October 13,2015

致,即將失去的青春- Buena Vista Social Club


高中看電影「樂士浮生錄」時感動莫名,那些源自對生活的信仰與熱情的音樂,信手拈來即吟唱成歌的古巴老歌人,讓我看得熱淚盈眶。也是從那時候開始,一直夢想能看Orquesta Buena Vista Social Club的現場演出。終於終於,這禮拜QBVSC 來到舊金山演出。期待了一整個月,愈接近表演當晚,心情卻越焦躁不安。大部分原始成員已經過世,樂團三分之二都是新血,他們能超越二十年前Ibrahim FerrerRubén González的夢幻組合嗎?

 

開場的三十分鐘,我的心情一直往下沉,後方的大螢幕播放去世成員的照片集錦,前台年輕男女歌手重現一首首BVSC的經典曲目,技巧雖不錯,歌聲卻少了生命的深度。Ibrahim等一派老歌手的演唱,有一種很「土地」和草根的情感元素,厚實的傳統根基加上歌詞與他們真實生活經驗緊密和,那吟唱中情感的密度是再多技巧和青春的肉體都取代不了的。

 

直到接近中場,舞台上探出一個帶著牛仔帽的身影,我認得那個帥氣老爹,吉他手Eliades Ochoa,觀眾開始大聲鼓譟,院震了起,一首El Cuarto de Tula把觀眾情緒帶向第一波高潮,接著的”Chan Chan”,喚起了所有觀眾的集體記憶,前奏才響起,聲幾乎淹滅樂聲。我突然眼眶濕潤了起來。

 

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August 10,2015

在傳統的視野下,生猛鮮活的中國當代藝術

 

(原文刊載於典藏藝術雜誌2015年7月號,部落格的版本有稍作刪減和更改)


2000年新世紀初,是當代藝術在中國內外邁向公共性與全球化的里程碑。在侯翰如策劃的上海雙年展帶頭下,中國策展人和雙年展體制趨向成熟。新人輩出、新創作和新展覽層出不窮,中國藝術圈逐漸走出意識型態,積極參與社會環境議題與個人身分認同探討,開拓出一條在全球語境下自身發展的邏輯。

 

舊金山的亞洲藝術博物館今年六月開展的「廿八人,便是對這段中國當代藝術演進過程的探究。展覽作品來自著名的阿密收藏家唐·盧貝爾(Don Rubell)和梅拉·盧貝爾(Mera Rubell)的中國當代藝術收藏精華。參展的二十八位藝術家既有像艾未未、黃永砯、張洹等中國當代藝術發展道路上的開拓者,也有過去十年出現的後起之秀,如陳維、方璐、何翔宇、徐震等。這些「80後」一代中國年輕藝術家以其擅長的新媒體藝術越來越受到國際的關注和認可,他們關注的議題和藝術語言比上一輩更與國際接軌。有意思地是,這些藝術家同時回頭向傳統藝術取經,許多作品背後隱含著中國哲學的內涵。

 

收藏藝術家的盧貝爾夫婦

 

廿八人盧貝爾夫婦逾十年探索和研究的20012012盧貝爾六次前往中考察第一次的旅程讓盧貝爾夫婦大開眼界,透過洹的穿,他們認識了多年輕藝術包括當時還沒有在西方爆紅的艾未未。但他們認為藝術還沒有找到自己的定位,不少迎合西方口味作。七年後,他們再度回到中國, 發現當代藝術變化之大,格局之寬廣,對社會議題探究的深度,已經是一個盎然的世界當西方世界還在炒作中國政治波普作品,盧貝爾在中國實際走訪看到了完全不一樣的世界:年輕一輩的藝術家都在作和中國當下社會議題的作品大部分已國製標籤媒介含括繪畫影和新媒體,形式上與西方當代藝術接軌,精神上則是開拓出一條嶄新的道路。

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mummyzealot發表於 樂多14:03回應(0)引用(0)逛展覽 │標籤:中國當代藝術,亞洲藝術博物館

May 26,2015

Alan Cumming,音樂劇《Cabaret》的裡外人生


Alan Cumming個瘋狂的藝術家,一個面貌多變的蘇格蘭舞台演。在舞台上,他可以是精神分裂的的馬克白、或是妖豔無情的的酒神艾奧尼瑟斯。穿上西裝,他又變成艾美獎電視劇「The Good Wife」裡保守派的Eli Gold他是歐美演藝圈裡少數同時有女性柔和男性陽剛雙重特質的多變演員在舞台上游移於性,妖冶、冷酷野性和奢


第一次與 Cumming 相遇,是在好幾年前的 Lincoln Center FestivalThe Bacchae 演酒神。阿!那一身濃艷以及眉梢眼角的魄勾魂。。他以流的性古希造一撩人冷酷的酒神那是我第一次被Cumming的魅力給震攝到 可惜的本身相薄弱)。來發現他在及一Broadway Show Cabaret  歌廳演酒店老而我和一些朋友在曾表演過Cabaret開場Wilkommen真是巧妙的Cumming 版的 Cabaret角色非他莫前人 Joey Grey 俏皮可後人 John Stamos 是男子概版的代表各有擁護都少了 Cumming 勾人的魅力


也是因為 Cumming 的關係,一直很希望能親眼看到Cabaret,沒想到2014年,百老匯竟然真的把這齣戲帶回來,也請 Cumming 回鍋擔任 Emcee 的角色,女主角則由先後由飾演電影版瑪麗蓮夢路的 Michelle Williams 和 新版蜘蛛人Emma Stones擔綱。

 

音樂劇Cabaret

 


 

Cabaret1966年首演,改自英作家 Christopher Isherwood《告柏林》(Goodbye to Berlin),打造成部,華麗,在舞台前排的座位還設有部的桌和檯燈,看表演好像真的在50年代歐洲俱。這部戲1931年的威共和國為背景,作家在德的邂逅始,展串浪漫卻註定失敗的愛情探索之路,同時側寫社會如何漸漸勢力侵蝕

 

