My Coffee Time

來自英國倫敦南邊郊區的2020年的Croydon規劃走向所引起的突發奇想,讓法國現任總統Nicolas Sarkozy繼續發揮其喜歡被媒體大肆關注的本領,邀請法國當今在建築與都市規劃最具聲望的十大設計師,從都市規劃,建築設計到環境整合,提前想像2030年的巴黎市結合郊區所形成的大巴黎風貌.(請見備註)

這個奇想希望所有參與的設計師,從中打破以環城高速道路作為界線的巴黎市與巴黎郊區,把整個大巴黎地區全新打造,突破過去與現在那阻隔兩方身分地位,有錢的中產以上階級與被白人社會邊緣化貧困的外來移民之間,那道無形的堅不可破的藩籬,但我們因此以為Sarko(以下用此簡稱)想爲一直苦無出路的窮人開創一道明光,那就錯了,他不但想爲自己製造話題而擁有不間斷的曝光率,主要企圖想在自己的任內留下讓後人”緬懷的話題遺產”!

巴黎自拿破崙三世時代,在當時巴黎市長歐斯麥男爵的大刀闊斧下,剷平許多的破落建築,並規劃出以現今凱旋門為中心放射狀的都市樣貌,接著密特朗時代不但承繼過去的精神傳統,並在這個基礎上,繼續拓展巴黎現代建築風貌,從拉得芳斯的大凱旋門,經杜勒麗花園,一直到羅浮宮由貝聿銘設計,動員驚人人力研發資源完成,在嚴格的溫度控制下特殊製作的玻璃架設的金字塔,還有巴黎十三區的法國國家圖書館那隨著光線不斷變化景緻的四大L型對稱座落的柱體建築,密特朗的最大貢獻正是那些建築遺產帶給巴黎非常興盛的觀光業,並提供了很龐大的就業機會.

連最近卸任不久的法國前總統席哈克都留下了由Jean Nouvel所設計的原始藝術美術館Musee du Quai Branly,從建築內外的設計,到內部藝術品的典藏規劃,做得相當的盡善盡美,讓把法國從盛帶領走向國力嚴重滑落的席哈克,總算對法國納稅人有個好交代,就是從法國本身過去歐斯麥男爵,密特朗到席哈克的對照,到Sarko一向崇尚的英國倫敦近幾年來在金融危機前的美好拓展的景象,讓一向愛好鎂光燈的這個總統更是不甘寂寞的有了這樣的突發奇想,也正因為如此,這樣想像的計畫,近來在整個法國引起很大的討論,假若這個從想像發起的二十年後巴黎的都市規劃有實現的一天,絕大多數的評論並不贊同.

尤其巴黎人幾乎持反對的意見,畢竟以那快速道路分隔的兩邊所繳交的稅制與稅金是明顯的不同,來巴黎拜訪的人不妨觀察一下每個社區的公園風格樣貌,就可以從中判對所處社區的好壞以及居民的社經地位,正是因為每個社區的居民的社經地位不同,所繳交的稅額不同使然,就法國人的一貫思維,付出的當然要有所回饋,而巴黎市與郊區的差異那麼的大,若要那些付出多的人把付出的分割出去,那是很困難的,更何況法國人的階級意識相當濃厚,環城高速道路那道界線,正是有這樣的隱含意味在裡頭,也正因為如此,當巴黎郊區發生暴動時候,巴黎市中心為什麼安然無事,也是這樣的思維所維持下的結果.

那樣透過環城高速道路作為區隔兩方階級的意識,早源自路易王朝時代與更早之前,巴黎市中心一些著名的公園廣場正是這樣思維的縮小版,壯闊的羅浮四周建築環繞下的杜勒麗花園與被美麗紅色建築圍繞的孚日廣場就是經典的好例子,而歐斯麥男爵在改造巴黎時,更把這樣的思維發揮的淋漓盡致,乾脆把窮人全部逐出市中心,而今天巴黎不只是都市樣貌,連社會生活運作的方法,都與之息息相關,因此這麼長遠以來即存在並根身抵固的想法,要從巴黎人身上移除,就已經是不可能的任務.如果再細細的從都市建築與規劃去探討,大到整體通盤檢討,小到各種管路與稅金配置,光是交通與治安的問題,就夠讓巴黎人畏懼,Sarko心目中那2030年假想的巴黎,根本是難以實現存在的美夢.

