April 20,2012

樹立風景畫的新典範──倫敦皇家藝術學院之大衛‧哈克尼回顧展


文/江凌青(原文發表於《藝術家》雜誌2012年2月號)

                                             新的觀看方式,就帶來新的感受方式。 ---大衛‧哈克尼(David Hockney)

英國皇家藝術學院(Royal Academy of Arts)從2012年一月21日到四月9日展出國寶級畫家大衛‧哈克尼的「大畫」個展(A Bigger Picture),其中包括他五十年來的藝術生涯中的經典之作,也包括他自2006年開始發展的全新風景畫系列。這個最新系列的創作皆是以多幅畫布拼組出巨幅風景畫(最大的作品是由15幅畫布組成的〈冬季木材〉,長274 、寬達 609.6 cm), 在樸實又充滿童趣的畫風中,蘊藏著這位曾連結抽象表現與普普藝術、又不斷探索視覺媒介科技的藝術家對當代繪畫的觀點。現年74歲的哈克尼在2007年夏季的個展「水邊巨樹」中,首次開發出這種「以不尋常的尺寸來呈現尋常風景」的繪畫策略,之後他便持續以家鄉之景為謬思,甚至積極捍衛當地景觀的保存。 這位曾一度遠離英國而定居加州的繪畫巨匠,如今不但讓英國風景重新回到他的作品裡,也在擁抱了加州的陽光長達三十年後,回過頭來讚頌英國多變的氣候。哈克尼曾在自傳中如此說道:「我是個工作不輟的藝術家,雖然有些人以為我總是把時間花在游泳池或夜店裡,但事實並非如此──我把大部分的時間,都花在創作上。」在加州定居了三十年後再回到英國,以全新的視野來觀看英國鄉土,哈克尼顯然重新感受到了加州所沒有的英式風景魅力,並且以超乎尋常的尺寸來實踐他對繪畫創作的熱情。但這個系列其實並不能與他過去在加州創作的作品切割開來,因為他在加州晚期最重要的作品,就是描繪大峽谷的巨幅風景畫作系列──為了呈現出哈克尼對風景畫類型的思考脈絡,這些創作於九零年代的大峽谷系列,也會出現於這次的個展中。

為了最新的巨幅風景畫系列,哈克尼現在的工作室不但是他使用過最大的工作室,他還積極嘗試最新影像科技如蘋果電腦、iPhone與iPad以輔助創作。雖然哈克尼曾自嘲:「繪畫已是老人家的玩意兒。」但他的繪畫顯然在保存了景觀的老靈魂之餘,也力求追隨當代視覺文化的演進。這個展覽可以從三大主軸「普普藝術」、「視覺科技」與「回歸鄉土」來進行深入解讀。哈克尼如何以繪畫串聯二十世紀視覺文化中的重要題旨與現象,將是美術史學者在研究風景畫類型時的重點。
 
圖說:以上兩幅皆為Hockney 以iPad創作的速寫。 ...繼續閱讀

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April 14,2012

丁香微物,剛剛好:宇文正《丁香一樣的顏色》



(原文發表於國藝會藝評台,獲2011「台灣藝文評論徵選專案」首獎)


將丁香確立為一種象徵
英國作家約翰‧伯格(John Berger)曾說,每當我們多發現世界的一點美,我們就比較不那麼孤獨。他認為去擁抱生命的當下存在,比斤斤計較於生命的過程來得更重要;而發現微小之物如一顆水晶或一朵罌粟的美,則是使我們擺脫對過程的執念,而用心凝視當下的關鍵。(註一) 宇文正的最新散文集《丁香一樣的顏色》,正是對伯格之說的最佳實踐,只是吸引宇文正眼光的不是赤紅惹眼的罌粟花,而是平淡清雅的丁香。她信筆寫下生活中的諸多小事,彷彿以文字種了一地丁香,丁香蔓延,溢滿了每個時間的轉角。