Cumming Emcee 娛樂觀眾,與觀眾調情,看似只是個穿針引線的角色,但若仔細聽他的歌詞,Emcee其實是這紙醉金迷世界唯一的清醒者。代背景就是粹主正在茁壯發展的,除了女主角Sally以外,Cabaret 的其他幾個主要角色,大部分都是同性戀或猶太人,而這兩種族群都是在納粹德國被迫害最嚴重的族群。Cumming戲謔的表情和肢體語言,表面上是為讓觀眾忘記歌廳以外現實殘酷的世界,但他的話字字珠磯,在在暗示著真實世界中對猶太人的政治迫害。

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mummyzealot發表於 樂多04:10回應(0)引用(0)劇場的詩 │標籤:Cabaret,Alan Cumming

December 9,2014

Alonzo King LINES Ballet:熱血奔騰的當代芭蕾

 

我有時會抗拒看modern/ contemporary ballet, 因為對這種舞蹈總有一個刻板印象。要能承襲又跳脫傳統芭蕾的肢體語言,讓人耳目一新的作品少之又少。而現代舞是自由形式,連走路和靜止都可以是動作。那些可以隨意扭曲、延展的柔軟身軀、四肢、骨幹和脖子,劃過舞台的空間,真是好看。舞者甩動的頭髮亦擾動著空間的平衡,他們大聲的呼吸,空氣在手指腳趾間溫柔的流轉。 儘管舞台是抽象的,舞蹈是抽象的,但現代舞那種對待身體的不同哲學,讓我深信這種舞蹈形式才是最接近人類經驗的藝術形式。舊金山的Alonzo King LINES Ballet,卻讓我對現代芭蕾有一番新的體悟。

 

編舞家Alonzo King的舞者有非常棒的芭蕾技巧,非常漂亮的線條,但他們也有極為柔軟的軀幹和四肢。King的編舞逼使舞者從嚴謹的古典芭蕾訓練中破繭而出,他們必須要充滿力道又要像風一般輕柔; 既遵循乾淨俐落的古典語言,又任由肢體互相交纏、墜落、碰撞,舞至酣熱。King 的舞蹈有那麼點William Forsythe威廉佛賽的味道,充滿稜角和形體、思考身體運動邏輯和次序,也有非洲舞的精神:充滿律動,與腳下世界做出積極回應。

 

King和他的舞氣雖Paul Taylor, Alvin Ailey, Bill T. Jones 等同美國舞家,在舞蹈圈之外可能根本很少人聽過他的名字,但他的芭蕾既陽剛柔,有非常特氣質,在美國舞蹈界中是個很特殊的存在。King其實作品產量豐富,他本人替艾文艾利和 瑞典皇家芭蕾舞都編過舞,並且得獎無數 

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mummyzealot發表於 樂多09:48回應(0)引用(0)舞蹈是一種生活態度

August 16,2014

舊金山藝術家的生存危機


搬到舊金山半年多,我花了不少時間觀察和參與這座城市的文化和藝術活動,走訪不同的藝術空間,和藝術工作者交換意見,我發現這裡的人普遍存在一個深層焦慮,你會以為是資金不足,政府補助預算年年刪減,非也。這焦慮來自於科技業席捲舊金山之快之狂,正迅速地吞噬藝術家在這個藝術多元、包容性強的城市的生存空間。

 

舊金山一直走在思想的前端自由且孕育而生俗的次文化。她也許沒有像紐約或LA有強力的藝術市場,但她迷人的城市特質,一直都吸引許多年輕藝術工作者在這邊創作、實驗,甚至成家。過去這五年,矽谷科技龍頭紛紛進駐舊金山,為城市帶進大量的金錢、工作機會和科技新貴,也順勢帶動房地產價格飆升。現在舊金山已經成為全美居住最貴的城市,這波科技業帶動的 Gentrification,(同時也有人歸責 Airbnb business model,鼓勵房東將長期租約型的房產轉為短期租賃的私人民宿),迫使許多舊金山住民搬離生活半輩子的家,幸運的還可以遷移到相對低廉的郊區,沒有錢的就只能流浪接街頭。這裡面,藝術家佔了很大一部分。


十五年前,藝術家還有 SOMA(South of Market Street) Mission 區等便宜的社區可以聚居。他們豐富了這些社區的文化景觀,加上拉丁美洲裔的壁畫文化在 Mission 區遍地開花,形成獨具特色的社群。喜愛藝術的人以及「新移民」遷入,社區逐漸繁榮、房屋和店面愈來愈多人願意承租,直到這五年的科技業移民潮,房東們敏銳地再度抬高價錢,原本七百塊房租的雅房,現在可能三千也租不到。房地業者也嗅到了商機,原本拉丁美洲裔聚集的 Mission 開始有昂貴的商店進駐,現在 Mission 一半是中階級的天下,為「小資」打造的咖啡館、Boutique和家具店林立的Valencia街與99cent商店、麥當勞、拉丁髮廊和小吃店匯集的Mission街,只隔一個街廓,卻是完全不同的世界。

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mummyzealot發表於 樂多15:31回應(0)引用(0)舊金山

May 15,2014

從藝術銀行思考另一種購藏年輕藝術家的機制

台灣文化部推動的藝術銀四月終於正式在台中啟動,至今評價兩極,藝術銀行購藝術家作品,推藝術創作租」,作品提供轉租或者銷售給政府機關、公共空間、企業、甚至私人蒐藏,目標是向民眾推廣在地的藝術品,尤其是讓台灣年輕藝術家有機會入公共空間與部工作空間,但因其0.4%的廉價租金設定,引述獨立策展人胡永分之言,可能打壞台灣還在起步的藝術專業應合理付也讓必須自負盈虧的藝術銀行無以永續經營。

 

藝術銀行不是台灣首創,這種由公部門推動,促進藝術家作品的流通,以提高藝術作品的能見度和價值的策略在澳洲、加拿大、韓國和美國都行之有年,主要是以推廣年輕藝術家作品(emerging artists)為核心。台灣的版本雖有缺失,但開始總比停滯不前好。當然,政府和民間其實可以跨一大步想想,推廣年輕藝術家還有其他有趣、充滿創意並創造合理盈餘的方式可以並行。

 

比如之前在這裡介紹過美國的「社群支持性藝術」,參與購買有限量的股份,約$100-500美金不等,便會定期收到簽約藝術家的作品。此舉類似農產品CSA的訂閱機制,讓藝術家在作品生前就有了支持者/收藏者,也有資金可以持續投入創作。

 

