最近國內由 MOT 引進的「nextmaruni」座椅，在東京的六本木「Le bain」Gallery舉辦了年度發表「nextmaruni 的 Life Style」，這次的展覽延續了一向以「傳遞日本美感信息」為題，推出 Lounge 系列桌椅。參與此次設計的設計師包括米蘭的 Alberto Meda、赫爾辛基的 Harri Koskinen、黑川雅之、倫敦的安積伸、Tetsu Sumii、深澤直人、植木莞爾等所設計的十組作品。

「nextmaruni」這個計畫係由1928年在宮島創業的日本家具老牌「Maruni wood industry」於2004年所推出一個結合了文化與產業的活動。

由「NPO東京DESIGNER'S WEEK」舉辦的〈Tokyo Designer's Week〉，其前身是1986年開始的〈Tokyo Designer's Saturday〉，當時僅限於專業人士──設計師、廠商參與的設計活動。1997年開始，為了提升日本國人的設計意識，開始成為開放給大眾參與的全民設計活動。
選在每年楓葉變紅的涼爽十月，在東京都展開一連串熱鬧的設計活動，有從由各單位贊助的「貨櫃設計展」（Container Exhibition）、「學生作品展」（ S tudent E xhibi t ion） 、「專業設計師展」（Professional Exhibition）還有「商店展」（Shop Exhibition）等，2005年更加入了「1OO% DESIGN TOKYO」，讓「東京設計師週」成為每年最重要的設計活動之一。
「1OO% DESIGN TOKYO」的展場中，主要集合了國外設計師、日本海內外的家具設計、製造、銷售大廠，除了展出最新的產品設計或是新概念，甚至是米蘭設計展中的新設計也會移植到東京展示；同時間，歐洲的設計大師也會受邀到東京為他們的商品站台，像設計師Michael Young、Karim Rashid、Tom Dixon等都曾應邀參加，而日本的設計大師也會有許多商品選在此刻廣為發表宣傳。「1OO% DESIGN TOKYO」是一個頻繁的商業交流活動，讓日本的設計舞台在國際間逐漸拉升。

Container Exhibition
「貨櫃展」最早是在台場的海風吹拂下舉辦，因為台場是一個填海的地方，離港口也近，自然與貨櫃有更大的關聯。而每年的貨櫃展，分由企業、公司與設計師等贊助設計，以貨櫃為舞台，以不同主題、用各式新奇手法推銷設計理念，而近年以「LOHAS」（Lifestyles Of Health And Sustainability）為概念的貨櫃群更導入了健康與永續的生活型態概念。

Student Exhibition
「學生作品展」──主要是為日本各地設計科系的學生所提供的一個作品發表空間，從北海道到九州的學生作品都會以相同的作品主題，齊聚一堂，彼此交流觀摩。儘管作品成熟度與精緻程度不及名家大廠之作，但大膽的創意與嘗試，豐富了設計的多元性與無限可能，讓人留下深刻印象。

Professional Exhibition
在六本木的Art Hills廣場上，由專業的設計師、工作室等職業設計工作者，在固定的範圍內，依照既定的主題設計相關產品，或桌或椅或裝置作品；每年都有上百件作品在這個陽光充足、空氣清新的高級使館區專業開展。

Shop Exhibition
遍佈東京各地的近百家設計店鋪也會加入設計師週的活動，每個商家分別推出不同主題裝置或新產品的方式，讓設計週的活動藉由消費產生更多的互動。此外，大使館也會在此刻敞開大門，成為舉辦設計活動展示的空間，展出內容以該國的設計產業為主，像西班牙、瑞典或是義大利等等。這已成了每年重要的設計活動之一，也是參觀大使館很好的機會。
貨櫃展除了這些主要的活動外，設計師週還會企畫一些有趣的活動，像是酒會、開放設計師的工作室，或是歌手的音樂活動與設計研討會等等，讓短短五天的設計活動裡，絲毫沒有喘息的空檔。(END)