備註:”大巴黎”是巴黎市區與郊區連結,彼此打破藩籬,是指比今日巴黎市規模更大的”大巴黎市”,與此時”大巴黎地區”為法國一個省份的定義不同.目前與這個假想相關的展覽正在巴黎展出.

PS圖片來自LA DEFENSE.

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1919年在法國南部Rodez這座小鎮出生的Pierre Soulages,已經九十年的歲月與來日的生命,都與這個出生地緊緊相依,除了曾在巴黎生活的那幾年,他的生活方式或創作精神幾乎都歸依於此.

Rodez這座小鎮本身與周圍有著豐富的史前時代與羅馬時代的遺跡,充滿遺世獨立的味道,Pierre Soulages曾經熱切追隨當地考古學家腳步投入探堪考證的工作,在這段不算短暫的時期,讓他對史前壁畫與羅馬建築有著極深入的研究認識,並把1800年壁畫與建築中元素與精神活用在他自小著迷,運用不斷並陪伴他至今的黑色,做為他創作的基礎,在隨機自然的手法中,以蝕刻版畫與石刻版畫的技法,不斷的實驗,最終發現他那獨創帶著光線性質與極度簡煉的黑色創作系列.

當時才27歳的他,因緣際會的認識當代達達派藝術家代表性人物Francis Picabia,並在他的輾轉媒介下,Pierre Soulages的創作手法深受德國當代著名藝術家如Gerhard Richter的欣賞,從柏林出發,經由紐約,再回到巴黎的展出生涯,從聯展到個展,從沒沒無聞到聲名大噪,與當時時興以巴黎出發,經由紐約,再到世界各地的路徑大相逕庭,即使如此,熱愛原生土地歷史文化的他,還是把絕大部分的創作生活投注在他出生的鄉土上.

位於Rodez西北不遠處的小鎮Conques中那啟蒙他羅馬建築元素最重要的l’abbatiale Sainte-Foy,他以最崇敬的態度,在上千次直接在玻璃上的揮灑嘗試,成功的爲該座修道院繪製出裡外兩面均散發出特殊灰藍光芒別具韻味的彩繪玻璃,而曾經在古典派與浪漫派繪畫技法上給他最多靈感的le musée Fabre,2007年局部在他的協助完成整修下,更獲得他20幅含闊1950-1980年代作品的捐贈,使位在Rodez東南邊Montpellier的這座美術館從地方性藝術中心,得到更多的國際能見度.

位於巴黎的法國國家圖書館有其版畫作品的豐富館藏,以館方規劃的主題而定,他的作品時被以個展或聯展的方式展出,因此可以欣賞其作品的機會並不少,Pierre Soulages是法國當代藝術家中國際級的大師之一,在他極簡順暢饒富詩意直線/塊與橫線/塊的方形構圖中,在純粹的黑白之間或突來一筆鮮明的紅與藍,或大或小,虛實之間,在展場常見人們常被吸引得一再靠近,裡頭透出的光線韻味與空間語繪,穿透人們眼睛的同時,讓人忍不住跟著思索其想表達的意涵,若跟中國書法兩相對照下,其中的精神奧秘頗有相通之處,讓人不禁感受到中西文化如此的不同,精神性卻如此接近,深覺相當有趣.

今年十月,Centre Pompidou將會爲他規劃推出重大的回顧展,展場將會展出其平面作品,包括版畫與非版畫作品,也會以其平面作品立體裝置呈現出Pierre Soulages想要表現的建築性空間語繪,同時在這個回顧展期間,Le Musee du Louvre將將其超大尺寸作品以整座完整牆面在Le Salon Carre演繹展示,是繼Pablo Picasso至今的第二人.

PS圖片來自Images Pierre Soulages by Google.

沒有接受過正規繪畫技巧訓練的Francis Bacon(1909-1992),在Diego Vélasquez與Pablo Picasso的作品啟發下,以表現主義與超現實主義的風格,加上解構的手法,在平塗的色塊與背景之間,以扭曲的人物身軀,截肢的部分軀體以及充滿焦慮神態的人物表情,呈現出作品驚悚一面的同時,暖性的色調卻同時中和其中的唐突感,構圖與色彩在衝突性之間亦互相平衡的展現藝術家甚為獨特的創作風格.

