My Coffee Time

意外的,今年與已故美國攝影大師Richard Avedon(1946-2004)相遇兩次,一次是在Jeu de Paume,另一次則在Les Rencontres d’Arles 2008.

在巴黎見到Richard Avedon(1946-2004)的攝影作品前一天,我才剛欣賞過Annie Leibovitz的作品,這兩位一樣享譽國際的美國攝影大師有不少的共通點:從自學攝影起家,各自擁有欣賞他們的伯樂把他們帶進時尚攝影圈,也一樣最擅長於人物攝影,而且幾乎同時在巴黎推出他們的回顧展.因此,大家不難體會,連續兩天看的作品主題有某種程度上的共同交集,即人物攝影與時尚廣告攝影這兩大部份.

若說Annie Leibovitz以保持距離的姿態細膩的呈現出人物平易近人的一面,那Richard Avedon(1946-2004)便是以極度親近的眼光,毫不保留的企圖將人物內在的情感挖掘出來;前者在講究的燈光與構圖下,把作品呈現的非常性感,充滿感性且多彩的氛圍,而後者卻偏好全白的背景與不精確的燈光下,喜歡在人物的肢體活動之間去捕捉那不完美卻充滿知性純黑白的瞬間.

由於Richard Avedon(1946-2004)曾有一段時間相當投入一些紀錄片風格手法的攝影,因此即使他轉入時尚廣告攝影或拍攝人物時,仍把紀錄片攝影手法帶入其中,相當令人欣賞,像他幫Dior拍攝的Dovima with Elephants,更是讓他一舉奠定國際地位的精采作品,而像那充滿瞬間活動力的Les Cheveux,肢體語言看似極限卻富含優美氣質的Veruschka,正在思索而感嘆般的Marian Anderson,嚴肅若有所思帶著感傷神情的的Truman Capote等等,都堪稱人物攝影精采的傑作.

儘管如此,我個人最欣賞並不是那些名人人物或奢華品牌的時尚廣告攝影,而是他較年輕時所拍攝的那些紀錄片式的攝影作品,在越戰戰亂中或社會低下階層中所拍攝的小人物照片(見1或2),他們那在困苦生活中刻畫出充滿歲月痕跡的臉龐,那因生活充滿不確定感而綻放出充滿哀傷的神情,還有他們那面對鏡頭時的生澀姿態透露出他們心中的那份深刻的無助感,再再才是讓我打自內心欣賞Richard Avedon(1946-2004)的最重要作品.

PS圖片取自Images Richard Avedon by Google.

(注意:文字未經本人同意或清楚註明出處,請勿任意轉用)

延伸閱讀:Annie Leibovitz's一個攝影師的生活

                   遇見阿爾勒

巴黎當代藝術市集FIAC 2008,終於落幕了,比以往的規模更大了一些,參展的藝廊更國際化,作品水準也更為提升,法國政府部門更組織了二十人收藏委員會(九位相關部門人員,其他十一位當中大多為收藏家,其中兩位為藝術家),今年預計收藏五十幅作品,主要以視覺藝術作品為主要選擇對象.

延續去年的做法,展場分別散布在羅浮宮靠近賽納河邊的方形中庭,大皇宮那有著壯觀拱形天窗的中殿與杜樂麗花園的草地,當代藝術中心Jeu de Paume今年也加入共襄盛舉.由於這個博覽會的規模不斷的擴大,參觀的票價年年高漲,由於參展的藝術家的素質不斷提升,除了年輕新生代的當代藝術家之外,也越來越多有名望的當代藝術家透過他們合作藝廊推動的手而紛紛加入,例如1980年代以連續美容手術實況過程作為其代表作品的Orlan也赫然其中,加上媒體的推波助瀾,高貴的入場票價仍無阻於大批的人們前往參觀的興致.