摘錄自《設計東京》一書〈秋天一起到東京看設計吧!〉單元，高寶出版。

儘管2005年〈TDB〉停辦，先前所留下來的設計風氣與經驗軌跡也是不容磨滅的。因而在這個空檔，由「CiBONE」等商店的支持，開始舉辦了〈Design Tide〉的設計活動。以原宿青山區域為腹地的〈Design Tide〉，在第一年就舉辦超過 9O場以上個設計事件，同樣地也舉辦設計比賽、裝置等，包括了「BEST TOKYO DESIGN」「INSTALLATION」「ECO」等獎項，來鼓勵新一代的年輕設計師。
以「煽動一個新的設計浪潮，並用設計連結人們」為出發點的〈Design Tide〉，希望不只是提供創作者一個發表創作的空間，還希望以創造好的設計環境，去提供、連結「創作者」與負責行銷、生產與銷售的「產業界」一個可以相互交流對話的空間。
從〈Design Tide〉在青山外苑成立了辦公室的企圖，可以感受這並非曇花一現的設計活動。辦公室得負責展覽品質的監控（Quality）、資料的典藏（Archive），還有創意界與產業界的交流（Comunication）。而從市面上開始出現〈Design Tide〉的專刊與設計有聲書看來，值得期待每年〈Design Tide〉所掀起的設計浪潮。（待續）

摘錄自《設計東京》一書〈秋天一起到東京看設計吧!〉單元，高寶出版。

《ELLEDECO》不只發行雙月刊的生活風格雜誌，也非常積極舉辦設計活動，每年還會聯合全球的《ELLEDECO》舉辦國際級的設計獎、設計展與設計活動。
從1999年開始，每年十月時，《ELLEDECO》雜誌開始企畫舉辦〈MIST〉（Meguro Interior Streets 目黑家具街祭）家具街的設計活動，募集、挑選目黑區的家具家飾店，在為期十天左右的期間內舉辦店內設計活動；到了2OO1年更開始加入了〈AHIST〉（Aoyama Harajuku Interior Streets 青山原宿家具街祭），而且幾年累積下來，活動的陣容日益龐大。

「青山‧原宿」原本就是生活風格與家具店密佈的地區，營造的是高級與精緻的設計風格；而「目黑通」則是青山區小坪數高租金下衍生的另一塊家具街區，從目黑車站到自由之丘約五公里長的街道，有四、五十個家具店，是另一個向度的家具集散街。 

每當到了秋天，便會結合這些人氣店家推出設計活動，舉辦新品發表，與其他家電廠牌合作推出活動主題，或促銷活動、展覽等等。這時民眾就可以依照 ELLEDECO 詳細的地圖，或步行，或搭乘接駁巴士，像是尋寶般的到各店家參加活動，蓋章、抽獎、拿禮物，參加一場城市裡的設計巡禮。(待續)

摘錄自《設計東京》一書〈秋天一起到東京看設計吧!〉單元，高寶出版。

每年秋高氣爽的時節，設計活動都會雲集東京。首先開跑的是與德國「red dot」、「IF」合稱三大設計獎的「Good Design設計獎」。這是由1957年開始長期推動日本設計文化的「日本產業振興會」（JIDPO）所主辦、橫跨各領域的全方位設計獎，2OO6 年剛好屆滿 5O 年。
緊接著由《ELLEDECO》雜誌所企畫，以青山原宿與目黑兩個區域的商業設計活動也會展開。至於活動規模最大的就是一年比一年聲勢浩大的〈Tokyo Designer's Week〉，稱為東京設計師週，牽涉的層面最多、範圍也最廣，更是東京向國際發聲、交流的設計大展；在這段期間內，其他相關的設計活動也會展開，像是過去的〈Tokyo Designers Block〉與〈Design Tide〉，更將設計活動與氣氛，在短短的一週間推至高點。(待續)

摘錄自《設計東京》一書〈秋天一起到東京看設計吧!〉單元，高寶出版。

而在2006年十月，「市民Gallery」也結合了設計，展出「Good Design Award 1957-2006」的五十周年紀念巡迴展。展中從五十年間的Good Design獲獎的三萬多件作品中，挑選了特別具有各種指標意義的100件設計作品，像是從1957年的東芝電鍋、1966年的蝴蝶椅、1982年的SONY Walkman II、1993年的龜甲萬醬油瓶、2001年的sharp液晶電視與2003年的INFOBAR等等，小從一枝自動鉛筆，大到一項公共建設，都包含在這個紀錄了日本設計工業的發展的展覽脈絡之中，點點滴滴的設計，都是伴隨人民成長的重要記憶。