1944-1945年是Francis Bacon(1909-1992)創作生涯的重要分水嶺,在這個年代前的創作作品並沒有得到大眾的共鳴,一部分來自於個人作品風格尚未清晰確立,一方面來自於他對自身作品不甚滿意,並且將之一一損毀.因此,今天我們所見到的他的作品絕大多數是他在那年代之後的創作結晶,從他在西班牙馬德里著名的Le Musee de Prado的Diego Vélasquez作品所獲得的啟發開始,與之後陸續在巴黎,柏林與倫敦之間往返的生活經驗的心血整合.

他個人從未正面承認其作品來自畢卡索作品元素所賦予轉化結果,也不認為Diego Vélasquez對他的作品有什麼直接的影響作用,反倒是對自己同性戀傾向的生活對其藝術創作的幫助相當認同.然而2005年巴黎的Le Musee Picasso所策劃的Bacon-Picasso這個名實相符的對照展,把Francis Bacon(1909-1992)從畢卡索上百張的鉛筆速寫所得到的靈感,到畢卡索的立體派時期的創作作品一一對照下,讓人不得不看見他自畢卡索作品身上得到的真是相當的豐碩.

2008-2009年可以說Francis Bacon(1909-1992)曝光率最高的兩年,不論是去年法國巴黎在馬德蓮教堂旁的La Pinacotheque,稍早前在英國倫敦的Tate Britain, 與Metropolitan Museum of Art,今年二月份接續前者的西班牙馬德里的Le Musee de Prado,幾乎連續不斷的出現他的蹤跡,包含主題展跟回顧展,讓這個橫跨現代藝術與當代藝術潮流的二十世紀代表性藝術家之一的他,在其身後近二十年的今天,在英國與歐陸之間仍然不斷的閃耀其藝術光芒.

PS圖片來自Le Musee de Prado.

1960年代末期的德國,浪漫派概念的攝影蓬勃發展,Hilla與Bernd Becher這對在Académie des Beaux-Arts de Düsseldorf(杜賽道夫皇家藝術學院)授課的夫妻教授,堅持走向寫實主義,企圖將戰後德國工業發展下的建築面貌與人們生活忠實的保存下來.當時,這樣的小眾概念在杜賽道夫皇家藝術學院的教授與學生的共同努力下,終於在進入二十一世紀的前後,不但開花結果,並且得到歷史意義上的認同.

2004年底,Le Centre Pompidou(龐畢度中心)為這群師生過去的努力策劃了深具肯定意義的回顧展,徳法媒體的相關報導,讓來自德國杜賽道夫的攝影概念得到大眾的迴響.今年,Le musée d’Art moderne de la Ville de Paris(巴黎市立現代藝術美術館)再度做一樣主題的策劃,所有展出的攝影作品,全部來自這所著名學院的師生,除了Hilla與 Bernd Becher這兩位教授作品與2004年底參與龐畢度展出的畢業學生作品,同樣畢業自這所學院,已經知名卻鮮少或從未在法國展出的德國攝影師也共襄盛舉,例如Laurenz Berges與Petra Wunderlich.

不論是過去2004年在龐畢度中心或今年在巴黎市立現代藝術美術館的展出,最受到矚目就屬近幾年在攝影方面創下罕見天價的Andreas Gursky的作品,儘管這回的展覽當中,他只展出一幅,其擅長以Photo Numerique的手法,在多次攝取同一個影像後,再以電腦與編輯軟體重新整合編輯修飾,在其偏好超大尺寸的攝影作品當中,我們可以巨細靡遺的觀看影像上的每個細微的細節,從各種建築牆面上的肌理,大小物品表面上的圖騰,大自然景觀中的風吹草動,街頭廣場中或股市活動中的人們的姿態手勢,甚至身上的配件與衣著背後的號碼等等,讓觀賞者猶如在實地般的投入畫面活動.

PS圖片來自Images Adreas Gursky by Google.

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巴黎當代藝術市集FIAC 2008,終於落幕了,比以往的規模更大了一些,參展的藝廊更國際化,作品水準也更為提升,法國政府部門更組織了二十人收藏委員會(九位相關部門人員,其他十一位當中大多為收藏家,其中兩位為藝術家),今年預計收藏五十幅作品,主要以視覺藝術作品為主要選擇對象.