我最欣喜的是Joan Mitchell的作品也陳列其中,這位不少作品身價頗高的美國當代女藝術家的作品承襲自印象派的概念,並融合抽象表現主義的技法,深受Franz Kline與Willem de Kooning兩位抽象表現主義大師的影響,乍看之下頗似Pierre Bonnard的作品局部與風格,其部分厚實的筆觸奔放在虛實之間帶細膩的感覺,可能是長期定居以莫內的花園著名於世的Giverny的關係,加上其母親頗具寫詩的才能,在家庭教育的影響下,她的作品色彩清淡優雅卻充滿著光影閃爍的味道,整個作品散發出一股淡淡的詩意.

另外,最讓我好奇的莫過於Jake et Dinos Chapman這對英國兄弟藝術家的作品,並非因為法國媒體對他們的一致推崇,而是他們的作品真的很特別,而且相當驚世駭俗,有異於一般人,常有豐富想法隱藏在裡頭,他們不斷的從過去的作品去挖掘創作的題材,以極度諷刺或辛辣幽默的手法,運用繪畫技法結合綜合媒材裝置的呈現,不斷突破作品表現的概念,這回他們的作品,有時讓人莞爾一笑,有時讓人仍有種不寒而慄的感覺,宛如更具外顯險惡表現力的當代格林兄弟.

PS圖片為Jake et Dinos Chapman的作品,來自Stiletto.fr.

(注意:文字未經本人同意或清楚註明出處,請勿任意轉用)

延伸閱讀:藝術?色情?戀獸狂?Kulik Oleg在FIAC2008

              巴黎當代藝術博覽會FIAC        

1971年,在Rolling Stone以John Lenon為封面的黑白攝影而一鳴驚人的美國女性時尚攝影師 Annie Leibovitz,直到1983年都專職於這本報導搖滾樂的專業經典雜誌,並完成142張精采封面與數十個精心策劃的成功專訪,Bob Dylan ,Bob Marley和Patti Smith都曾在其手中留下歷史性的鏡頭.1981年,就在John Lenon被暗殺的數小時前所拍攝完成的全裸的John Lenon依偎在其妻Yoko Ono這張封面照片,更是讓她奠定其國際級攝影師地位的經典作品.

之後,她轉投Vanity Fair的懷抱與1990年代末期與Vogue的合作至今,同時也從事時尚廣告攝影的工作.她爲Demi Moore所拍攝懷孕全裸的側影,也是她著名的攝影作品之一,當年還登上Vanity Fair封面而引起廣大的討論旋風,她幫Disney掌鏡的一系列廣告,讓Scarlett Johansson,Beyoncé Knowles,Rachel Weisz,Julie Andrews等演員明星一一傳神的化身為格林童話裡的主角,更為她以往以來的攝影風格添加童話風貌的夢幻色彩,義大利咖啡品牌Lavazza的廣告今年也選上她負責操刀,融合她在Disney廣告中新建立的風格加上原本的個人習慣的運鏡手法,將Lavazza一系列廣告表現得既性感又帶有知性美.

Annie Leibovitz擅長人物攝影,由於曾在San Francisco Art Insitute學習繪畫技巧,其攝影作品如同繪畫非常講究取景構圖,肌理表現,色調配置,光線安排與人物眼神姿態,其所完成出來的攝影作品猶如現代化的古代繪畫,在強烈燈光與簡單背景之間,十分講究人物身上的每個細節,包括表情姿態與髮式衣著,在她銳利帶著距離的目光下,呈現出的作品風貌卻很親近人心,不論是當代最長壽的藝術家Louise Bourgeois或是一些著名的攝影師,藝術家或建築師如Richard Avedon,Cindy Sherman, Philip Johnson,還有英國女王伊麗莎白二世等等,他們在她的運鏡下跳脫以往人們對他們的既定印象,讓人們對他們隨之重新做新的思考與認識.

