February 27,2008
後印象派風格的攝影師Saul Leiter
此時,在巴黎Fondation Henri Cartier-Bresson為他所策劃的回顧展中,我們可以發現他內在那纖細又帶點調皮的個性,一頂帽子,一隻鞋子,一個身影,光影中人們的姿態,在他的眼中都是珍貴的影像來源,從黑白到彩色,把1947到1960年代的紐約或巴黎,作了富有詩意的紀錄.
這個來自匹茲堡猶太教的家庭,遠赴紐約攻讀繪畫創作的未來藝術家,卻大轉彎的走進攝影這個圈圈,一向崇尚Pierre Bonnard與Edouard Vuillard畫風的他,把後印象派純色充滿光性的技法,巧妙的帶進並轉化其彩色攝影影像的風格,其攝影作品不只充滿著靜懿的氛圍,且帶著些許輕快的節奏,以如繪畫場景鋪陳的手法,緊緊的捕捉那瞬間即逝般的一刻.
就這樣,Saul Leiter就像隱形人般的遊走在他的居所四周,強烈的好奇心與慾望,讓他樂在其中的每天一點一滴的累積當時紐約街頭的生活影像,持續不斷的以這樣的主題,以及他獨特的手法營造出來的後印象派畫風般的影像風格,從默默無聞到成為二十世紀中下期重要的當代攝影師之一.
PS圖片來自Images Saul Leiter by Google.
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February 25,2008
平面在隨機與不隨機之間
達達派藝術家的代表人物之一Jean Arp就是一個很好的例子,在成為瑞士蘇黎世的達達派成員之前,出生在德法邊境的史特拉斯堡,德法混血兒的他,由於地緣關係,早已在德國與法國的藝術圈裡相當活躍,並與抽象主義的Wassily Kandinsky與表現主義的Paul Klee都有相當的往來,日後他的另一半Sophie Taeuber以及與法國超現實主義的領導人物 André Breton的深厚情誼,一一都對他在藝術創作上都產生了決定性的影響.
在他所獨創並讓其聲名大噪的Les lois du hasard(隨機法則),以非直角方式裁剪大小不同的方形紙片,灑放在紙卡上,再以反覆排列的方式直到找到滿意的構圖,去建構其一系列著名的隨機拼貼作品.但相反的,在與Sophie Taeuber合作共同完成的另一系列的運用幾何與字母的拼貼作品中,如Tableau i卻以極度嚴謹慎密的思考,把所有運用的幾何符號元素做最簡化進行組合,在最大的刻意安排下,去呈現作品的精要元素與所要傳達的意念訊息.
他這樣的兩極表現極可能是來自於其偏好與其他不同的藝術家維持合作創作的關係所形成的結果,因此,在他的作品裡頭,有著藝術史上最有趣的矛盾性明顯存在,在隨機與不隨機之間,他悠遊自在的去架構其達達藝術創作,卻同時涵括前後或同時期其他不同藝術潮流的理念,如表現主義與超現實主義,這不只在達達派的藝術家當中,在那個時期通常藝術家有其各自堅持的藝術理念派別的常態下,Jean Arp可以說是一個異數.
PS圖片來自Images Jean Arp by Google.
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February 22,2008
達達在平面中的角色
不論是誕生地的瑞士,具影響力的德國與美國,甚至最後的巴黎,所有達達藝術的創作思想都是為了反戰,反階級與反特權而產生的,我們可以說,達達派藝術家的初衷是以社會的運動家自居,從日常生活的人事物當中進行思考上的反動,創作手法來自於生活裡頭的所有可能的元素,企圖讓創作方式自由而藉由平面這個媒介,包括作品本身所散發或媒體所傳播而得以釋放,以兩者相輔相成的平面手段達到影響社會發展的力量.