延續去年的做法,展場分別散布在羅浮宮靠近賽納河邊的方形中庭,大皇宮那有著壯觀拱形天窗的中殿與杜樂麗花園的草地,當代藝術中心Jeu de Paume今年也加入共襄盛舉.由於這個博覽會的規模不斷的擴大,參觀的票價年年高漲,由於參展的藝術家的素質不斷提升,除了年輕新生代的當代藝術家之外,也越來越多有名望的當代藝術家透過他們合作藝廊推動的手而紛紛加入,例如1980年代以連續美容手術實況過程作為其代表作品的Orlan也赫然其中,加上媒體的推波助瀾,高貴的入場票價仍無阻於大批的人們前往參觀的興致.

我最欣喜的是Joan Mitchell的作品也陳列其中,這位不少作品身價頗高的美國當代女藝術家的作品承襲自印象派的概念,並融合抽象表現主義的技法,深受Franz Kline與Willem de Kooning兩位抽象表現主義大師的影響,乍看之下頗似Pierre Bonnard的作品局部與風格,其部分厚實的筆觸奔放在虛實之間帶細膩的感覺,可能是長期定居以莫內的花園著名於世的Giverny的關係,加上其母親頗具寫詩的才能,在家庭教育的影響下,她的作品色彩清淡優雅卻充滿著光影閃爍的味道,整個作品散發出一股淡淡的詩意.

另外,最讓我好奇的莫過於Jake et Dinos Chapman這對英國兄弟藝術家的作品,並非因為法國媒體對他們的一致推崇,而是他們的作品真的很特別,而且相當驚世駭俗,有異於一般人,常有豐富想法隱藏在裡頭,他們不斷的從過去的作品去挖掘創作的題材,以極度諷刺或辛辣幽默的手法,運用繪畫技法結合綜合媒材裝置的呈現,不斷突破作品表現的概念,這回他們的作品,有時讓人莞爾一笑,有時讓人仍有種不寒而慄的感覺,宛如更具外顯險惡表現力的當代格林兄弟.

PS圖片為Jake et Dinos Chapman的作品,來自Stiletto.fr.

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延伸閱讀:藝術?色情?戀獸狂?Kulik Oleg在FIAC2008

              巴黎當代藝術博覽會FIAC        

從小便一路追隨大師們腳步的Pablo Picasso(畢卡索),到成為吸引世人目光無與倫比的現代藝術與當代藝術大師,從他那個時代的當代,直到今天我們所處的這個當代,他仍然是製造話題最佳的引爆器.法國兩大最具全球性聲望的美術館Le Musee du Louvre(羅浮博物館)與Le Musee d’Orsay( 奧塞美術館),在策展能力聲譽卓越Le Grand Palais(大皇宮)的帶領下,共同攜手推出一個最爆炸性話題的展覽Picasso et Les Maitres(畢卡索與大師們),爲這即將接近尾聲的2008年與接著開展的2009年初有個完美的結束與開始.

來自全世界著名美術館的館藏與私人收藏,總共高達210幅作品,除了畢卡索本身的作品,從文藝復興時期的Titien(提香),浪漫派時期的Delacroix(德拉夸),現代藝術之父的Cezanne(塞尚),野獸派的Matisse(馬諦斯),印象派的Manet(馬內),Monet(莫內)與Gauguin(高更),到與他共創立體派的好友 Braque(布拉克)作品等等.整個展覽歷經三年的策劃,研究,商借收集作品到展出,包括現場展示空間的規劃,主題與時間的安排,還有因每幅畫作保存上所需的溫濕度的不同等等,讓技術人員尤其在燈光投射的強度上必須非常謹慎小心,為每個環節可是傷透了腦筋.

這展覽的企圖在於將畢卡索其畢生創作的所有重要作品靈感來源,做清晰完整的對照演譯,把他每一幅作品與其靈感來源的大師們的作品一一成雙的並列展示,在直接的對照與說明之間,讓我們得以一窺畢卡索是如何的以大師們的原作架構,從早期古代繪畫所攝取的養分,從現代藝術與當代藝術以及非洲原始藝術中所受到影響,加上他那個時代的當代藝術同儕的互相激盪下,如何結合其所得到但非獨創的創作語彙,進而誕生出那一幅又一幅充滿話題性的藝術作品.

畢卡索從其早期的藍色時期與粉紅時期開始,在藝術創作上便擁有相當的聲譽,由於他在藝術創作上的多變性,讓他跟各個重要的現代藝術與當代藝術思潮的各個流派都有相當默契上的關係,不論是二十世紀前後的印象派,野獸派或立體派,甚至1960年後因Marcel Duchamp的Ready-Made概念下,隨之當代藝術時期開展的達達派或普普藝術,畢卡索就像海綿般,不斷的攝取,不斷的吸收,並不斷的創作,不但作品的產量多得驚人,而且作品的價值在他創造話題的一流手法下節節攀升,身後其作品價值還頻頻打破世界紀錄.