「百件作品」之外，推廣G-Mark的財團法人日本產業設計振興會，還派遣20位設計師隨著展覽舉辦「一百物語」的巡迴演講，同時也伴隨展覽出版一本名為「100設計100物語‧Good Design 50年」的設計專刊，邀請到日本目前最受矚目的設計師：深澤直人、川崎和男、隈研吾、柴田文江、小泉誠、佐藤可士和與原研哉等57位橫跨平面、產品、建築等日本當紅設計師，分別為100件作品從功能、從背景一一地說明介紹，讓五十年的好設計也可以一直延續下去。

除了展廳內的展品之外，其實金澤21世紀美術館裡的設計成分也處處可見，像是館內工作人員所穿著的制服便出自Issey Miyake的瀧澤直己所設計，而美術館LOGO也出自平面設計師佐藤卓之手，他運用整個美術館的結構特色轉換成平面線條，重新開發出21世紀的LOGO設計方略。

當然，這樣充滿設計的金澤21世紀美術館，在2005年也拿下了GOOD DESIGN建築環境設計部門的金賞大獎；當然，令人期待的，它是會一直與人們的生活中發生友善而親密的設計互動關係。（終）

「金澤21世紀美術館」是日本建築師妹島和世與西澤立衛的SANAA事務所在2004年所完成的作品，也是日本關西地區，金澤市內一座令人驚艷的現代美術館。

這座美術館早在完工前就奪得了威尼斯建築雙年展的最高榮譽─金獅獎，大大的提升了其知名度，它讓金澤市的聲名大噪，也讓原本只是從一旁的日本三大名園「兼六園」或是茶屋街來認識金澤的人們，又多了一個新的層次與面向來了解這個城市。金澤除既存的眾多知名的古蹟景點外，加上每年吸引百萬人潮的金澤美術館後，更成為一個宜古宜今的文化觀光城市。

拜訪「金澤21世紀美術館」已經不是第一次，卻總屢感新意。這個像從外星飛來直徑112.5公尺的圓形美術館，外牆全由玻璃砌成，通透的空間，沒有前後之分，沒有固定的入口，展現的是對訪客歡迎的友善態度。走進館內，在這開放、自由的展演空間中，以圓形、矩形的展廳或辦公空間切割出參觀路線，處處引入自然光線，卻也處處轉換不同的空間風景，即便是繞圈亂走也不會迷路。所呈現的流動空間內，拆解了公、私領域的界線，打破過去參觀博物館總是要付費的觀念，讓大半免費的館內設施與公共藝術都同等呈現精采，比方說中庭的游泳池裝置，比方說林明弘的彩繪藝術，屢屢可見令人驚奇的藝術與互動。

這個具有國際觀的區域美術館，與環境、與市民的關係也尤其親近，像是圖書館、兒童空間，從視覺的穿透到使用性的便利，都呈現出空間的開放與和善，除了提供市民一個文化交流的發信地之外，美術館也依照市府的要求，保留了一塊「市民Gallery」，這塊館內最大的展覽空間，特別保留給市民舉辦展覽與活動。（待續）

J-period

AGITO
2003年隨著六本木之丘（Roppongi Hills）的完成，六本木區也進駐了一群擁有財富與品味的時尚人士，而高級家飾店AGITO的出現，也正是反映這一塊新興區域的生活需求應運而生。有別於旗下Francfranc與 J-period的家飾風格，AGITO呈現的則是從全球性觀點精選出代表優雅、經典的高級品牌，其中包括義大利當代家具MOROSO、頂級玻璃工藝品牌VENINI，以及和風、中國風等家飾，想打造的不僅僅是名牌匯集的商場，反倒是營造一種「居住的風景」。
擁有兩層展售樓面的AGITO，在一樓以精品陳列的方式展示花卉與小型生活雜貨商品為大宗，走上二樓則是nendo設計公司所打造的情境式展示空間，像是辦公室、客廳、寢室等機能區塊，散發著既現代又舒適的高級氛圍。