這本以短文為主的散文集,共有三卷,卷一《都是真的》寫日常瑣事,諸如指尖的觸感、對鉛筆的迷戀、對城市轉角的期待、對牡蠣的想像等,都在平淡中帶有毫不做作也不老梗的幽默;卷二《昭君很忙》則以親子互動為主軸,紀錄下許多令人拍案叫絕的日常時刻,例如她與兒子在餐廳裡用餐,兒子指導她如何玩手機遊戲,鄰桌的母親則一邊吃飯一邊對孩子曉以大義,叮嚀上課要認真等等,兩相對照之下更顯宇文正母子的特別,而這樣的段落在卷二中俯拾即是,母子對話像是個聚寶盆,源源不絕地生出令人捧腹又引人深思的哲理;而卷三《親子之木》則以更為深入的篇幅來呈現親子情感,例如兒子將母親視為需要保護的小樹、或是兒子與母親一樣喜歡旁聽他人對話後再理性分析甚至以成語或相聲下註腳等,都充滿讓人咀嚼再三的餘韻。宇文正筆下的自己不是個典型的母親,全家人甚至只有早餐這一餐在家裡共享,但母子對歷史、相聲的共同興趣卻讓他們的親情另闢一塊甜蜜的腹地,那裡水草抽長、丁香滿溢,每條泥土的褶皺裡都有故事。

然而,到底何為「丁香的顏色」?宇文正坦言,丁香有白、紅、黃、紫多種顏色,而丁香的顏色倒底是哪一色,她也不清楚;但她其實透過這本集子裡的選文,將丁香確立為一種日常之美的象徵。而丁香的顏色到底為何,已不能用尋常的色彩學來解釋。 ...繼續閱讀

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《師身》教我的事



雖然還沒造成全面恐懼,不過對她來說,已經有了影響,傳言就像霧水一樣,走在森林裡,不知不覺地被這霧水濕透上衣,而感到身體越來越冰冷與沉重,必須趕快把這霧水烘乾才行。---王聰威,《師身》,頁199-200。
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April 7,2012

為歷史捏塑出一張當代的臉:大英博物館葛里森‧佩里「無名工匠之墓」特展


打扮成女裝的Perry攝於大英博物館前(Grayson Perry as Claire at the British Museum. Image via www.guardian.co.uk)

作尋常男裝打扮的Perry攝於此次個展中的作品<真相與信仰之地圖>前


身為一個藝術家,我的角色其實更接近於巫醫,我盛裝打扮、述說故事、賦予物件意義並且使它們顯得更具重要性,就像宗教一樣,這並不是一個理性的過程,我用的是我的直覺。有時候,人們對「意義」的渴望會阻擋他們去好好享受這個世界,有些人將非理性的經驗稱為「失去知覺的超靈異體驗」,但我並不這麼認為。──葛里森‧佩里

義大利哲學家克羅齊(Benedetto Croce,1866–1952)曾說過一句名言:「所有的歷史都是當代史」。這句話的意思顯然是要指出人們對歷史的解讀永遠難以擺脫當代文化的影響,但克羅齊或許沒想到,這句話能被當代藝術家葛里森‧佩里(Grayson Perry, 1960-)推演到何等極致之程度。大英博物館邀請佩里來以私密而藝術性的方式解讀歷史文物,懷抱著為眾多無名工匠樹立墓碑的虔敬心情完成了「無名工匠之墓」特展,而這個特展等於也是「佩里版的世界史」,是絕對個人化的,也是當代性的解讀。 這個展覽將工藝傳統的歷史作為策展軸心,從大英館藏中挑選諸多製作者已不可考的作品,來向觀者展現工藝傳統如何與人類文明的進展緊密相依;更驚人之處是佩里將這些歷史物件作為重組一個想像的世界、一段想像的歷史,進而發展出他自己的作品。從當代藝術、策展、人類學研究與博物館學研究等各層面來看,這個小而美的展覽都絕對是2011年最為重要的展覽之一;若從跨領域的價值來看,這個展覽更是英國近年來最為原創的策展範例。(原文刊登於《藝術收藏+設計》2012年2月號)

 
葛里森‧佩里 羅賽塔瓶(The Rosetta Vase) 2011 © Grayson Perry. Courtesy Victoria Miro Gallery, London.
佩里擅長以塗鴉、插畫性的圖像與文字來讓造型傳統的陶瓶充滿當代文化質感,例如在這件作品中的許多文字都擷取自當代文化潮流與日常用語,如「出售」(for sale)、「照相手機」(camera phone)、「臉書世代」(facebook generation)、「後後現代」(post-post modernism)、「數位時代」(the digital age)等,雖然看似隨機,但又像是精心挑選以呈現當代文化截面的文字系統。此外佩里也透過簡短文字來呈現他的個人意見,例如「將博物館作為教堂」(museum as cathedral)、「輕鬆看待你的信仰」(hold your beliefs lightly)等句子,都可以作為分析此展覽的切入點。泰迪熊艾倫的形象也被融入此作,例如在寫著「輕鬆看待你的信仰」的圖樣中,就將艾倫描繪為穿著西裝的聖像人物;而在寫著「經典品牌」(iconic brand)的紋樣裡,艾倫則化身身騎黑馬、手持寶劍的騎士。