她這第二個攝影回顧展從Brooklyn Museum de New York出發,在全世界幾個著名的美術館與當代藝術中心的巡迴展出後,今年終於輪到巴黎的La Maison Européenne de la Photographie展出,這也是她首次在歐洲所做的個人回顧展,這個展覽名稱為A Photographer's Life(1990-2005),之所以以此為展覽名稱,攝影師本身做了一個很好的說明,她認為在她的生活裡,攝影工作與私人生活是無法分開的,她其實只有”一種生活”,不論是工作,家人,朋友或只是她個人的各種想法下產生的作品都是在這樣的生活方式下誕生的,尤其她跟美國著名散文家Susan Sontag之間的緊密的生活關係所產生的作品最震撼人心,她把後者臨終前對抗癌症的憔悴病容忠實呈現出的那一系列作品,讓展場氣氛一度充滿矛盾,那些風格強烈的時尚攝影與溫馨可人的家庭聚會照片,讓人顯得喜悅,卻又因Susan Sontag的病容而受到驚嚇且感到哀傷.

我是在七月份時參觀這個展覽, 目前展覽已經結束一個月了,後續仍有一些觀賞者的相關討論,有些人觀展後覺得她是一個真誠的藝術家,把她生活中的點點滴滴忠實的紀錄下來,讓一個攝影師的生活清楚明白的呈現在世人的眼前,但在法國這樣十分重視個人隱私生活的國家,反對的聲音更多,在人們的眼裡,那樣呈現私密的生活顯得過度,多數人從一個展覽當中渴望看到的是藝術家的作品,而不是其太過私人的生活,尤其她的摯友Susan Sontag那一系列照片讓人看了的確並不太舒服,正是因為太直接太忠實了,我自己則是贊成反對的一方.

PS圖片來自Images Annie Leibovitz by Google,其他述及圖片亦請見左列網站.

從小便一路追隨大師們腳步的Pablo Picasso(畢卡索),到成為吸引世人目光無與倫比的現代藝術與當代藝術大師,從他那個時代的當代,直到今天我們所處的這個當代,他仍然是製造話題最佳的引爆器.法國兩大最具全球性聲望的美術館Le Musee du Louvre(羅浮博物館)與Le Musee d’Orsay( 奧塞美術館),在策展能力聲譽卓越Le Grand Palais(大皇宮)的帶領下,共同攜手推出一個最爆炸性話題的展覽Picasso et Les Maitres(畢卡索與大師們),爲這即將接近尾聲的2008年與接著開展的2009年初有個完美的結束與開始.

來自全世界著名美術館的館藏與私人收藏,總共高達210幅作品,除了畢卡索本身的作品,從文藝復興時期的Titien(提香),浪漫派時期的Delacroix(德拉夸),現代藝術之父的Cezanne(塞尚),野獸派的Matisse(馬諦斯),印象派的Manet(馬內),Monet(莫內)與Gauguin(高更),到與他共創立體派的好友 Braque(布拉克)作品等等.整個展覽歷經三年的策劃,研究,商借收集作品到展出,包括現場展示空間的規劃,主題與時間的安排,還有因每幅畫作保存上所需的溫濕度的不同等等,讓技術人員尤其在燈光投射的強度上必須非常謹慎小心,為每個環節可是傷透了腦筋.

這展覽的企圖在於將畢卡索其畢生創作的所有重要作品靈感來源,做清晰完整的對照演譯,把他每一幅作品與其靈感來源的大師們的作品一一成雙的並列展示,在直接的對照與說明之間,讓我們得以一窺畢卡索是如何的以大師們的原作架構,從早期古代繪畫所攝取的養分,從現代藝術與當代藝術以及非洲原始藝術中所受到影響,加上他那個時代的當代藝術同儕的互相激盪下,如何結合其所得到但非獨創的創作語彙,進而誕生出那一幅又一幅充滿話題性的藝術作品.

畢卡索從其早期的藍色時期與粉紅時期開始,在藝術創作上便擁有相當的聲譽,由於他在藝術創作上的多變性,讓他跟各個重要的現代藝術與當代藝術思潮的各個流派都有相當默契上的關係,不論是二十世紀前後的印象派,野獸派或立體派,甚至1960年後因Marcel Duchamp的Ready-Made概念下,隨之當代藝術時期開展的達達派或普普藝術,畢卡索就像海綿般,不斷的攝取,不斷的吸收,並不斷的創作,不但作品的產量多得驚人,而且作品的價值在他創造話題的一流手法下節節攀升,身後其作品價值還頻頻打破世界紀錄.