而美國近幾年,網路藝術創業風起雲湧,Paddle8、 Zatista、 Artspace、 Art.sy (猶如藝術界的的Pandora, 之前也寫了一篇文章介紹) 各有擅場,但主要是還是針對中高價位的藝術市場,結合社交平台、教育功能和轉譯部分實體畫廊體驗,如VIP preview

 

我想要介紹的幾組更年輕的創業團隊,推出心理和價錢門檻更低的藝術蒐藏鑑賞會員機制,建立全面、更貼近大眾的藝術交流、買賣及租賃平台。

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mummyzealot發表於 樂多05:51回應(1)引用(0)藝術產業新思維 │標籤:藝術蒐藏

April 25,2014

2014 春京都散策

我很喜日本人常一期一這個想法。人要珍惜一次某個人或城市相遇的機會。走在京都,一家不起眼的茶館可能是15代的老店一間門口窄小的民房也許是米其林星級的鰻魚飯專鋪,擁擠的市場裡,誰知道藏有十八代傳承的百年料理刀具店呢京都裡這樣奇相,每個店鋪、每塊磚瓦和石頭都有百年甚至千年歷史,驚歎城市保存史的決心,進而讓人更加珍惜每一次與歷史在街道的相遇。

 

這是我頭一次到京都。三月中,梅花猶在,櫻花未至,這時的京都幾乎是素顏,沒有櫻雪或楓紅的濃妝打扮,卻因優雅的文化傳統底蘊仍是美地深刻。走上清水寺、銀閣寺,住在傳統的日式旅館,品精心製作的料理,欣賞歌舞伎的華美,最後穿上和服上寺院參拜,隨處都可沾染京都的氣質和歷史況味。

 

京都真的是很適合走路的城市,尤其那在寺廟附近悠悠無盡的長牆依傍著它踽踽行走宛如永遠走不。牆內世界令人好奇,牆外形成清幽小徑。從南禪寺到銀閣寺的哲學之道,隱藏許多日式茶館、和果子店,還有成群結隊的小貓慵懶著曬太陽。小路通坂等等名字就能思古情至今仍保留著中世日本的小巷其中如在日本古裝影的有意思。

 

這回讓我很有「一期一會」之感的是頭兩天住的日式旅館「聖護院御殿莊」。御殿莊不是最美或最精緻的日本旅館,但它有身為古蹟雍容端莊的氣質。旅館所有的空間都圍繞著中庭的花園建造,走到房間程就是一道洗滌塵囂。坐在室內榻榻米上,女中奉上煎茶以及茶,看著園裡遍生於石上的寧靜心情就自然愉悅起來。庭園的一角還有足浴,可以舒舒服服地邊賞花邊泡腳。

 

離開前的那個早上下著大雨,窗前的櫻花總算蹦出了花苞,原本要提早結帳離開的我們,索性佐著雨聲和一整個院落的清涼,好好享受豐盛的早餐。鹹鮭魚豆腐、以陶鍋燉煮的肉片、各種漬、山菜、熱飯、然後一杯蕎麥茶下肚,整個人被茶香、飯香溫暖地包覆著。短短的兩天,知覺、觸覺、視覺、味覺、嗅覺都是無比的享受和抒放。

 

「一期一會」是說,了把握次的相遇所能針對次不同情做出最完美的安排中道理就是一好好款待客人的心 而身為一個客人或旅人能做的,無非就是細細咀嚼和享受這些所不在的細膩用心,好好收藏與這個旅館乃至城市慢慢相處摩挲出的悠情味。



mummyzealot發表於 樂多01:43回應(0)引用(0)旅行的記憶 │標籤:京都

April 15,2014

太陽花學運後,讓公共參與變成生活中的小確幸吧!

人在國外,常常很氣憤,看著網路上有些人只會發嘴砲,罵完了世界繼續運轉,人繼續追逐小確幸,自我放逐到消費裡,世界有任何改變。因為大家並沒有真正地生

 

我也氣自己,人不在台灣,卻常常以距離為藉口,對台灣正經歷的許多關口匆匆一瞥。我總說自己時間掏心掏肺地在乎,我也為在美國的生活焦慮。沒辦法親身到現場參與,卻懶惰成性,對於媒體粗糙的新聞選擇,心裡築了一道鐵牆,自動濾掉有藍綠嫌疑的資訊,卻沒有用心去挖掘誠實用心的報導。

 

我心裡知道,我還是對那些狗屁倒灶的結構與問題氣憤。但是以往的經驗,對於台灣的問題,只要是跟政治扯上邊(可台灣哪件事不是跟政治息息相關呢?),一旦陷溺,對事情(自以為地)越清楚,心情就越沮喪,理智反而越模糊。

 

這回回台灣剛好遇上318學運,有種醍醐灌頂之感,深切地再次感受到對這片土地的愛。整公民思想有很大程度的提升但我還是很焦躁,因為即使人在台灣,卻沒有機會到現場去參與這個世代真正第一次大規模街的直接民主實驗。我很關心,但就像一位朋友說的,真正重要地是,對服貿,對於台灣的未來,「在我的位置上,我如何能找到一 個長期的戰場」。

 

也就是,在五十人上街的黑潮之後,每個人整理自己的收回到生活中,我們必須繼續思考,「台灣應向何去」的大哉問。要讓這個火熱澎湃的心,繼續燃燒下去。讓公共參與變成生活中的小確幸吧!

 

期許自己從318開始,繼續關心、觀察、貢獻台灣的未來!

 

 


mummyzealot發表於 樂多12:30回應(0)引用(0)

February 26,2014

瑪莉娜.阿布拉莫維奇的生與死 – who cares?