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valchiang發表於 樂多00:31回應(0)引用(0)英國美術館大展

February 3,2012

漫步,或是情節的歸位──從奧利佛‧漢格的〈游擊漫步〉思考數位藝術中的敘事


原文刊登於《藝外》雜誌2011年11月號與台北數位藝術中心《數位荒原》線上期刊)

摘要
本文從螢幕想像/真實漫遊的差異來探討奧利佛‧漢格的作品〈游擊漫步〉,論證漢格如何擷取新媒體文化中的城市意象,來擴充與強化觀者在城市中的真實漫游體驗,進而創造出一種通過螢幕而回歸現實的感官機制,這樣的機制一方面回應了當今以網路平台為主導的視覺文化生產,另一方面也間接呼應了傳統電影美學中的寫實理想,而觀者與真實之間的距離,也因此被漢格的〈游擊漫步〉所創制出來的儀式性行為改造為曲徑式的空間,這樣的空間不再是非伸手便可觸及的日常景觀,而更像是虛構的現實幻象。本文以德•塞托與巴贊對真實空間之定義與理想為論述脈絡,反思真實在數位藝術中的價值與定位。

This article explores Oliver Hangl’s work “Guerrilla Walks” from the difference between screen imagination and walks in the real world, in order to demonstrate how Hangl applies the urban imageries of new media culture to expand and strengthen spectators’ experience of walking in the city, and thus creates a sensory device that passes through the screen and returns to the reality.

關鍵字:現實幻象(illusion of reality)、視覺文化(visual culture)、德•塞托(Michel de Certeau)、巴贊(André Bazin)
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valchiang發表於 樂多21:01回應(0)引用(0)當代藝術

就看我要怎麼演──蔡明亮錄像裝置作品〈情色空間〉中的電影美學脈絡


(全文刊登於《電影欣賞》季刊第146期)

導演蔡明亮的錄像裝置作品〈情色空間〉提供觀者一種思考蔡氏電影風格的新視角,這件作品是繼2007年於國立故宮博物館的「發現彼此──國際電影裝置展」中發表的〈情色空間〉後,蔡明亮再度以此標題創作的裝置藝術作品。他對於跨領域藝術創作的嘗試還不僅於此,除了為羅浮宮拍攝的盛大之作《臉》,他還在2007年受邀為坎城影展六十週年拍攝短片《是夢》,並且將此作轉化為裝置藝術的形式,於威尼斯雙年展台灣館展出,而這件作品也在2010年由台北市立美術館典藏。蔡明亮近年來頻頻將其風格強烈的影像轉化為更具開放性的造形藝術形式,這樣的轉化手段不僅拓寬了他在創作上的可能性,更使得他那一向被視為艱澀難懂的影像脈絡終於得到了一個更為適切的落點。換句話說,過去那些使他的電影「難懂」的,反而是讓他的跨界裝置藝術作品「好懂」的元素;然而這樣的說法並非要推翻蔡明亮的電影成就;相反的,是要提醒那些曾抱怨看不懂蔡導電影的觀眾,或許可以藉由一遊〈情色空間〉,來化解他們過去在觀影時,無人為之解答的諸多困惑。
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valchiang發表於 樂多17:22回應(0)引用(0)Film and Video Art

December 15,2011

2011年泰納獎特別報導


圖:泰納獎展纜現場。Baltic Centre for Contemporary Art

(原文刊登於2011年12月號《藝術家》雜誌)