畢卡索不僅在各種技法概念結合的繪畫創作一直維持不墜的聲望,在版畫創作,雕塑創作與陶藝創作各方面,他也是藝術史上不可或缺的重要靈魂人物之一,在獨創的單色拼版印色的版畫技法,充滿原始藝術況味的現代雕塑與豪放不羈充滿詩意的造型釉色表現,讓他在現代藝術與當代藝術上的貢獻,不僅只止於繪畫上,也在現代版畫,現代雕塑與現代陶藝三個領域,不論是觀點或是技法,在創新方面佔據非常重要的地位.然而,這樣的畢卡索的誕生不是偶然的,他的父親顯然功不可沒.

畢卡索的父親是一位平庸不得志的畫家,在中學任職教導學生繪畫,並傾其全力的栽培他這個年幼便展現驚人繪畫天賦的兒子.於是,畢卡索便開始其一連串豐富的學習經歷,歷代大師作品的圖片仿作,各種取景構圖的安排訓練,還有各種繪圖的技巧,並持續親臨一些重要美術館,像位於馬德里著名美術館Le Musee du Prado與日後在巴黎的Le Musee du Louvre,不斷的臨摹大師們的作品.自青少年時期開始,才十四歲的畢卡索,不論是來自歷代的傳統技法或是各種最好的構圖探索,不但難不倒他,而且還有近乎大師級們的水準.因此,一路這麼走來的畢卡索,就這樣的從大師們的作品中不斷的去挖掘主題去創造自己獨特的作品,已成為現代與當代藝術大師的他,儘管一度被視為手段靈巧的剽竊高手而備受爭議 !

PS圖片來自Le Grand  Palais.

(注意:文字未經本人同意或清楚註明出處,請勿任意轉用)

延伸閱讀:Oh My God!畢卡索-Une légende toujours vivante 永遠的傳奇

1996年便受 Tate's Turner Prize肯定並快速享譽國際的Douglas Gordon,來自英國過去至今充滿搖滾音樂風的Glasgow,每年整個夏天,他跟不少英國人一樣,喜歡到法國南部享受陽光的饗宴,Avignon(亞威農)可說是他最偏好的城鎮,他把個人連續十年的夏季時光都投注在這個充滿自然綠野與古蹟建築的地方.

他之所以跟亞威農之間保持這麼深厚的關係,其實還有另一個原因,便是長年收藏他作品的Collection Lambert這個當代藝術展示中心正是位在亞威農.就在自然人文與展收藏之間的緊密關係,這位擅長Art Video製作享譽國際的英國藝術家,便在這舉世聞名的音樂藝術節的小鎮,舉辦其生平第一個重要的回顧展.

展場分成兩個部分,主要的展場在Collection Lambert,就位於亞威農旅客服務中心斜對面的小巷內,另一個小塊的展區便是在全法國最具代表性的古蹟建築之一的Le Palais Des Papes(教皇宮)內,展示在教皇宮裡的作品,部分還是在教皇宮內完成的,這對維護古蹟不遺餘力花費不少來自納稅人的公帑的法國人來說,可是需要相當的勇氣接受,以及事先的大量溝通與事後的充分整理,當然,一個揚名國際身價頗高的藝術家的回顧展原本就引人期待,加上展場實在特殊,不管是法國,瑞士或比利時,甚至在英國,這個展都是首要的注目焦點.因此,當我在Arles(阿爾勒)停留期間,自然不容自己錯過.

在Collection Lambert的部分,我受到的震撼可謂不小,Douglas Gordon以豐富藝術性如超現實主義般的手法,把他想呈現的主題,善惡與對立,生命與死亡,信仰與人性等等的主題,做了非常直接的處理,在每一個展示空間裡的影像,在脈動起伏之間,他給觀者的感受是那麼的大膽,甚至不留一絲的思考空間,讓觀者直接的面對他所想呈現出的主題震撼,平和與血腥在重疊的影像間交錯,或者是一個飽受窒息痛苦的人那諾大的掙扎臉孔忽大忽小忽遠忽近的,卻以合乎常人的呼吸韻律的呈現在觀者的眼前,死亡者的臉龐與手與其在世時的相對比較.甚至一隻甲蟲在走向其人生末途時的肢體掙扎,細膩得那麼的引人入勝,至今仍讓人難以忘懷.