治療情傷有很多種方式,對於藝術家莉娜.阿布拉莫奇(Marina Abromovic)來說,把痛苦轉化成行為藝術甚至搬上舞台,才能使心靈尋獲滌淨與的出口,藉此期盼口的“You have to get past private suffering and translate it to something universal, and then you detach from it”

這位表演藝術教母,已經兩度把她的人生交給其他的藝術家去詮釋,三年前,在結束和藝術家保羅·卡內瓦裡( Paolo Canevari )12年婚姻之後,她告訴劇場導演羅伯威爾森(Robert Wilson): 我要你將我的搬上舞台 」。

 

這場「葬禮」一開始,三個戴著阿布拉莫白色面具的女人躺在三口黑色的棺材上,代表藝術家居住過的三個城市,紐約、阿姆斯特丹和貝爾格萊德。她希望葬禮同時在這三個城市舉行,讓公眾決定把她的身體放在哪口棺材裡。

 


 

觀眾席上放著報紙,封面寫著ARTIST MARINA ABRAMOVIĆ DIES AT 67"算是對這齣「莉娜.阿布拉莫的生與死」一個小小的自我嘲諷, 阿布拉莫當然活的好好的,還即將在舞台上演出她自己和她母親。藝術家預言著自己的死亡,似乎鼓勵觀眾藝術或奇觀來實現大人物的追

 

熟習羅伯威爾森作品的人知道,這位傳奇劇場導演在舞台上說了好多人的「故事」。 他與作曲家菲利普·格拉斯合寫了「沙灘上的愛因斯坦」。其早期作品像The Life and Times of Joseph StalinThe Life and Times of Sigmund Freud分別描寫史達弗洛伊德的生活和代,舞台上的演員和符號與這些歷史名人只有隱晦、抽象概念上的關聯如愛因斯坦的科學與藝術整合的世界觀及弗的哲學和心理學,而讓這些劇都昇華到一個巨觀世界的高度。些作品,非是以寫實,而是帶給觀眾種歷史感和劇場意像的媒介。

 

(credit: TMagazine)


阿布拉莫這齣戲卻是非常個人、幾近寫實的,耙梳著女人和藝術家痛苦記憶,儘管整齣劇有濃濃的威爾森意象劇場元素,如白臉演員、誇張表情、重複或持久的機械動作(這點跟Abromovic的表演藝術風格是一致的)、如沙龍攝影的光影美學、簡潔卻有如境般的場景設計,但敘事從來不是威爾森劇場的重點,「阿布拉莫的生與死」卻是實實在在地在講述一個人的故事,這般調性的巨變,讓我有些忐忑。阿布拉莫放手讓導演去詮釋她的作品和人生,但威爾森對素材的選取和編排有強烈的敘事性(儘管和傳統劇場作品比起來,還是算個非線性、破碎的劇本),削弱了觀眾的想像力,又缺乏藝術家個人經歷哲理化的提煉,除非是阿布拉莫的超級粉絲,恐怕很難對故事本身產生共鳴。

 

還好音樂和同劇演員威廉達佛(Willem Dafoe)救了它。

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December 11,2013

電影「Searching for Sugar Man」,遲了半世紀的南非情書

Searching for Sugar Man電影片段


最近曼德拉去世的新聞,讓我第一個想到的竟是紀錄片電影 Searching for Sugar Man 中的底特律歌手Sixto Rodriguez

 

一般人對現在美國底特律的印象很可能是破碎的汽車工業、衰落的城市景觀,美國社會問題綜合累積的産物,然而在這一片衰敗之前,底特律可是孕育了許多當代樂壇的個性派歌手,如 MC5Iggy Pop,搖滾雜誌 Creem Magazine White Stripe 都是底特律出生的音樂人。墨西哥裔的 Sixto Rodriguez 的才氣和他們不相上下,卻在電影上映前默默無名。

 

Rodriguez 有著 Bob Dylan 的唱歌風格和才情(個人覺得他的嗓音比Dylan強太多),樂為發聲。他的首張專輯「冰冷真相 (Cold Fact)推出後,樂評予正面評價有激起太多迴響隔年Rodriguez 推出第二張專輯 Coming from Reality依然能得到迷青唱片公司不久就和Rodriguez 這位歌手從此從美國市場消聲匿跡

 

然而沒人料到的是,這張被忽略的專輯海到了曼德拉的南非,盜版又盜版意外成為當地青年反對種族隔的主一首首於年輕靈魂追求解放自由不畏強權的歌曲道出受南非族隔政策影的青年心他用歌南非人你可以有不一」。


Rodriguez 搖身一變,在地球的另一端,成為家喻的巨星

 

Cold Fact專輯在南非大南非們對 Rodriguez 到底是仍是一片空白言中他在一演唱以自焚的激烈手段束了生命

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mummyzealot發表於 樂多07:14回應(0)引用(0)無國界電影 │標籤:Searching for Sugar Man

November 18,2013

在威尼斯雙年展餵養靈魂

從威尼斯回來兩個月,水都的美還是讓我念念不忘。它是讓我打從心底覺得浪漫到無可救藥的城市。短短的四天,那精神和物質上的豐足和解放,是我有生一來頭一遭。

 

一直都很想來雙年展,但威尼斯太遠,再者,總覺得需要練就好看藝術的功力,再花大錢飛來看展才值得那時間和花費。這一趟走下來才了解,這樣的雙年展其實是藝術啟發的難得體驗。不管藝術底子深厚,都一定要來走一趟。功力深的,當做看老朋友,功力淺的,趁次打開自己的當代藝術視野,再配合威尼斯美景一起服用,即使一天走上六七小時的路也不覺得累。

 

主題館:百科殿堂

 

55威尼斯年展被認為是幾十年最精采的一屆,主要原因是年輕的策展人吉Massimiliano Gioni)所策劃的主展「百科殿堂」(The Encyclopedic Palace)打破以往威尼斯雙年展頌揚和展出藝術大師的傳統,讓沒有受過專業訓練的素人藝術家也得以進入這座世界級的藝術殿堂。

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November 11,2013

當公主被打落凡間,童話變成一場騙局

迪士尼童故事永只有一個結局,就是王子公主著幸福快的日子如果我們讓故事繼續發展,公主和王子會一輩子幸福快樂嗎?在21世紀的現代社會,他們的真實生活恐怕更貼近美國連續劇Desperate Wives的情節。


加拿大攝影師Dina Goldstein的作品「失落的公主(Fallen Princesses)便顛覆童話中「過時」的結局,把公主打落凡間,嚐盡人生酸甜苦辣:白雪公主成忙於家務的黃臉婆; 長髮公主做化療掉光頭髮,只能戴假髮來緬懷青春; 嫁入豪門的灰姑娘則是流連於酒; 帽仍在在森林里尋覓奶奶的家,身材已經走了,成了胖; 睡美人仍舊昏睡不醒,而王子年華老去,只能帶著公主到養老院等待奇蹟發生; 阿拉伯世界烽火連天,連Jasmine公主也得上場殺敵; 小美人魚離開大海,卻被困在水族館裡供人類觀賞; 印第安公主Pocahontus則成了宅女。  
 