BALS
到了2005年，BALS公司終於以自己的公司名稱在東京的中目黑推出同名的Lifestyle Store─「BALS Store」，並在設計周展期間於店內藝廊展出公司CI與企業形象的設計過程，讓顧客更能深切的感受到Bals想要傳達的生活風格印象。
佔地八百多坪的BALS Store裡結合了十幾家商店，包括甜點精品店、紓療系商店、amadana旗艦店、寵物沙龍與花店等，其中最受矚目的則是另一個新的家飾品牌「BALS TOKYO」的推出。
BALS TOKYO是一個定位在Design in Japan的家飾品牌，藉由與國際設計師合作的方式，共同設計開發出具有日本風味的家具家飾，包括兒童家具、廚具系統、腳踏車等系列商品，野心勃勃的準備以Lifestyle Store的大店型態進軍國際，提供具有前瞻性與全方位的現代生活提案。

以上一連串的雜貨品牌考，可以發現一個家飾公司需要隨著時代演進，不斷地與時俱進地推出新風格與新品牌，在巨大的家具雜貨市場中投石問路與生存。我們也可從中略窺日本家具品牌的設計風格與脈絡思考。就像BALS TOKYO的發展目標之一，正是期望可以擁有百分百比例的自行開發設計商品一般，一路從自製商品到自創品牌，以至於邁向進軍國際這條荊棘之路。這對於正處於生活風格商店起步階段的台灣來說，如何篩瀝出我們的獨特風格與道路方向，也許可從日本經驗中、從進口家具起家的Bals中，得到更多的思考。

在東京，似乎只要熟諳點法文或是西班牙文的，商店招牌自然就等於看懂了一半了。尤其是生活雜貨或是甜點店，更加喜歡將日本人特有的崇洋心態表現在店名的設計上。

日文的「雜貨店」可不是我們台灣的「柑仔店」，而是販售許多日常生活用品、甚至大至家具等的店鋪，像是BALS公司在1992年在東京天王洲地區的SEAFORT SQUARE所推出的品牌「Francfranc」天王洲アイル店，開始了這個非常成功的生活雜貨商店。

Francfranc
取名自法文的「Franc」，代表的是真誠的、純粹的與自由的意思，塑造著「casual‧stylish」的生活風尚，在日本是以20~30歲的年輕族群為對象的在地雜貨品牌。Francfranc是家飾公司BALS旗下第一個家飾品牌，從文具、家具、室內用品、廚房、衛浴寢具甚至魚近年流行的塑身用品等一網打盡，而所販售的自製商品更達全商品的60%以上，其所代表的不只是本身可以在風格上面有更大的掌控力，像是採用多樣的流行色彩或是簡單明快的材質造型，凸顯商品特色外，另一個訊息則是其需要不斷地開發自家的新商品。也因此，Francfranc也藉由crossover跨界合作，不斷的製造話題與商品的多樣性。

有關 Francfranc crossover的成功案例不勝枚舉，像是大家剛開始認識日本設計師鄭秀和與 TOSHIBA所合作開發，現已停產的家電系列「ATEHACA」就是一個非常著名跨界合作品牌。另外，與豐田汽車的內裝設計合作案、與 YAMAHA合作的單車設計「WITCH」，與SEIKO合作推出系列錶款「appetime」等等；在2006年，其觸角也延伸到電腦相關的硬體設配，與 ELECOM推出耳機、球形的喇叭、滑鼠等配件，又將商品領域再度擴張，呈現出的商品性格也是市場上缺乏的鮮豔色系與活潑相襯的配色組合，令人眼睛為之一亮，也再度為時尚風格注入新話題。

Francfranc於2003年開始擴張海外版圖，第一、二站分別在香港的銅鑼灣與九龍塘開疆闢土，台灣則將是香港之外的另一海外據點。而Francfranc也對於旗下的眾多分店，進行品牌上的區隔，其中包括Outlet型態的「BAZAR」店、專賣大型家具的「Home Deco」，此外，還有一般最常看到的是「Francfrancfranc」與「Francfranc Design for Life」。前者代表的是豐富的色彩充滿新奇的、營造每天好心情的casual 綠店，在日本，此店舖佔多數；後者則是在空間氣氛與陳列的室內用品都極具都會時尙設計感的stylish 藍店，香港、台灣則屬此類。