要說2011年開啟了泰納獎的新紀元,其實一點也不為過。
2011年,泰納獎第一次在非泰特系列的美術館裡展出。
2011年,泰納獎首度讓自然寫實主義的風景畫家入圍。
2011年,金匠藝術學院在連續有畢業生入圍泰納獎近二十年來,終於缺席了。
2011年的泰納獎從十月初到明年一月於英國北部的巴爾帝克當代藝術中心(Baltic Centre for Contemporary Art)展出。2011年的泰納獎看似就像過去一樣包容了各種媒材的創作者,但其實已暗暗指向了當代藝術對轉型的渴望。 ...繼續閱讀

valchiang發表於 樂多19:17回應(0)引用(1)當代藝術

December 13,2011

愛,秘密,以及耀眼的光──崔西‧艾敏回顧展


圖:倫敦海沃藝廊(Hayward Gallery)展覽期間牆面 (原文刊登於2011年9月號《藝術收藏+設計》雜誌)

倫敦海沃藝廊在今年五月到八月底展出崔西‧艾敏的最新個展〈你要的是愛〉(All you want is love),以回顧展與新作發表的形式集結了她歷年來創作的12件拼布掛毯、16件霓虹燈雕塑、大型裝置、錄像與影片、與她生命歷程相關的諸多物件、近年來的繪畫與雕塑作品等,提供觀者一片完整的創作景觀。無論是對喜愛她的創作、對她的名聲感到好奇、甚至是不認同她的作品的人而言,這場展覽都是讓他們重新認識這位傳奇女性藝術家的絕佳機會。
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valchiang發表於 樂多01:26回應(0)引用(0)當代藝術

December 11,2011

充滿黑暗原力的童年時光──查普曼兄弟(Jake and Dinos Chapman)的另類繪本現身維多利亞與亞伯特童年博物館


(原文刊登於《藝術收藏+設計》2011年12月號)

以英國年輕藝術家(YBA)之身分崛起於當代藝壇的查普曼兄弟,向來以充滿顛覆的藝術語彙為觀者帶來驚奇,在顛覆之餘也對美術史與歷史做出諸多回應,例如哥雅的版畫與希特勒的水彩畫都曾成為他們挑戰禁忌的素材。然而除了歷史性的題材之外,他們也大膽探測當代藝術與色情、暴力之間的界線,不斷創造出聳動的議題。慾念橫流、血腥瀰漫的感官經驗,似乎已構成了查普曼兄弟作品的核心。近來他們的系列版畫〈我的魔王著色本〉(My giant colouring book)於東倫敦的維多利亞與亞伯特童年博物館盛大展出。與過去的作品相較,這個系列看似只是細膩的小品之作,但其實卻暗藏了更多令人驚奇的黑暗能量與怪誕語彙。
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valchiang發表於 樂多03:15回應(0)引用(0)當代藝術

2011年英國泰納獎入圍者介紹(四)降落在當代的英國幽魂:喬治‧蕭(George Shaw, 1966-)


巴爾帝克藝術中心在展出喬治‧蕭個展時的外牆,牆上的作品是《熱情:假期的第一天》(Passion: The First Day of the Holidays 2003),落寞的小鎮景色與繁榮的市區河岸與藝術中心本身的工業建築形成戲劇化的對比。

(原文刊登於《藝術家》雜誌2011年12月號)
喬治‧蕭獲得泰納獎提名的展覽,正是今年二到五月在巴爾帝克當代藝術中心舉行的個展「那悄悄流逝的日子」(The Sly and Unseen Day)。此展大受歡迎,無論一般民眾或評論界都給與高度評價,盛讚喬治‧蕭畫出了英國的真貌。生於英國中部小鎮科文翠(Coventry)的喬治‧蕭,在1998年於倫敦皇家藝術院取得碩士學位後,定居於英國南部的多文郡(Devon)。雖然早已遠離家鄉,但他從九零年代開始,就完全只以幼時居住於科文翠的一處社區為繪畫主題,最遠也只及社區方圓半哩內的風景。然而這樣的風景卻非一般人聽到英國小鎮時會聯想到的田園風情畫,而是戰後英國政府在各地大量建造的社會住宅,不但外觀形式呆板劃一、連周遭環境也十分荒涼醜陋。在這些風景畫中,總是完全不見人影,取而代之的是地面上的落葉與紙屑,或牆上的污漬與凝重的水氣。這些讓風景與建築都顯得分外蕭瑟的細節,在被喬治‧蕭重覆描繪了十數年後,卻為英國人不堪承認的另一種「英國風情」留下了最好的檔案紀錄,也因此開始在蕭颯荒蕪的氛圍中閃爍起詩意的靈光,像是終於得以降落於當代文化裡的英國幽魂。
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December 10,2011