童話故事不斷被藝術創作者取用與改編,顛覆某些大眾認定的道德觀念,而Goldstein的作品在重新定義公主與王子結局的同時,藉著這些看似殘酷的個人境遇提醒我們染、戰爭、疾病、肥胖和自我認同等迫切的對現代政治、社現實進行思考、反省批判實蘊藏著極為複雜的面向

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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mummyzealot發表於 樂多12:57回應(0)引用(0)解剖藝術現象 │標籤:攝影

August 10,2013

透過藝術家James Turrell之眼看奇光異境



Frank Lloyd Wright所設計的紐約古根漢美術館,我總有一個複雜的情愫,一方面他是獨一無二的建築設計,但對傳統藝術品來,他對不是最佳的展示空間。螺旋式的 參觀坡道,唯一的照明來自頂樓的天窗,除非是為這空間量身訂做,藝術作品很有可能會被此非傳統、巨大的空間削弱原本的能量,也影響到參觀者的觀看經驗。


現在展出的美國藝術家James Turrell的光藝術,則是少數有辦法與萊特空間抗衡的作品。Turrell在螺旋廳中央設置了「aten regin」(2013),強化萊特的螺旋設計概念,把這空間轉變成一個充滿光影變化,結合人工和自然照明的巨大夢境/異境。


今年祝七十大Turrell,收到美術藝術圈的大:三大指性博物,包含洛杉術館 Los Angeles County Museum of Art)、休士術館Museum of Fine Arts Houston )以及紐約古根術館都同時舉辦Turrell 的大型展

古根只展了他的四件作品,最重要的就是「aten regin」。Turrell把整Rotunda包了起,在螺旋廳內創造了一個瀰漫人造和自然光的螺旋大穹多人就在地板上,看著光慢慢粉紫、粉紅轉換到白、灰、黑的漸層、再化到深海的



一向很用精去形容Turrell的作品,而藝術家本身也造了一批艱澀、形而上的詞語與來他的作品。簡單來說Turrell利用光玩弄視覺與認知的落差,他的典作品利用光抹滅牆天花板、地板的,人只看到綿無盡光慢慢在轉換,有漂浮在色之中的錯覺。而走出這個異境的者,很容易因為內外光的差造成視覺上的昏眩。




雖然他和Dan FlavinBruce Nauman 等人一樣以光藝術聞名,手法卻完全不同:Turrell 的作品必須是純粹的光,帶有貼近宗教體驗的神祕感,對不讓觀者看見人造光源。Turrell透過精密計算與對身體感知的了解,將我們因太過熟悉而忽略的光影變化具象化、立體化。 

 

看「aten regin」這個作品,很容易忘掉時間。混淆的空間和時間構築了一個洗滌心神、近似宗教的體驗。許多觀眾在「aten regin」下或坐或躺達半個小時之久,完全沉浸在Turrell的光影異境。

 

讀了一些報導,包括這篇紐約時報記者過去幾年對 Turrell的貼身觀察與採訪,才知道古根漢的作品可以Turrell最知名的「羅登火山」(Roden Crater)的延伸。仍在進行的羅登火山, 是座落於美國亞利桑那州實際的死火山。Turrell 1979年買下這塊地,窮盡後半生心力在山中挖掘地道和房間,至今構築出24個特殊的空間,包含能用肉眼欣賞天文景象的觀測台;以及利用自然光源,模糊感官認知的藝術裝置等。可惜目前Roden Crater還沒有對外開放,否則我們馬上就來個road trip Arizona衝去了。



在羅登火山的日與月空間


羅登火山口

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mummyzealot發表於 樂多01:14回應(0)引用(0)逛展覽 │標籤:古根漢,James Turrell

July 23,2013

療癒的建築:柏林猶太博物館與猶太人紀念碑

 

(圖片出處:Botha's Boots


柏林有一種難以言,令人著迷的個性。它看盡上個世紀的繁華、走過最慘烈的戰爭,身處國家分裂和統一的核心位置。在成為首都之後,它肩負著將德國推向世界強國之首的使命。柏林將德國人對歷史的尊重與反省和對未來的前瞻與信心,充分地表露在其城市的肌理脈絡中。除了大大小小的紀念碑,博物館,柏林圍牆的殘塊也矗立在城市各個角落。過去二十年,柏林人還把許多有歷史意義的舊建築,一一又蓋了回來。比如東德共黨拆掉的普魯士老皇宮(city palace),將完全依照300年多前的外觀重建,目標是要成為博物館島上21世紀的藝術、文化及學術的交流平台。 

 

歷史的記憶在柏林,就像是一個活的舞台。走在柏林的街頭,即使你不知道德國的歷史,也能體悟這個國家勇敢面對傷痕和永無止盡的療癒。

 

古蹟俯拾即是,但稜稜角角、充滿獨特美感的當代建築也在城市中到處可見。其中猶太博物館(Jüdisches Museum)被視為柏林結合古蹟與前衛建築的上乘之作。

從空中俯瞰,猶太博物館就像一道被割裂的傷疤。建築師 Daniel Libeskind 李柏斯金將猶太人在柏林所受的痛苦、曲折、反應在建築上: 建築形體乖張、扭曲而捲伏的線條,就像是大衛之星被撕裂一般。有趣地是,這棟建築並不反應任何功能需求,空間設計不是為了展出,而是利用空間本身的意涵和館遍佈的「空缺void」,來詮釋德國猶太人在歷史上的缺席。整個建築就一個藝術作品,一本 Libeskind 為猶太人寫的史書。事實上,1999年 猶太博物館完工後,有長達兩年的時間,博物館沒有任何的展示,卻有源源不斷的觀眾爭相要體驗這空間的魔力。在我到柏林之前,很難想像,建築本身的確就具有宣示和療癒的功能。

 

Libeskind ,他總是把這棟建築想成某種文本,是要去讀的。

 

要讀它,還得先找到入口。博物館沒有前門。參觀者必須先進到原柏林博物館的巴洛克建築,再走進地面下的三條通道。三條通道分別代表「死亡軸」、「流亡軸」和「連貫軸」,象徵猶太人抵達集中營後的三種命運。