店舖種類外，商店內也非常重視商品的陳設，約莫兩週就會更換一次，而在平面視覺的設計，無論是名片或是每季的型錄、DM與提袋等，都能配合節慶不斷推陳出新，一再地強化Francfranc年輕、流行求變的品牌形象。
如果下次有機會拜訪日本，位於澀谷PARCO2的三個樓層的旗艦店，會是個很好的法式雜貨觀測點。

書腰的設計

「書腰」（おび）的設計究竟只是為了刺激銷售、強化書籍訊息之外，對於讀者是否還有其他的影響力？一向講究書籍裝幀的日本人於是出版了一本專門探討書腰設計的書籍，書中除了將書腰依照「趣味」、「實用」、「藝術」、「文藝」與「娛樂」類分外，還收錄超過200個以上的封面及書腰的設計實例，並訪問了「新潮社裝幀室」等六組設計達人，各自對於書腰的存在意義發表論述。從這些日本精采的書腰設計中，甚至將書腰的地位逐漸拉抬於書籍設計之上。

本書極富巧思的書腰設計，在穿脫之間，完全改變了一本書的面貌。〈終〉

INSPIRED SHAPES--Contemporary Designs for Japan's Ancient Crafts

室內設計達人小山織精選了超過五十件以上的設計工藝品，主要是揉合了日本傳統的工藝素材與當代設計，利用竹子、玻璃、木材、紙、金屬、布紋、石、漆器、陶等日本天然素材，設計製作出看似簡單卻有著極為繁複製程與精湛技術才能完成的工藝作品，而封面的紅色漆器作品，正是攝影師桑田瑞穗鏡頭底下名為 「Flower」的漆碗細部，其捕捉了漆器極為細膩的多層次紋路與質地，並將傳統與現代美學發揮得淋漓盡致，若將本書當作是本攝影集來閱讀，搭配精緻的排版也是精采絕倫。

 HAPTIC  五味的覺醒

閱讀的「觸感」一直到現在，還是無法被冰冷的滑鼠取代。2004年的竹尾PAPER SHOW推出兩個主題，一為「HAPTIC」展（五味的覺醒），另一則是「FILING」（混沌的Management）。

「HAPTIC」展裡共邀集22位在建築以及各領域的設計者及素材研究者，其中也包含企業設計團隊與傳統工藝職人等，著手將一般容易被忽略的日常用品，以「觸覺」為設計主題，賦予其新的生命與注目。而「FILING」展則是跨界設計，由藝術家織咲誠與平面設計師原研哉共同企劃，探討混沌以及從中找出整序的技巧與思考，展中並將許多想法具體化為文房用具，傳達整理收納之外更深層的設計思考。

1999年發行的《CREATORS FILE –for LIVING》網羅日本58位涵括建築、室內、家具與雜貨等六○年代以後出生的新一代創作者，以「住」空間為主題，收錄這些年輕設計師在1999年前精采的作品。隔年，再推出63位設計師在1999~2000年間的設計作品，增加飲食、時尚等商業空間，也增加日本近年的設計趨勢觀察。當初像是安積伸、岩崎一郎與吉岡德仁等新銳設計師設計，在六年後的今天，從三字頭跳到四字頭的年紀，已成為設計界的中堅份子，從書中不但可以看見設計大師的成長軌跡，還讓一向不願透露設計者的MUJI設計師在此書露餡。

Scandinavia Guide Book --Travel & Design

為了把北歐設計這件事講清楚，「Petit」出版社推出一組四套的北歐設計書籍。從「家具與建築」、「產品」、「織紋與平面設計」三部曲，將北歐各個面向的設計詳盡描述，而第四本則是啟程行萬里路，敎你如何親身感受北歐的旅遊與設計。