2011泰納獎入圍者(三)穿越影像,回到機器母體:希拉蕊‧洛依德(Hilary Lloyd, 1964-)


希拉蕊‧洛依德,《月亮》(Moon),泰納獎現場裝置,2011。© BALTIC & the artist ,Photo: Colin Davison

原文刊登於《藝術家》雜誌2011年12月號

希拉蕊‧洛依德以她在東倫敦的雷文洛藝廊(Raven Row)的個展入圍本屆泰納獎。此展是她在倫敦舉行的首次大型個展,呈現了她十年來的創作成果。出生於約克夏郡西部小鎮的洛依德,在1987年畢業於新堡工藝設計學校(Newcastle upon Tyne Polytechnic)後,就前往倫敦發展,在創作上主要以錄像投影、幻燈投影等形式為主。不同於那些強調影像美學的藝術家,洛依德強調的是儀器本身,也就是播放影像的科技設備所可能構築的具體景觀;因此與其說她的作品是錄像投影,倒不如說她借用了影像來凸顯與映照那些如同另類雕塑的機器設備。
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2011年泰納獎得主: 馬丁‧波伊斯(Martin Boyce,1967-)


馬丁‧波伊斯,《文字是否也有聲音》(Do Words Have Voices),泰納獎現場裝置,2011。© BALTIC & the artist, Photo: Colin Davison
原文刊登於《藝術家》雜誌2011年12月號

馬丁‧波伊斯以他在蘇黎世的Eva Presenhuber藝廊的個展《葉子圖書館》入圍本屆泰納獎,此展是他在2009年參與威尼斯雙年展中的作品《無倒影》的延伸。波伊斯和布雷克的成長背景十分相似,兩人都來自蘇格蘭鄉下小鎮、也都在格拉斯哥藝術學院一路拿到學士與碩士學位,最後就留在當地創作與發展。此外,兩人還分別在2009年與2011年代表蘇格蘭參與威尼斯雙年展。兩人本次同時入圍泰納獎,可以說對蘇格蘭當代藝術的發展別具意義,也等於直接肯定了蘇格蘭官方對當地代表性藝術家的選擇。波伊斯試圖重探現代主義設計的美學形式與理想,以創作出深具詩性氛圍、同時又能展現設計美學的裝置作品,並且對現代主義的視覺語言提出重省與指涉。 他以純然造型性的思考來組構他的作品,而在這樣孜孜不倦的實踐下,他的作品又在不知不覺中回應了設計史與美術史,也因此充盈了與經典形式對應而生的豐富回音與聲響。 ...繼續閱讀

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2011英國泰納獎入圍者介紹(一)讓直覺蔓延成一座城堡:卡拉‧布雷克(Karla Black, 1972-)


卡拉‧布雷克,《無須在意言語》(Doesn't Care In Words, 2011),泰納獎現場裝置。© BALTIC & the artist,Photo: Colin Davison

原文刊登於《藝術家》雜誌2011年12月號

卡拉‧布雷克以她在柏林的 Capitain Petzel藝廊的個展入圍本屆泰納獎。來自蘇格蘭小鎮的布雷克,是本屆最為年輕的入圍者,2009年才在牛津現代美術館舉行了第一次個展。她在知名的格拉斯哥藝術學院一路取得學士與碩士學位,最後就定居當地,成為近來發展旺盛的格拉斯哥藝術圈的一份子。雖然年輕,但她卻成功地以充滿夢幻色澤的作品征服眾多觀者,並且代表蘇格蘭參加本屆威尼斯雙年展。
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景觀的再生:英國如何以藝術再造沒落市鎮


(原文發表於《藝術家》雜誌2011年9月號) 圖:Turner Contemporary ,Image © Richard Bryant/Arcaidimages.com

英國藝術圈近來動盪不安,主因是政府官方的藝術補助大為縮減,有許多長期接受政府贊助的非營利藝術組織都在今年三月底被大砍經費、甚至得在長期仰賴政府補助後,突然面臨今後數年都將完全沒有官方補助的挑戰——情況到底有多嚴重呢?根據衛報統計,共有206個藝術單位的經費被砍得精光(其中有49個單位是在倫敦),總金額高達190萬英鎊,而其中受創最嚴重的就是視覺藝術類,因為在206個單位中,有高達四分之一都是純視覺藝術類,其次才是綜合藝術與劇場等。