而在另一頭教皇宮的展示,Douglas Gordon對北非人與蛇(黑白眼鏡蛇)之間那種又愛又敬又怕的複雜細微的氛圍,尤其那弄蛇人眼神,在他的鏡頭下,細微卻動人得讓人驚訝,深富吸引力,當他接受bc這本當代藝術雜誌的專訪時,他曾坦然表示關於北非作品產生背後的故事,只有一個真相,那是他與合作者深感當時當地生活無聊才突生的結晶,而且意外的成為他個人著名的傑作之一.

而在所有的作品當中最讓我喜歡的,便是那兩大大螢幕之間,那隻在白色如冰的地面上旋轉的大象,從這部觀察大象的四肢移動與眼神的微妙變化,如以華爾滋的韻律輕盈的滑動般,我們看見了藝術家掌握鏡頭運鏡的功力真的恰到好處,讓觀者彷彿身歷其中一起參與其拍攝的工作,跟其他作品風格完全相反,非常的親近可人.

PS圖片來自MOMA.org.

(注意:文字未經本人同意或清楚註明出處,請勿任意轉用)

Lise Sarfati是當代法國攝影師當中相當醒目的一位,她擅長運用冷暖色調之間的強烈反差與自然般光影的融合,讓她的攝影作品有著清晰的冷酷疏離調性,充滿著故事性,在真實但如劇場風格的場景中,精巧的呈現出人們生活中時時可能遭遇的內在無助的樣貌,充斥著生命的虛無感.

特別的是,1958年出生的她,在巴黎索邦大學就學時期,專攻的是俄文,一踏出校門,年紀輕輕的她便前往俄國流浪了十年,也就是在這十年,蘇聯解體前後的俄國,其當時社會文化的變遷很大,她花很多時間做深入的觀察研究,並用她隨身攜帶的相機紀錄下俄國人們當時冷酷中卻渴望追求內心希望的風貌,也正是這十年集結出的一系列攝影作品讓她一鳴驚人而聲名大噪,更於1997年正式成為聲譽卓越的Magnum Photos的合作攝影師之一.

當2006年在法國南部Arles(阿爾勒)初見她的作品時,我深深被其充滿個人風格的調性所吸引,講究整體構圖取景的她,很細膩的將她所想呈現的主題做有距離的闡釋,同時以攝影師與觀賞者兩種角色去詮釋作品中人物的心境,在豐富陳設場景中細微的捕捉空虛疏離的背景空間,讓那一刻真實頓時凝結般,如劇場舞台上燈光下那最動人心弦的某一幕,宛如她也正在舞台下方觀眾席上一起屏氣凝神沉靜的欣賞一般.

PS圖片來自Lise Sarfati Images by Google.

(注意:文字未經本人同意或清楚註明出處,請勿任意轉用)

若Keith Haring(1958-1990)還在世的話,今年他將會度過其五十歲的生日.可惜,正值年輕歲月的他就被愛滋帶走了生命,讓他那精簡熟練的線條與大膽帶螢光色彩的作品在他生命的晚期更具深刻的內在思維,包括對即將面臨死亡的恐懼與對社會弱勢族群的反思回饋.

透過Musee d’Art Contemporain de Lyon(里昂當代藝術美術館)這次為他大膽所策劃的回顧展,等同爲他在當代藝術史得到正面接受並正式承認其當代藝術家的定位,讓他備受爭議充滿商業色彩的作品提升到如正統藝術的層級,讓藝術作品與大眾文化之間的鴻溝更為淡化,並與商業行銷的藩籬打破,更讓人們對藝術定義的思考可以更為多向與多元.