A5的小開本十分適合攜帶，書中介紹了北歐的四個大城，分別是丹麥的哥本哈根、芬蘭的赫爾辛基、瑞典的斯德哥爾摩與挪威的首都奧斯陸。除了介紹著名的設計地標外，還從北歐的電影、音樂、圖文書與雜誌刊物等面向來豐富一趟完美的北歐設計行。

e-fashion

購自東京南青山「±0」設計店內的《e-fashion》，是源自於2001年的同名展覽作品集，展覽由「without thought」──深澤直人 / IDEO Japan 與 DMN設計團隊所組成的 workshop，所推出的企畫展，是一以未來科技結合時尚為主題的設計展。展出內容包羅萬象，時尚配件從頭到腳應有盡有，像是可以記錄行走距離的高跟鞋，可以放到微波爐加熱的圍巾，或是可以別在鈕扣上避免遺失的車票設計等十九位設計師的概念作品；除將未來科技應用在時尚設計，並用科技解決問題、增加生活上的趣味，在作品中，也處處可見人性關懷的創意巧思。

Balance in Design 美しくみせるデザインの原則

松果、鱒魚和人體之間，有什麼共通之處嗎？答案是「黃金比例」。
這本由日本翻譯自美國 Kimberly Elam的《Geometry of Design: Studies in Proportion and Composition》，更名為《Balance in Design》（美しくみせるデザインの原則）一書裡，從囊擴了黃金長方形、黃金橢圓、黃金三角型等1:1.618的黃金比例中，去分析自然界的美的原則，更從26個橫跨平面設計、產品設計、建築與汽車等案例中，一一解析這些經典設計的完美比例，讓無論是包浩斯的LOGO、柯比意或是EAMES的經典座椅，或是福斯金龜車，其設計元素在黃金幾何下被解構探討，拆解出這些令人感到美的設計原則。本書還將印有比例分割線的描圖紙穿插頁面間，讓讀者更容易感受到完美切割的絕佳應對。

20th Century Design History

本書的封面是由2與0兩個阿拉伯數字所交集疊而成的黑白藍色塊，是一本從日本觀點來看二十世紀設計史的書籍。「Petit」出版的書籍經常擁精緻簡單的排版來描述繁複的議題，即使在講到較為嚴肅的設計史時，版型設計與內容上也能拿捏得宜。
書中從「平面」、「產品」、「建築」、「時尚」還有「社會現象」等五類來看設計進程，在1900年到2000年的排序間，讀者除可窺探設計趨勢外，更可深刻感受在世界的設計風景裡，日本如何在自身與國際間，取決出自己的觀景窗。

精美的印刷、精緻的排版與精準的切割，是日本設計書的基本元素，尤其在用紙品質上的講究，還有內容上獨特的編集說故事能力，總是能讓書本開出一朵又一朵內外兼修的蓮花，讓人又愛又恨的難以釋手。

日文書常在小地方大作文章，其中屢屢推出特殊題材的設計書籍，更是箇中翹楚。以平面設計類的色彩書籍為例，就有專為「漸層色設計」、「雙色設計」或「三色印刷」出版主題書；又或以書籍設計類來說，除一般常見的內頁編排影像集成外、也有針對封面、目錄、書衣等「書」的組成元素個別拆解推出專書，詳細程度令人咋舌；甚至日文書籍上常見的「書腰」，也被當作一門設計學問加以探討。

日本各地的設計展常是輪番上陣，因此設計展覽的圖文集也是日本書店或設計商店常見的銷售商品，尤其當在店內發現自己錯過的好展覽出版設計圖錄時，總能彌補一些來不及參與的遺憾。這些主題、風格與創作性俱強的書籍，在競爭激烈的日本書市上也毫不遜色，重要的是，它能在展覽結束之後，藉由書籍的出版，讓創作的精神，跨越時間與空間而延續下去；像是原研哉所編纂的「Re Design」或是「Haptic」都是極具代表性的作品。

除了設計展裡闡述著新的設計概念，設計書市上也有一些有鮮明主題的書籍也猶如書上展覽，有討論「日本傳統工藝」與「現代設計」的議題，也有設計結合旅遊、建築結合美食等書，企畫的概念與內容都讓人眼睛為之一亮。

