育都是為了大學之門鋪路，其他的專長及天賦都會被抹煞。例如學校的制度與規則總是千篇一律，上課不准交談、要乖乖的坐在座位上，但是天生的舞者必須透過『動』才能思考，而這些人則會被冠上過動兒的稱號，甚至被視為一種疾病。

智力是什麼？
(1) 多樣性：我們是以各種不同的經驗來看待這個世界，例如利用視覺、聽覺、動覺、觸覺、抽象名詞、活動等。
(2) 智力應該充滿活力：各領域的不同意見相互作用與激盪，才能產生能量。
(3) 與眾不同：瞭解自然所賦予天生才能，瞭解循環並且善用這些自然的能量。如果地球上的昆蟲全部消失，50年後人類就會滅亡，假設地球上人類全部消失，50年後地球則會欣欣向榮。

設計的核心是要改變世界，即使是你身邊的小小世界。因此設計師必須不斷去定義新事物，最重要的是『自信』，非常有自信。許多人都認為設計是一種解決問題的能力，其實那是錯誤的，設計是一個解決問題的過程才是。21世紀的設計，是一種演化的設計方式。工業化的設計是一種工廠行的作業模式，他讓你明確知道然後確實執行，是一種要求學習少、速度快、良率高的模式。21世紀的設計作業則是模糊知道、捕捉模糊、嘗試錯誤以至於演化結果的學習式模式。人期望明確，但天永遠模糊，所以要向演化學習模糊的能力，寧願要對的模糊，也不要錯的清楚。

最後，有些人或許會有些疑問，總是認為這跟實務應用有所差距，但事實上這就是工業化的思維，講求明確清楚的對錯，這讓我想起一位談判專家所說過的話，他說：『談判的目的是取得雙贏，贏多贏少的問題而已，談判的地帶是屬於灰色的模糊地帶，沒有絕對的對錯；辯論則是相反，在辯論的世界裡非黑即白。』

Reference: 設計邊境 / 什麼是設計 / 姚仁祿 先生

馬路: 3Ds Max / VRay


線稿合成圖

一個簡單的主題、幾片簡單的3D Plane也可以傳達出作者的情感，我把情緒都表現在燈光上，在都市裡生活的人一定不陌生這樣的場景，尤其在多雨的台北街頭，或許是以設計師為志業吧！總是處處留意那些人們所不經意的地方，其實看(Looking)，對設計師而言是很重要的一件事，怎麼看？看什麼？為什麼看？等等都是問題，我想這就是原研哉所強調的『觀物之法』吧！無論怎麼看，我認為與其想那麼多的去看，不如換一雙眼睛去看，所謂的換一雙眼睛其實就是用別人的眼睛去看、用花草的眼睛去看、用天空的眼睛去看、用雲雨的眼睛去看，到最後，很複雜的似乎都被簡化了。

最終效果圖 / 按此可觀賞清晰版大圖

設計師的職業生涯到底可以走多久？許多人認為在台灣一定走不久，甚至有人認為設計師到了35歲以後一定要轉管理職，事實上，在台灣並沒有太多設計管理的職位，更何況轉為設計管理職位後，所著重的是在於管理的工作而不是設計工作，再者管理並不是每位設計師都適合的工作。我想正因為這些觀念，所以台灣的設計產業一直在遭遇瓶頸吧！

原研哉認為，四十歲之後才是設計的開始與輝煌的時期；孔子說四十而不惑，人生到四十歲已經有了自己的生存之道，對於自己的觀物之法與方法論也已悄然成形，這時候，在工作模式上就比較能夠主導，將自己的理念與想法公諸於世，這時候認同自己的人會產生共鳴，自然就會有合作機會。不可諱言，設計師終究不是生產的工廠，無法囊括所有的市場，設計師比較偏向一種小眾的領域，朝這個想法，便可以比較了解為何要尋找共鳴之人的道理。

深澤直人說到，他從事了10年的工業設計工作後，第一次感覺到有大師的風範是在他離鄉背井到美國從事設計工作，那時，他在美國被要求設計一款具有日本風格的作品，他苦思之後，便由自己的生長過程找到了源頭，是一種透過反省找到自我的設計法則，之後，他認為痛苦的不再是設計這件事情，而是找他設計的人並不清楚自己要什麼。

寫這篇文章不是在強調應不應該轉管理職，而是設計師應該有以設計作為志業的打算，所謂的志業就是一輩子的事業，換個方向想，有多少職業是可以做一輩子而不受時間與空間的侷限？我認為，不是這個社會不給設計師機會，而是更多的設計師放棄自我、放棄這份志業，這些感慨來自於設計科系的學生，他們發現他們未來的路是多麼的迷惘；這其中還有一個小故事，原本2009台灣設計師週有一項非常好的主題：台灣四十歲以上的設計師。發起人是李根在老師，他無奈表示，要尋找到台灣目前還在第一線從事設計工作四十歲以上的設計師，要超過15位真的有些困難。

我認為，當台灣每一位設計師將設計這份工作當為志業時候，才是代表臺灣設計行業興盛的時候。儘管這中間會遭遇多少問題與現實的壓力，但換個方面想，哪一份工作不是如此？沒有絕對的工作是有絕對的保證，都是365行中其中一行，行行出狀元。

最後，我想表達的是，不管是尚未投入或者已經投入這份工作的人，或許都可以想想，為什麼要進入這行？如同深澤直人最害怕遇到自己不知道要什麼業主，設計師或者想從事這份工作的人（包括學生），都因該先辨別自己的志向，想清楚點，將來的力量才會多一點！