在純熟精練的線條與滿滿具象徵性的圖像符號之間,他的作品充滿古埃及壁畫與非洲原始藝術的影響語彙且充滿人道主義的精神,把在充滿暴力毒品與過度崇尚金錢權力氛圍的1970-1980年代的紐約,不但冒險違法以白色的粉筆刻畫在地鐵底色黑色的廣告板上而聲名大噪,在私交甚篤同樣死於愛滋感染的Jean-Michel Basquiat(1960-1988)的作品以及在Niki de Saint Phalle(1930-2002)在比利時所建造La Maison du Dragon(1975)與這位著名當代女性藝術家共同合作的經驗,更讓他後期的作品元素呈現更為豐富,在表現手法上更為純熟精練,把他想傳達的想法更清楚明確的表達出來.

展場完整收集撥放他各個時期被訪談的Video,把他每個時期在歐美幾個建築留下的壁畫作品發生緣由,與他自身想要表達的意念想法傳達清晰無遺.我們只能說在短暫的三十二年的生命裡,Keith Haring已經盡情精采的走過,而在他出生五十年後,Musee d’Art Contemporain de Lyon(里昂當代藝術美術館)剛以這這場展覽中期即已超越98000入場人次,結束時更打破當年Andy Warhol紀錄的這個回顧展作為送給他五十歲生日的致敬禮,他自己也意想不到吧!至於我個人也出乎意外的在美術館延長展覽期限下幸運的躬逢其盛.

PS圖片為展覽海報,來自Images Keith Haring by Google.

英國攝影師Tim Walker是我個人非常喜歡的時尚雜誌攝影師之一,現年不到四十歲的他,在時尚雜誌Vogue UK發表的攝影作品,經常出人意表的讓人驚喜,擅長以童話世界的敘事手法,透過精心準備的各種不同的服裝與道具,以及化妝師的巧手下,在色調魔幻之間,處處充滿創意,對時尚事物做出非常個人且飽含戲劇性與藝術性的詮釋,目前Design Museum London正在展覽他的作品.

在自身也從事藝術創作於1940年代擔任Vogue藝術總監Alexander Liberman(1912-1999)創新的時尚觀點精神下,畢業自Exeter Art College並在New York磨練過的的Tim Walker,近年來在Vogue UK有著可以讓他盡情揮灑的舞台,每一個鏡頭的成果,來自於他不斷的構想與推演而出,在展覽現場,我們可以看見他如何事先透過繪畫手稿,慢慢的將架構成形,並且跟工作人員做詳細多重的溝通,雖然工作方式繁複且動員有些龐大,呈現出來的作品氣氛卻總是輕鬆有趣,精心策劃出來的畫面細節會讓人忍不住留連忘返,裡面不但充滿著童趣,而且有著豐富的想像力.

PS圖片來自Tim Walker Pictures By Thomas/Treuhaft.

(注意:文字未經本人同意或清楚註明出處,請勿任意轉用)

有好一陣子Fondation Cartier處在整修狀態,因而關閉了一段時間,整修後對外開放的第一個名為Land 250的當代藝術展覽便是1970年代龐克搖滾的重要靈魂人物之一,集歌手,吉他手與當代知名搖滾詩人等多重身分的Patti Smith的個人攝影展,雖有點意外,卻更引人好奇的想前往一窺究竟.

整個展覽以攝影作品為主軸,並集合她以色鉛筆手繪塗鴉作品與其較年輕時期相伴的美國著名攝影師男友Robert Mapplethorpe幫她測錄製作的多支Video,其中我們可以見到她在每個不同時期的精神風貌,包括她如何與工作夥伴共同合作的情景與她一些非常私人的生活與旅行等多面的想法.現場還有她最景仰且珍藏的法國詩人Arthur Rimbaud的作品集以及她以這位詩人為靈感的圖文創作.除此之外,從她的攝影作品當中不斷出現如教堂內外的天使聖者雕塑圖像或La Cene(耶穌的最後晚餐)的局部,以及在一些收藏品當中如耶穌基督受難流血的木刻雕像,可以想見宗教在她的心目中佔有何等重要的地位與價值.