日文設計書籍在題材上的多元，常給了我更多閱讀的選擇與思考；而我的日文設計閱讀，沒有特定的領域界線，也多憑藉著直覺，並相信這些書架上的設計書，能在設計進行的某分某刻，可以給我擁抱幸福的感覺。

《設計東京》的12345。

‧192→總頁數。

‧4→這是全本四色全彩印刷。

‧17╳23→開本尺寸

‧100→用設計百選商店，大的、小的、連鎖的、獨立的、集中的、一站一店的、高級的、平易近人的、奈良美智的、原宿的、青山的、表參道的、銀座的、有樂町的、丸之內的、新宿的、目黑的、代官山的、池袋的、汐留的、六本木的，在《設計東京》都一一被拾起這些散落各地的設計好店。

‧27→現代的、當代的、寫真的、互動藝術的、動畫的美術館與博物館數量，都是創意血拼的好所在。

‧1950→從1950年代開始，到2000年間的每十年為間隔的設計歷程，穿插在書間，當看到2000年時，本書也將接近尾聲。

‧6→紀伊國屋、ABC、丸善三家日本最大的連鎖書店與三家以設計為主的設計書店一次網羅，快速掌握設計資訊。

‧6’→丸大樓、六本木、表參道之丘等，在東京不能忽視的時尚設計大MALL數量，還有潛藏在MALL裡的設計因子。
‧6”→以家具為盒玩主題的六個廠牌，吹來陣陣家具盒玩風。

‧5→要你邊吃邊看的設計歇腳處嚴選。

‧4→每年秋天的四大設計活動事件報導剖析。

‧12→設計為挑選重點的飯店，以及用設計為挑選重點的雜誌。

‧152→介紹的日本國內設計大學學校數量。
‧632→全書的照片與插圖的數量。

‧140→店家、美術館的網址與營業時間並列一覽數。

‧16→16位橫跨平面視覺、產品與建築的當紅設計師介紹。
‧320→320個以上的設計關鍵字查詢索引。

‧20→書中出現精采的手繪設計地圖張數，尋找自己的設計方向。
‧60╳46→大書衣打開的尺寸（公分）。

‧3→將書名隱藏在照片裡的張數。
‧0→脫下書衣的封面顏色。
‧79→博客來「夏日藝術節」、誠品「新書新選」的上市折扣數。

更多數字的《設計東京》，就在《設計東京》裡。

‧    線上SHOW

‧    博客來的介紹

─專為美國海軍製作的椅子Navy Chair

空間裡的兩張聚焦椅子，一張是 Emeco ( The Electric Machine and Equipment Co.) 在1950年初產的「1006 side chair」，1006 當時是專為美國海軍製作的椅子，它可以抵擋海上惡劣的環境，所以又稱「Navy Chair」。

這張鋁材椅子有百分之八十的材料源自於回收的鋁材，其中包括回收的可樂鋁罐，加上結構設計，但它的承載品質具有三倍鋼材強的堅固程度，同時強調有 77 道繁雜的製作手續，雖然是一片片的鋁版製成的空心椅子，整張椅子是由鋁片彎曲交接而成，但面與面的交接處毫無皆縫，形成簡潔又現代的 one-piece 手工佳作。

由於椅子特殊表面處理，讓 1006 不僅僅安於室內，更適於室外，防腐防鏽、防菌防霉也易於清潔，即使在陽光下也不因為它的金屬性格而顯得灼熱難以入坐，不僅經得起時間的考驗，符合身形的椅座設計，亦能隨時間更好表現，具有可維持一生的實用價值。

而專出產這張種鋁材椅子的 Emeco，除了有 1006 的系列守成商品外，在開發新創意的鋁椅作品上，Emeco 只跟一位法國設計師合作─ Philippe Starck。