 

  


流亡軸指向室外的「Garden of exile」,是為紀念那些被迫離開柏林、在世界顛沛流離的猶太人而建。 Garden of exile 地面傾斜,讓參觀者行走時步履艱難,隱喻猶太人流亡之路的坎苛。高聳的49根柱子上種了代表和平的橄欖樹,象徵散落世界各地的猶太人終於在異鄉落腳。但是紮根無法扎的深,因為異國的土壤終究不是家。


死亡軸則帶領觀者大屠殺塔 (Holocaust Tower)。推開厚重的門,裡頭一片漆黑,什麼都沒有。屋內唯一的光線從頂上一道裂縫透進來,人可以聽到外頭的聲音,但自己卻實際處在封閉漆黑的空間,與世界隔離。這是要模擬猶太人在集中營絕望的處境,是 Libeskind 利用空間的「空缺void」來傳達猶太人歷史與命運的最好例子。


連貫軸通往「Memory Void」的長廊空間,當中鋪滿了以色列藝術家Menashe Kadishman的裝置藝術作品《落葉》(德語:Shalechet)。 Kadishman用厚三公分的鋼版, 作了一萬個不同的、粗糙的、雙眼和嘴都是張開的面孔。這些臉鋪滿整個地面。我後來才知道訪客是可以踏上去的,人頭會因為彼此的碰撞而發出匡啷匡啷的金屬聲,模擬屠殺者或坦克車正執行殘忍的惡行。


 

 

同樣紀念猶太迫害歷史,與猶太博物館相輔相成的,是位在城中心的歐洲猶太人紀念碑。這個紀念碑位在布蘭登堡門附近,也就是德國的政治心臟,距德國聯邦議院和總理府等國家機關僅咫尺之遙。它佔地二萬平方公尺,足足有四個足球場大。2711塊碑石刻意地排列成波浪狀、高低起伏。走在紀念碑群的邊緣沒什麼感覺,但一旦「潛入」這些如墓碑的黑色方塊,迷失在光影交錯的矩陣中,聽著附近細碎的步聲,參觀者的身影從眼前倏地出現又消失,確實感受到如身處洪流的迷失與徬徨,同時又有一股不出的平靜感。紐約猶太裔建築師艾森曼(Peter Eisenman) 把這塊紀念碑群打造成「靜默之地」,堅持運用抽象的概念,石碑群放棄所有具象徵意涵的傳達方式,沒有姓名也沒有任何的雕刻裝飾 。石柱樸素純粹,反而更有莊嚴肅穆之感。

 

做了一點研究才知道,這一段關於傷痛的歷史,其實到二戰結束四十年後才開始變成一項公共議題。期間左翼的自由派哲學家哈伯瑪斯和右翼的歷史學家諾特Enrst Nolt帶領激烈的史家論戰,論戰的核心便是納粹德國的歷史定位以及責任歸屬。哈伯瑪斯贏了這場戰爭,帶領德國人撥開傷疤,面對、探究納粹歷史,以凝聚尋求國家認同。為了讓下一代記住歷史真相,德國人為屠殺猶太人的歷史事實立碑和建博物館,提供一個反省與辯論的平台,期待對歷史的反省能化為正面向上的能量,變成一個國家所認同的文化記憶資

 

這讓我無法不想到台灣的白色恐怖和二二八歷史,我們蓋了一堆紀念碑,民間的學者採集無數的口述歷史和研究,但政府是否有誠實面對過這段歷史,願意釐清這在台灣歷史的真正定位,恐怕還有很長的一段路要走。



mummyzealot發表於 樂多11:58回應(0)引用(0)建築偵探 │標籤:柏林,猶太博物館

June 3,2013

身體譜出動態的詩歌:沈偉舞團「Undivided Divided」



門開了,我們慢慢走進沈偉舞作「Undivided divided」的「舞台」。舞台上,十六個舞者各自平躺在白色的方格中,上半身赤裸著,沒有喜怒哀樂的神情,白色的燈光罩著這些男女肉體,彷彿藝術家Damien Hirst「肉體比精神永恆」的標本雕像,凝結在與觀眾分離的某個時空。我們稟住呼吸,有那麼點侷促不安,不知道眼睛該往哪裡擺,身體該站在哪個位置,該跟其他觀眾保持什麼距離。

 

然 後,在我們還在試著搞清楚眼前的景象,靜止不動的舞者開始慢慢扭轉身體起身,像是一個初始的生命在探索世界,他們忽而將雙臂在我們眼前舉起又揮下,轉頭, 時而扭動腰肢,或是好奇地在任意堆砌的透明塑膠方塊中摸索。電子音樂響起,舞者開始去碰觸、沾染方格中的顏料,他們的軀體像是畫筆一樣不停舞動,身體彷彿 無骨一般柔軟,縱情地渲染他們一身潔白的「畫布」。舞者像鳥兒渴望自由的空氣,但身體卻被禁錮在小方格中。

 

有舞者自己纏繞在白色的絲線中,彷彿而出的那一霎那 ; 有舞者體潛入彩色編織成的中,如在海中泅泳; 也有舞者攀上舞台角落的玻璃屋,或在玻璃屋。他舞得然忘我,那姿態實人著迷,且回味再三。到了這個時候,我完全被舞者吸引,彷彿自己也成舞作的一部分。舞者與觀眾的界模糊了,觀眾與觀眾拉近了,取而代之的是一的安心感。

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mummyzealot發表於 樂多11:22回應(0)引用(0)舞蹈是一種生活態度 │標籤:沈偉

April 5,2013

Tero Saarinen 獨舞《春之祭》,哀傷又溫柔的百年獻祭

前陣子 Kennedy Center 辦了一場北歐藝術節,北歐劇場、舞蹈、音樂和當代藝術在 DC 百花齊放。我去看了芬蘭編舞家和舞者 Tero Saarinen 自創自跳的名作 Hunt,衝擊不小。