但這樣慘不忍睹的情況,卻又與另一個藝術發展盛況形成驚人的對比:許多重要的當代美術館都在今年於英國各鄉鎮開幕,其中包括四月在肯特郡的馬格鎮(Margate)開幕的泰納現代美術館(Turner Contemporary)、五月在約克夏雕塑公園附近的小鎮威克菲爾德(Wakefield)開幕的赫普沃斯美術館(Hepworth Wakefiled),這兩個美術館都是由史特靈建築獎(RIBA Stirling Prize)得主大衛‧吉普菲德(David Chipperfield)設計 ;此外還有九月底於英國最古老的小鎮開幕的福斯塞特美術館(Firstsite)。在藝術活動方面,同樣位於肯特郡海邊的小鎮佛克斯通在2008年的成功處女秀後,再次舉辦了「佛克斯通三年展」(Folkestone Triennial),而像布朗斯達爾(Broadstairs)、當格斯(Dungeness)等在1980年中期吸引了許多藝術家移居當地的沿海小鎮與村落,也都再次發展出令人注目的藝術生態,每年夏天都充滿了令人振奮的藝術活動,如八月底的賀內海岸藝術節(Herne Bay Festival)、海斯鎮(Hythe)的威尼斯節、以及在著名古蹟沃梅古堡(Walmer Castle)與里奇伯勒羅馬堡( Richborough Roman Fort)舉辦的電影節,加上去年剛舉辦過的第五屆惠斯特堡雙年展(Whitsable Biennale)等,在在都讓一度衰頹的英國東南海岸線顯得生氣蓬勃。這些小鎮結合了景觀、文化歷史等優勢,為當代藝術提供了一個有別於倫敦首都的環境,也因此在過去五年間開始快速地發展為新的英國藝術地標。而這樣的傳統其實在英國藝術中早已存在,畢竟二次戰前的英國藝術重心就是在康沃爾(Cornwall)、多文郡(Devon)等遠離都市文明的優美鄉間,只是這樣的風潮再次於21世紀復甦,驅使當代英國人往鄉鎮出走。 ...繼續閱讀

valchiang發表於 樂多02:16回應(1)引用(1)當代藝術

在空無的景觀裡尋覓想像的旅途──伊莫金‧史綈德沃希(Imogen Stidworthy)的聲音影像


(原文發表於《藝術家》雜誌2011年8月號)

  來自利物浦的女性藝術家伊莫金‧史綈德沃希(Imogen Stidworthy, 1963-)以錄像與新媒體創作聞名,曾在德國文件展、上海雙年展等大展展出,並且獲得2008年利物浦藝術獎(Liverpool Art Prize)。2011年上半,她陸續在布里斯托的阿諾菲尼藝術中心(Arnolfini)舉辦首次個人回顧展,又在倫敦當代藝術重鎮之一的麥特藝廊(Matt’s Gallery)展出最新作品,兩個展覽都深受英國藝術圈注目。透過這兩個展覽,觀者可以清楚欣賞到她長期以來對語言結構的研究,尤其是語言學形式之間的細微差異。她的作品其實也可以說是當代藝術版的語言人類學,從自己家鄉的方言人士、語言障礙者到語言天才,都讓她對聽覺與語言的探索邁向新的層次

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valchiang發表於 樂多02:08回應(0)引用(0)Film and Video Art

景觀的脈搏,眾生的未來:評鍾孟宏的《第四張畫》



這部電影給人的第一個印象,是浸濡著光影與濕氣的景觀,在螢光幕上川流不息地蔓延開來。台灣鄉間小鎮的風景在鍾孟宏的鏡頭裡顯得安靜,但又似乎有什麼聲響規律地浮現出來,像是脈搏,雖然穩定,但仍不時因為某些外力刺激而加速跳動——《第四張畫》就是這樣的電影,在看似靜定、舒緩的影像節奏中,插入了許多讓人心跳加速的段落:陰沈的也好,憂傷的也罷,這些從觀者的角度看來太過戲劇化的段落終究是劇中角色們必須面對的一種風景,即使其中醜態畢露、暗影張牙,導演終究沒有將這些人生的暗面與詩意飽滿的田園景色區別開來,而是讓它們合流,直到彼此成為同樣的色澤。