─Emeco 只跟一位法國設計師合作

Philippe Starck 正是「Moshi Moshi」裡另一張椅子『 Louis Ghost 』的設計師，迥異於 Emeco 的鋁材，『 Louis Ghost 』則是 2002 年 Starck 與專產塑料家具的義大利 Kartell 合作開發的產品，Starck 取自了十八世紀的「路易十六扶手椅」巴洛克式的造型外觀，並使用與『La Marie』(1999) 等同的聚碳酸酯樹脂 ( polycarbonate ) 灌注入一個模子裡的 one-piece 作品，雖名為塑料，卻穩固堅硬又具彈性、防刮又能適應不同的天氣狀況；而名為 Ghost 則是呼應他的透明不易被看見的視覺特性，正是是想玩弄、強調質材的實用性與隱形的視覺效果所造成的強烈對比。

這張椅子除了徽章式的橢圓椅背令人深刻之外，如果看過 Philippe Starck 在 1995 為香港半島 Felix 餐廳設計的『 Peninsula 』椅子便不感陌生了，同樣是橢圓形的椅背設計，在 2003 年，Starck 再把這種座椅元素回頭和 Emeco 合作，完成了名為『 Meet Kong 』(遇見香Kong) 的鋁質座椅─Kong Chair。

坐在台北的兩張椅子，卻讓設計的故事卻繞了一圈地球，跨了半個世紀。

更多照片..

:: 冷調的Lounge Bar已於2005年台北大安路劃下句點。

Tord Boontje 喜歡漫步在森林，喜歡閃閃發亮的景物，也欣賞光透過花的斑影。這兩盞燈便是以「光從花草間透出來的樣子」來設計燈形，其設計的方式，確實讓我們發現到不同的光之形貌，而非僅僅只是一盞燈的樣子。2005年將工作室搬到法國森林裡的他，更令人期待他結合不同媒材的設計下的另一場華麗盛宴。

*台北發現花環燈Garland Light

在 2003 年 10 月，Tord Boontje 的花草屏風與搖椅就開始出現在東京設計周上，隔月，Brutus Casa 雜誌便以其花樣圖案做為封面。其超高的辨識度與豐富的設計語彙，已讓越來越多人選擇在家裡用燈源來滋養這些花草燈，或是讓她蔓延成一扇屏風，在台北遠企的 City’Super 裡，也可以與世界同步發現這股蔓延的氣氛。


*花草蔓生的網路

‧《英國 Design Museum》
‧《Tord Boontje》官方網站
‧《傢飾連鎖 Habitat 網站》
‧《Artecnica 網站》
‧《tranSglass》
‧《Alexander McQueen 網站》

*認識Tord Boontje

1968年出生於荷蘭的Tord Boontje，先後在荷蘭 Eindhoven 及在英國皇家藝術學院學習工業設計。
1997年推出「tranSglass」的花瓶系列設計，利用使用過的空酒瓶，以獨到的重新切割設計，呈現出彎曲的切面與瓶身的材質顏色，為這些廢棄的酒瓶注入新生命。
1998年開始陸續為時尚設計師 AlexanderMcQueen 設計眼鏡。
千禧年女兒出生後會他的創作注入新的靈感，於是在 2001年對專注於豐富的裝飾性花卉圖案設計，並導入高科技輔助創作，開始了「Wednesday」的燈與家具等系列作品。
2002年更與 Swaroski 合作的水晶吊燈「Blossom Chandelier」，利用水晶、鋼與上百顆的LED 燈隨機閃耀，驚艷了當時的米蘭設計展。

*Happy Ever After展

2004年米蘭傢俱週於 MOROSO 展廳展出 Tord Boontje 名為「Happy Ever After」的一系列作品。展場內處處洋溢著對夢想永無止境追尋的熱情，散發出彷若於童話故事裡的仙境氛圍。 其展出作品從壓花紋的玻璃杯、以蝕刻、沖孔花紋的鋼質桌面，用服飾概念搭以刺繡、紡織或是皮革編織為設計的椅子，甚至令人每每為之讚嘆的花草系列的屏風、座椅與燈等作品，都透露了 Tord Boontje 長期以來的設計歷程、以及近年對於17世紀花紋圖騰、質材研究後的創作結晶。

場內也不乏動態裝置，像是利用環形旋轉幕投射出動物剪影燈飾，或轉動的數位印染花布的屏風，更豐富了這場展覽的風華與變幻，而在現今極簡樸實風格當道中，Tord Boontje 的設計作品，確確實實是一種最嘹亮的吶喊。