Hunt 是向俄羅斯作曲家 Stravinsky 的致敬。 Tero Saarinen Stravinsky 的《春之祭》音樂編出如野獸般猛烈卻又哀愁的獨舞。是的,這是獨舞,相對於許多大師的版本以群舞氣勢跟這個音樂的強大能量相抗衡,Saarinen以一己肉身之姿,雌雄莫辨的打扮、融合東西方的身體語彙、還有充滿張力的燈光與影像,不但沒有被音樂吞噬,反而跳脫Stravinsky所設定的文本。其他編舞家用猛烈的跳躍或蹬地動作來詮釋音樂中人神衝突、生與死的拔河,但Sarrinen在音樂最猛烈的段落靜止不動,讓破裂的影像在他身上流竄,像是把所有混亂和失序都壓在他的身體裡,反而成功地回應音樂上的張力。癲狂又美麗、陽剛又陰柔,Sarrinen 真的是完全顛覆我對這隻舞的印像。

Tero Saarinen 舞團成立於1996年,以對 Stravinsky 的兩部經典作品的重新詮釋成為現代舞界的寵兒:Petrushka 和《春之祭》。Saarinen 的獨特舞蹈風格受日本的尚武藝術和西方古典芭蕾及現代舞影響。他長期與光影設計師 Mikki Kunttu 合作,大量在作品裡使用多媒體,探索科技和影像在舞蹈中所開創的可能性。

可惜 Saarinen 說今年之後這隻舞就要封箱了。

因為看了Sarrinen的春之祭,讓我又回去重看畢娜鮑許版本的《春之祭》。非常不同的表現方式,群舞+暴力+敘事性+獻祭的恐懼,情緒渲染力極強。我也重看了傑佛瑞舞團重現尼金斯基的版本,即使充滿「古早味」,原始、部落,儀式般的場面調度,在2013年,單就尼開創的舞步和音樂挑戰失控的狀態,還是相當前衛。

現在最期待地便是阿喀朗的新版本,今年春天在歐洲首演的iTMOi (in the mind of igor),音樂已經脫離 Stravinsky,但舞作是立基在春之祭的概念。劇照實在是太吸引人了。 ...繼續閱讀

mummyzealot發表於 樂多12:07回應(4)引用(0)舞蹈是一種生活態度

March 17,2013

Highline之後,地底公園的時代

前陣子受邀去參觀 DC Dupont Circle 杜邦圓環底下廢棄的舊輕軌電車站。與其說參觀,不如說是在地底探險,因為計畫了五年的Dupont Underground至今還沒有和市政府協調出一個可行的方案來重新啟動這個巨大的地底閒置空間。整個舊車站還只是空蕩蕩的隧道,等待下一個會做夢的人。

這讓我想到紐約有一個前半段身世幾乎一樣的廢棄電車站,如今因為社區的支持和創新的構想,在未來幾年有可能成為世界上第一座地底公園。

這個公園,被暱稱為 Lowline 低線公園,一開始是呼應紐約西邊名聲響亮的 Highline 空中花園,後來Lowline這個稱呼就延用至今。Lowline 的改造計畫是由兩個年輕工程師 Dan Barasch 與 James Ramsey 發起。他們希望把位於下東城Delancey Street 和Essex Street 交叉口下方、已經廢棄超過60年的威廉斯堡橋電車站(Williamsburg Trolley Terminal)改造成綠色花園。想像一座地底花園,你可以喝咖啡、散步,或者只是靜靜的晒日光浴,聽起來很不可思議吧!

Barasch 和 Ramsey 提出一個具體的藍圖,去年並在下東城一個倉庫內模擬地下隧道的空間。在展場中央,他們建了一個傘壯結構,稱為「天光」(Skylight),是這個地底花園計畫的核心所在。

Skylight要解決的是地底公園最大的挑戰:採光。

具有工程專業背景的兩人,開發出這個命名為「天光」的太陽能採光系統,透過特製的太陽能碟片,能採集地面上的自然陽光、傳導至地底下再散發出來。這個機制不僅能以自然的光度照亮地底空間,還能過濾有害的紫外線,保留植物光合作用需要的光波。

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mummyzealot發表於 樂多13:32回應(0)引用(0)建築偵探

March 4,2013

Hirshhorn美術館的奇觀慾望


這十年藝術圈以奇觀 (spectacle) 掛帥已經見怪不怪,有的利用巨大裝置和彫塑品來製造話題性,如蔡國強和 Catalen 在古根漢中庭懸掛奇觀雕塑,艾未未在倫敦泰德美術館的 Turbine Hall 撒下千萬顆陶瓷葵花子; 比利時藝術 Carsten Höller新美術館鑿了大洞,做了一個穿透三層樓的溜滑梯。美術館也喜請明星建築師設計以前造型取的美術館建築。以往術館是靠重要的收藏品爭勝居於附的地位如今建的重要性有時居然超了美收藏。然而不管是在展覽呈現或建築上爭奇鬥艷,都指向「奇觀勝於展覽」已經內化成許多藝術機構的的經營策略。

對於DCHirshhorn 美術館來說,她既沒有性感的美術館建築,以往又缺乏大型國際當代藝術家的展覽,所以雖身為 Smithsonian 博物館群以及 National Mall上唯一的當代美術館,卻從來不是遊客到 DC 的首選。新的館長 Koshalek 上任後,矢志要把 Hirshhorn 年輕化,並擠身當代美術館名門之中。他的策略包括以公共藝術提高能見度,如 Doug Aitken 在美術館的環形外牆上打上360度如夢似幻的 MTVSong 1」和策劃現在的艾未未回顧展,都讓 Hirshhorn 在保守的 Smithsonian 博物館中顯得酷味十足。

但是,他也做了一個備受爭議的決策。

2009年底Hirshhorn 宣布邀請設計紐約 Highline 空中公園和波士頓水上當代美術館 ICA Boston Diller Scofidio + Renfro 建築團隊在其中庭設計一個巨大的充氣結構。從空中俯瞰,彷彿美術館中央圓形的洞口向著天空吐著藍色泡泡,難怪大家都暱稱它叫 Bubble (泡泡)。Bubble 是一能收能放的臨時結構Koshalek 的構想是要在 Bubble 裡面舉辦跨文化、跨領域的對談,國際人才團隊包括城市規劃藝術,政治、科技教育等問題積極在城市中對話機會市民共同思考國家的未 Bubble包括和 DC 智庫合作的討論會,與國際外交關係理事會(Foreign Council克阿瑟基金MacArthur Foundation的科技會談,以及與普林斯頓藝術學院合辦藝術的討論平台Koshalek 計劃 Hirshhorn 變成像 Aspen Institute TED 那樣引領潮流、具有前瞻性思想的點子平台