最讓人印象深刻的是展場的氣氛,幾近黑暗的空間裡,透過多部Video在不同的位置不斷的放送所散發的光線交錯,同時搭配其強烈風格龐克搖滾的音樂或她如囈語般的語音撥放,在每張攝影作品所散發出來自她十分獨特的眼光之間,讓人在行徑當中,漸漸感受到她內在那異常強勁的感受力,讓我們不知不覺掉進她那非常個人的世界裡,隨著她因音樂撥放而出的熱烈激情,或隨著她因痛失靈魂伴侶的孤獨哀傷,把如長河般的生命裡,時而波濤奔放般的感觸,時而冷酷虛無般的情境,一一表現無遺,更呼應展覽最後一個Video中的海浪景象,時而平緩,時而翻騰,伴隨著她的詩詞吟誦聲的強烈氛圍,讓人忍不住跟著一起跌入沉思的情緒.

這是我看過最特別的一個展覽,在她的所有作品裡頭,看到的並不是創作者的概念如何的表現或創作者的技巧是否豐富,看到的是一個真正的藝術家如何竭盡的運用她的心力真切感受這個世界帶給她的每一個時刻的想法與記憶,更可以看到她完全駕馭且善用自己敏銳的天賦透過Polaroid 250(即展覽名稱Land 250的由來)去捕捉那讓她感動的每一個場景畫面,或以各色畫筆在結合Typographie的概念裡,專注勾勒繪出每一條飽含詩意的線條與每一面調性豐富的色塊,加上其文字旁白,讓人在她的筆觸與色調之間不斷的看到意外的驚喜.

PS圖片來自Feed Your Head,Site Officiel de Patti Smith.

(注意:文字未經本人同意或清楚註明出處,請勿任意轉用)

去年,Louise Bourgeois在她高齡95歳之際,在倫敦Tate Moderne的精密策劃下的回顧展,在整個歐洲獲得極大的迴響,今年三月份開始,巴黎Centre Pompidou再接再厲的將這個非常成功的回顧展再度呈現在世人眼前,之後將還會回到她的創作地美國紐約展出.

Louise Bourgeois在當代超現實派的藝術家裡可謂是最長壽與最年長的一位,她於1911年出生於巴黎近郊的一個專長修復古老地毯的工藝之家,在一個充滿各色針線與陳腐待修的地毯與老舊家具的氣味且封閉得可以的環境中長大,家庭在父母表面的和諧下時時亦暗潮洶湧,因為照顧她的保母正是其父親的情婦,在許多被授意或似不經意的時刻裡,她看見了她的父親與保母如何的暗通款曲,以及其母親是如何的隱忍不做聲的只為了保護她與其他孩子的正常成長.

這摻雜灰色調的童年,正是Louise Bourgeois創作的根本來源,在她的作品當中,童年中記憶所及的家中一切,包括有形的與無形的,如陳舊的地毯或如代表性器的創作語彙符號,也許隱喻隱藏於某個角落,也許大膽反覆的表達呈現,尤其其1960年代時期的作品表現的最為激烈,雖然如此,La Cellule Spider, 1997,讓人在意味母親的大蜘蛛底下象徵禁痼的牢籠般的房間裡,那把披著破舊地毯的椅子正是暗諭其父親的地位,透過整個裝置語彙隱隱的表達出她對其父親的愛與恨仍是那麼的鮮明.

隨著年紀的增長,Louise Bourgeois的作品變得越來越成熟,尤其是1990年代後期到2007年的作品,儘管主題依然環繞在童年那些充滿傷痕的痛苦記憶,但她的創作手法卻變得較為溫和,也讓人覺得也較為平易近人,在創作媒材選擇上的轉變也可見出端倪,從早期的木材,藍紅色的臘,白紅色的大理石,鐵的鍛鍊到布的運用, 讓人見識到她的心境是如何的運轉其中.尤其她為她兒子Alain所創作從懷孕,孩子的出生,分娩到孩子的長大成人的The Reticent Child, 2003,在背後有弧度的放大鏡的反射下,同時充滿幽默的童趣,真是讓人激賞.另外,描繪其對兄弟姊妹手足之情十足懷念的Seven in Bed, 2001著實讓人為之深思動容.

PS圖片來自Centre Pompidou.

(注意:文字未經本人同意或清楚註明出處,請勿任意轉用)