畢卡索不僅在各種技法概念結合的繪畫創作一直維持不墜的聲望,在版畫創作,雕塑創作與陶藝創作各方面,他也是藝術史上不可或缺的重要靈魂人物之一,在獨創的單色拼版印色的版畫技法,充滿原始藝術況味的現代雕塑與豪放不羈充滿詩意的造型釉色表現,讓他在現代藝術與當代藝術上的貢獻,不僅只止於繪畫上,也在現代版畫,現代雕塑與現代陶藝三個領域,不論是觀點或是技法,在創新方面佔據非常重要的地位.然而,這樣的畢卡索的誕生不是偶然的,他的父親顯然功不可沒.

畢卡索的父親是一位平庸不得志的畫家,在中學任職教導學生繪畫,並傾其全力的栽培他這個年幼便展現驚人繪畫天賦的兒子.於是,畢卡索便開始其一連串豐富的學習經歷,歷代大師作品的圖片仿作,各種取景構圖的安排訓練,還有各種繪圖的技巧,並持續親臨一些重要美術館,像位於馬德里著名美術館Le Musee du Prado與日後在巴黎的Le Musee du Louvre,不斷的臨摹大師們的作品.自青少年時期開始,才十四歲的畢卡索,不論是來自歷代的傳統技法或是各種最好的構圖探索,不但難不倒他,而且還有近乎大師級們的水準.因此,一路這麼走來的畢卡索,就這樣的從大師們的作品中不斷的去挖掘主題去創造自己獨特的作品,已成為現代與當代藝術大師的他,儘管一度被視為手段靈巧的剽竊高手而備受爭議 !

PS圖片來自Le Grand  Palais.

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延伸閱讀:Oh My God!畢卡索-Une légende toujours vivante 永遠的傳奇

1996年便受 Tate's Turner Prize肯定並快速享譽國際的Douglas Gordon,來自英國過去至今充滿搖滾音樂風的Glasgow,每年整個夏天,他跟不少英國人一樣,喜歡到法國南部享受陽光的饗宴,Avignon(亞威農)可說是他最偏好的城鎮,他把個人連續十年的夏季時光都投注在這個充滿自然綠野與古蹟建築的地方.

他之所以跟亞威農之間保持這麼深厚的關係,其實還有另一個原因,便是長年收藏他作品的Collection Lambert這個當代藝術展示中心正是位在亞威農.就在自然人文與展收藏之間的緊密關係,這位擅長Art Video製作享譽國際的英國藝術家,便在這舉世聞名的音樂藝術節的小鎮,舉辦其生平第一個重要的回顧展.

展場分成兩個部分,主要的展場在Collection Lambert,就位於亞威農旅客服務中心斜對面的小巷內,另一個小塊的展區便是在全法國最具代表性的古蹟建築之一的Le Palais Des Papes(教皇宮)內,展示在教皇宮裡的作品,部分還是在教皇宮內完成的,這對維護古蹟不遺餘力花費不少來自納稅人的公帑的法國人來說,可是需要相當的勇氣接受,以及事先的大量溝通與事後的充分整理,當然,一個揚名國際身價頗高的藝術家的回顧展原本就引人期待,加上展場實在特殊,不管是法國,瑞士或比利時,甚至在英國,這個展都是首要的注目焦點.因此,當我在Arles(阿爾勒)停留期間,自然不容自己錯過.

在Collection Lambert的部分,我受到的震撼可謂不小,Douglas Gordon以豐富藝術性如超現實主義般的手法,把他想呈現的主題,善惡與對立,生命與死亡,信仰與人性等等的主題,做了非常直接的處理,在每一個展示空間裡的影像,在脈動起伏之間,他給觀者的感受是那麼的大膽,甚至不留一絲的思考空間,讓觀者直接的面對他所想呈現出的主題震撼,平和與血腥在重疊的影像間交錯,或者是一個飽受窒息痛苦的人那諾大的掙扎臉孔忽大忽小忽遠忽近的,卻以合乎常人的呼吸韻律的呈現在觀者的眼前,死亡者的臉龐與手與其在世時的相對比較.甚至一隻甲蟲在走向其人生末途時的肢體掙扎,細膩得那麼的引人入勝,至今仍讓人難以忘懷.