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mummyzealot發表於 樂多07:52回應(0)引用(0)解剖藝術現象 │標籤:Hirshhorn

January 28,2013

Vik Muniz 之垃圾狂想曲

 

巴西政府曾在「里約熱門旅遊」 的觀光宣傳活動中,除了大推嘉年華之外,也把貧民窟一日遊(Favela Tour) 當做都市特色大肆宣傳。根據統計巴西現在有1600個貧民窟、其中800個就在里約。這些貧民窟中,里約城外的Jardim Gramacho是很特別的一區,因為它是全球最大的垃圾掩埋場。巴西政府表示要將當地建設成全球最大的廢物回收處理地,但 Jardim Gramacho 目前不過是全球最大的堆填區和垃圾山。而緊鄰在垃圾山旁的貧民窟,住著靠著撿拾回收垃圾過活的「Picker」,其衛生條件之差真是外人難以想像。 巴西裔的藝術家 Vik Muniz 花了兩年的時間,以當地的picker為題材作為攝影主題,將作品所得的收入回贈社區。這個過程,都收錄在電影垃圾狂想曲》(Wasteland中。

不少藝術家都前往里約貧民窟取材,或是就地創作,比如攝影塗鴉藝術家JR把他女人是英雄Women are Heroes)系列的攝影出成大型海在貧民窟的街道、樓梯、屋頂上。 JR的創作動員了貧民窟的居民一同參與,而Vik Muniz的「Portraits of Garbage」作品系列,更是藝術介入空間最社會性的積極想像:藝術行動捲入垃圾山的勞動者、社區運動者,開啟公共討論與持續介入,在整個計畫完成後形成有機的社群認同。

Vik出身貧困背景,他年輕時因為一場槍擊意外拿到一筆賠償金,便利用那筆錢到夢想的紐約探險,從此就住了下來,並開始發掘自己藝術創作的天份。他最著名的是用棉線、鐵絲、糖、巧克力糖漿、報紙來作畫。當他知道Jardim Gramacho的情況,便很希望能為家鄉人民做點什麼。

電影花了不少時間側拍他和picker的心靈溝通與生命經驗的分享。Vik找到幾個志願擔任模特兒的 picker,有在垃圾山裡熱心打理伙食的奶奶,有獨立扶養兩個小孩的青少女媽媽,有懷有夢想的美麗少女,Picker合作組織的主委Tião Santos,還有picker 25年,不卑不亢的老人家Valter他常常掛在嘴邊的話是,一人的力量並不渺小,Because 99 is not 100

Vik以貧民窟或垃圾山為背景,替他們拍了充滿震撼力的人像作品,然後他把這些這照片放大數百倍,置放在工作室的地板上,由他在架高的鷹架上指揮這些「模特兒」將回收垃圾當做「顏料」依圖像輪廓一一排列。回收材料顏色的深淺和材質都會影響圖像的質感,Vikpicker便一起合作試驗不同垃圾所製造出的視覺效果,但是打從一開始這些picker沒有人搞懂Vik到底要做什麼,也不認為這是一場藝術創作。他們只覺得能被雇用來作些不是在垃圾山裡打混的零工也不錯。


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mummyzealot發表於 樂多09:56回應(0)引用(0)無國界電影

December 10,2012

CSA 社群支持性藝術,認養年輕藝術家

支持藝術家有很多種方式,除了國家和地方政府有計劃的扶植、基金會的贊助、企業認養、服務性藝術組織的培育和推動藝文發展的program與行動,最近幾年則是群眾小額募資、集資平台遍地開花,讓小額捐款人參與推動創意工作者的夢想起飛。最有名地大概就是Kickstarter「敲門磚」這個線上平台:提案人提出想做的計畫,需要的資金,以及可能回餽「投資人」的方案,潛在的「投資人」若認同提案的理念,就會「投資」該項目。當夠多人加入「投資」,到達門檻金額,提案人就會從Kickstarter拿到群眾們給他的資金,開始圓夢。

這種繞過向企業體、基金會和政府等傳統贊助機關募款的趨勢、看似一股新潮流,實際部分是大環境疲軟、經濟衰退下必然的反動。在美國,這些主流的贊助來源在金融風暴以前就只佔非營利機構贊助比例的三到四成。捐款收入主要還是來自有錢人的個人捐獻。而在經濟開始走下坡後,企業和政府的贊助只有每下愈況,非營利機構或個人藝術家就更必須拓展個人贊助者的捐款比例。

除了Kickstarter,我觀察到美國最近開始發展出一個很有趣的藝術家認養概念,這裡要講的是CSACommunity Supported Art)「社群支持性藝術」。一般人大概都聽過CSA(Community Supported Agriculture ) 「社群支持型農業」,而「社群支持性藝術」就是這延伸出的概念。在美國有20幾年發展歷史的社群支持型農業,是「找一群人,挺一群人」的互助共榮產銷圈。一群是特定的消費家庭們,需要得到健康的食物,另一群是特定的有機小農們,生產健康的食物。台灣這幾年也引進CSA,有機栽種、鮮採的食材,由在地的CSA組織檢驗品管、運送到消費家庭。小農和消費家庭建立了社會信任,他們彼此需要,透過這個新通路,讓它們互相支持。

CSA社群支持性藝術便是利用這樣的社會信任,只是把在地小農換成在地的藝術家。參與者購買「股份」,有效期根據每個團體的設定約半年到一年。每一股$100到$500美金不等。「股東」定期會收到由藝術團體精選合作的在地藝術家作品(就像股利),有可能是小型雕塑、版畫、攝影作品、錄相、畫作等,由藝術團隊選出在地藝術家參與計畫。CSA基本上類似股份有限公司,每一年只有一定數量的股份可以出售,畢竟每個藝術創作都是獨特的,而且同一件藝術作品數量越少越有價值。藝術家等於在作品誕生前,就有了收藏者,有了穩定的一份收入和支持,可以安心地踏實地創作。

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mummyzealot發表於 樂多09:02回應(0)引用(0)藝術產業新思維