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August 3,2011

在眨眼與呼吸之間,開始愛:評張作驥《當愛來的時候》




從縫隙裡鑽出的故事

正如張作驥過去擅長的敘事策略,《當愛來的時候》也以一整個家庭為主角,而故事也就流動醞釀於這群平凡人之間。女主角來春是個無所事事的十六歲少女,與父親黑面、大媽、二媽、妹妹、爺爺(大媽的父親)還有自閉症叔叔阿傑同住一個屋簷下。黑面入贅到大媽家,卻因大媽無法生育而與二媽生下兩個女兒,之後又在來春十六歲這年生了個兒子;而這個家的另一位新成員阿傑,在母親過世後,被大哥黑面從金門帶到台灣照顧。新成員帶來的衝擊,加上來春又突然發現自己懷孕,再加上黑面忽然病危,使得一開始看似只是吵吵鬧鬧的通俗劇,逐漸累積出厚實的、面對生命的愛意——是的,《當愛來的時候》講的並非愛情、甚至不見得是親情,而是更為廣義而全面的、面對生命的愛意。

原文首發於國藝會藝評台

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July 16,2011

在一片雜訊中宣告行動的開端──2008年泰納獎得主馬克‧雷奇(Mark Leckey)倫敦個展〈瞧,我們團結起來了〉


馬克‧雷奇,〈綠螢幕:冰箱行動〉(GreenScreen RefrigeratorAction)
2011年五月12日在蛇形藝廊舉行行為藝術表演。Photograph: Mark Blower

2008年泰納獎得主馬克‧雷奇(Mark Leckey, 1964-),近日在倫敦蛇形藝廊舉行第一次的英國公立藝廊個展〈瞧,我們團結起來了〉(See, We Assemble),此展呈現出雷奇跨領域的功力,以雕塑、聲音、影像、表演藝術等多重形式來呈現科技與人性之關係的演變。他最關注的主題是機器如何從工具演變為人物般的存在,成為我們的分身、代理人甚至操控者。對機器媒介的高度警覺性在藝術圈並非創新的議題,但雷奇的魅力在於他以大眾傳播媒體的刻板模式(如廣告、電子遊戲畫面與電影預告片)來轉化此議題的嚴肅性,進而以充滿黑色幽默的方式來提點觀者自身與媒介世界的關係。

(原文刊登於《藝術家》雜誌2011年7月號) ...繼續閱讀

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July 15,2011

從黯淡的慶典到一座不老的城市:《小城市》裡的回憶、想像與敘事




小時候經過覺得好大的遊樂場,長大了城市也長大了,搭捷運穿過的時候只覺得那遊樂園好小。
小得讓人以為看見城市小時候。

-----《小城市》(1) ,296頁。

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March 29,2011

科技洪流中的復古精神──2011英國動力藝術博覽會(Kinetica Art Fair)Part 2



The Good, The Bad, The Ugly © Christiaan Zwanikken(原文刊登於《藝術家》雜誌2011四月號)

克里斯坦‧史旺肯(Christiaan Zwanikken)的作品〈善的、惡的,與醜陋的〉是一系列結合機械裝置、標本與化石的作品,不但以集合藝術美學創作出另類的機械生物,更呈現出一種奇妙的視覺考古學,以機械的文體挖掘與採集著生命的顛沛與顫動。藝術家要探討的是科技如何能成為生命的延伸,以及最後生命如何為科技所宰制的狀態;藉由科技器械,他得以為動物的碎屑、遺骸重新黏附上生命的靈光,進而以可見的機械零件與不可見的生物細胞,衍生出多重物質與非物質、有機與非有機之間的辯證。藝術家指涉著這個年代的科技發展已近乎失控,看似能流利對答的機械鳥,其實也不過只是透過電腦的隨機操控而胡謅瞎扯,觀者僅能透過機械鳥們嘰嘎轉動的動態來試圖逼近與解讀牠們所拋擲的語彙,然而這群機械鳥到底是在與誰互動或凝視何方,永遠都沒有確切答案與解讀指標,一切都因為電腦的隨機操控而顯得撲朔迷離。這樣的互動藝術已失去標的,名為互動,但卻提醒著觀者,在這個數位氾濫的時代,互動已如同一種只能逼近、卻無法到達的烏托邦。
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valchiang發表於 樂多17:33回應(0)引用(1)當代藝術
 
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