而在另一頭教皇宮的展示,Douglas Gordon對北非人與蛇(黑白眼鏡蛇)之間那種又愛又敬又怕的複雜細微的氛圍,尤其那弄蛇人眼神,在他的鏡頭下,細微卻動人得讓人驚訝,深富吸引力,當他接受bc這本當代藝術雜誌的專訪時,他曾坦然表示關於北非作品產生背後的故事,只有一個真相,那是他與合作者深感當時當地生活無聊才突生的結晶,而且意外的成為他個人著名的傑作之一.

而在所有的作品當中最讓我喜歡的,便是那兩大大螢幕之間,那隻在白色如冰的地面上旋轉的大象,從這部觀察大象的四肢移動與眼神的微妙變化,如以華爾滋的韻律輕盈的滑動般,我們看見了藝術家掌握鏡頭運鏡的功力真的恰到好處,讓觀者彷彿身歷其中一起參與其拍攝的工作,跟其他作品風格完全相反,非常的親近可人.

PS圖片來自MOMA.org.

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若Keith Haring(1958-1990)還在世的話,今年他將會度過其五十歲的生日.可惜,正值年輕歲月的他就被愛滋帶走了生命,讓他那精簡熟練的線條與大膽帶螢光色彩的作品在他生命的晚期更具深刻的內在思維,包括對即將面臨死亡的恐懼與對社會弱勢族群的反思回饋.

透過Musee d’Art Contemporain de Lyon(里昂當代藝術美術館)這次為他大膽所策劃的回顧展,等同爲他在當代藝術史得到正面接受並正式承認其當代藝術家的定位,讓他備受爭議充滿商業色彩的作品提升到如正統藝術的層級,讓藝術作品與大眾文化之間的鴻溝更為淡化,並與商業行銷的藩籬打破,更讓人們對藝術定義的思考可以更為多向與多元.

在純熟精練的線條與滿滿具象徵性的圖像符號之間,他的作品充滿古埃及壁畫與非洲原始藝術的影響語彙且充滿人道主義的精神,把在充滿暴力毒品與過度崇尚金錢權力氛圍的1970-1980年代的紐約,不但冒險違法以白色的粉筆刻畫在地鐵底色黑色的廣告板上而聲名大噪,在私交甚篤同樣死於愛滋感染的Jean-Michel Basquiat(1960-1988)的作品以及在Niki de Saint Phalle(1930-2002)在比利時所建造La Maison du Dragon(1975)與這位著名當代女性藝術家共同合作的經驗,更讓他後期的作品元素呈現更為豐富,在表現手法上更為純熟精練,把他想傳達的想法更清楚明確的表達出來.

展場完整收集撥放他各個時期被訪談的Video,把他每個時期在歐美幾個建築留下的壁畫作品發生緣由,與他自身想要表達的意念想法傳達清晰無遺.我們只能說在短暫的三十二年的生命裡,Keith Haring已經盡情精采的走過,而在他出生五十年後,Musee d’Art Contemporain de Lyon(里昂當代藝術美術館)剛以這這場展覽中期即已超越98000入場人次,結束時更打破當年Andy Warhol紀錄的這個回顧展作為送給他五十歲生日的致敬禮,他自己也意想不到吧!至於我個人也出乎意外的在美術館延長展覽期限下幸運的躬逢其盛.

PS圖片為展覽海報,來自Images Keith Haring by Google.

有好一陣子Fondation Cartier處在整修狀態,因而關閉了一段時間,整修後對外開放的第一個名為Land 250的當代藝術展覽便是1970年代龐克搖滾的重要靈魂人物之一,集歌手,吉他手與當代知名搖滾詩人等多重身分的Patti Smith的個人攝影展,雖有點意外,卻更引人好奇的想前往一窺究竟.

整個展覽以攝影作品為主軸,並集合她以色鉛筆手繪塗鴉作品與其較年輕時期相伴的美國著名攝影師男友Robert Mapplethorpe幫她測錄製作的多支Video,其中我們可以見到她在每個不同時期的精神風貌,包括她如何與工作夥伴共同合作的情景與她一些非常私人的生活與旅行等多面的想法.現場還有她最景仰且珍藏的法國詩人Arthur Rimbaud的作品集以及她以這位詩人為靈感的圖文創作.除此之外,從她的攝影作品當中不斷出現如教堂內外的天使聖者雕塑圖像或La Cene(耶穌的最後晚餐)的局部,以及在一些收藏品當中如耶穌基督受難流血的木刻雕像,可以想見宗教在她的心目中佔有何等重要的地位與價值.

最讓人印象深刻的是展場的氣氛,幾近黑暗的空間裡,透過多部Video在不同的位置不斷的放送所散發的光線交錯,同時搭配其強烈風格龐克搖滾的音樂或她如囈語般的語音撥放,在每張攝影作品所散發出來自她十分獨特的眼光之間,讓人在行徑當中,漸漸感受到她內在那異常強勁的感受力,讓我們不知不覺掉進她那非常個人的世界裡,隨著她因音樂撥放而出的熱烈激情,或隨著她因痛失靈魂伴侶的孤獨哀傷,把如長河般的生命裡,時而波濤奔放般的感觸,時而冷酷虛無般的情境,一一表現無遺,更呼應展覽最後一個Video中的海浪景象,時而平緩,時而翻騰,伴隨著她的詩詞吟誦聲的強烈氛圍,讓人忍不住跟著一起跌入沉思的情緒.

這是我看過最特別的一個展覽,在她的所有作品裡頭,看到的並不是創作者的概念如何的表現或創作者的技巧是否豐富,看到的是一個真正的藝術家如何竭盡的運用她的心力真切感受這個世界帶給她的每一個時刻的想法與記憶,更可以看到她完全駕馭且善用自己敏銳的天賦透過Polaroid 250(即展覽名稱Land 250的由來)去捕捉那讓她感動的每一個場景畫面,或以各色畫筆在結合Typographie的概念裡,專注勾勒繪出每一條飽含詩意的線條與每一面調性豐富的色塊,加上其文字旁白,讓人在她的筆觸與色調之間不斷的看到意外的驚喜.

PS圖片來自Feed Your Head,Site Officiel de Patti Smith.

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去年,Louise Bourgeois在她高齡95歳之際,在倫敦Tate Moderne的精密策劃下的回顧展,在整個歐洲獲得極大的迴響,今年三月份開始,巴黎Centre Pompidou再接再厲的將這個非常成功的回顧展再度呈現在世人眼前,之後將還會回到她的創作地美國紐約展出.

Louise Bourgeois在當代超現實派的藝術家裡可謂是最長壽與最年長的一位,她於1911年出生於巴黎近郊的一個專長修復古老地毯的工藝之家,在一個充滿各色針線與陳腐待修的地毯與老舊家具的氣味且封閉得可以的環境中長大,家庭在父母表面的和諧下時時亦暗潮洶湧,因為照顧她的保母正是其父親的情婦,在許多被授意或似不經意的時刻裡,她看見了她的父親與保母如何的暗通款曲,以及其母親是如何的隱忍不做聲的只為了保護她與其他孩子的正常成長.

這摻雜灰色調的童年,正是Louise Bourgeois創作的根本來源,在她的作品當中,童年中記憶所及的家中一切,包括有形的與無形的,如陳舊的地毯或如代表性器的創作語彙符號,也許隱喻隱藏於某個角落,也許大膽反覆的表達呈現,尤其其1960年代時期的作品表現的最為激烈,雖然如此,La Cellule Spider, 1997,讓人在意味母親的大蜘蛛底下象徵禁痼的牢籠般的房間裡,那把披著破舊地毯的椅子正是暗諭其父親的地位,透過整個裝置語彙隱隱的表達出她對其父親的愛與恨仍是那麼的鮮明.

隨著年紀的增長,Louise Bourgeois的作品變得越來越成熟,尤其是1990年代後期到2007年的作品,儘管主題依然環繞在童年那些充滿傷痕的痛苦記憶,但她的創作手法卻變得較為溫和,也讓人覺得也較為平易近人,在創作媒材選擇上的轉變也可見出端倪,從早期的木材,藍紅色的臘,白紅色的大理石,鐵的鍛鍊到布的運用, 讓人見識到她的心境是如何的運轉其中.尤其她為她兒子Alain所創作從懷孕,孩子的出生,分娩到孩子的長大成人的The Reticent Child, 2003,在背後有弧度的放大鏡的反射下,同時充滿幽默的童趣,真是讓人激賞.另外,描繪其對兄弟姊妹手足之情十足懷念的Seven in Bed, 2001著實讓人為之深思動容.

PS圖片來自Centre Pompidou.

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