因此,達達派的作品不乏來自現成的成品直接定義或整合再造,如Marcel Duchamp最著名以馬桶直接安置的Ready-Made作品Fontaine.除此之外,更不乏來自報紙雜誌的文字圖像拼貼,如Raoul Hausmann的ABCD.甚至結合插畫手法,局部拼貼報紙文字圖像的方式,如George Grosz的"Daum" marries her pedantic automaton "George" in May 1920, John Heartfield is very glad of it(Meta-Mech. Constr.after Prof. R. Hausmann)等等,去表現藝術家對社會時事時態的反省思考,並進一步對其進行批判嘲諷,企圖喚醒大眾的意志,共同對抗特權階級主導下的社會不公不義的現象.
也正因為達達主義作品跟社會當時的現況緊密相依,1920年代前後的歐美報紙發行興盛日後日漸達到顛峰,不僅使達達派藝術家作品產量豐沛,而且隨之影響力無遠弗屆,隨著戰爭結束,戰後因戰時國力耗損殆盡造成社會大眾物資匱乏的後遺症,讓貧富之間拉距更大,階級與階級之間生活內容品質的反差更顯著,讓達達藝術不但沒有因戰爭的結束而失色,直到1960年代,新寫實主義派藝術家仍以達達主義的繼承者自居,達達主義的影響力反而長達數十年,直到今天,在林林總總的各類創作當中,以各種形式與面貌充分扮演其原本的角色,足跡依然豐富的存在.
PS圖片來自Images George Grosz by Google.
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February 19,2008
來自蔚藍海岸的藍IKB
Yves Klein是來自法國蔚藍海岸尼斯一個父母均是藝術家的家庭,但有趣的是,青少年時期的他從未想過要成為一名藝術家,一心只想成為柔道高手,還遠度重洋的到日本學習柔道四年,並拿到當時法國無人超越的黑帶紀錄,並且還野心勃勃的在尼斯成立道館,可惜,他的道館最終在財力不足以支撐下宣告關閉,並在一個藝術家的聚會中巧遇他短短34年(1928-1962)生命當中最重要的朋友兼藝術創作夥伴Arman.
他滿心預期以單色創作的新藝術時代即將來臨,雖然起初在Ecole Nationale des Beaux-Arts de Paris(國立巴黎高等藝術學校)慘遭滑鐵盧的不被傳統派的教授群所接受,超乎意外的,承襲藝術因子的遺傳,滿腦子靈活點子,與不屈不撓的堅持下,不但成為1950-1960年代法國最著名的新寫實派的創辦者與藝術家,而且極少數在國際上讓當時的法國揚眉吐氣的藝術家.
我第一次見到Yves Klein的藍是在1999年尼斯的Musee d'Art Moderne et d'Art Contemporain(當代藝術與現代藝術美術館),正是在那裡見到他所有作品的精華,包括他那最著名的在金色背景烘托下的男性人體雕塑,以海綿製作的立體浮雕繪畫以及裸體模特兒的印壓作品,當時,那個 藍給我的感受衝擊蠻大的,宛如來自大海深處,卻光彩明亮的引人注目,且隱約有與細柔陰影的交錯感,風格穩重又帶輕盈感,散發出的力量卻又很飽和,說不出的矛盾與複雜的感受參雜其中,有種既神秘又夢幻的感覺.
第二次是在巴黎Centre Pompidou(龐畢度中心)的一場當代藝術的收藏展中,再度見識到那藍色驚人的魅力,直到第三次在巴黎Grand Palais(大皇宮)的新寫實主義展才能以比較平穩的感覺去細細的品味他那與眾不同異常獨特的藍色狂想曲般的各個作品.去年,巴黎Centre Pompidou(龐畢度中心)又為他舉行了一次盛大的回顧展,讓這來自蔚藍海岸的藍IKB,讓人永難忘懷.
PS圖片來自Images Yves Klein by Google.
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February 18,2008
Cellar Door
近來,在巴黎不少的美術館或私人藝廊,當代藝術類型的展覽數量比起以往可以說大為增加,巴黎Palais de Tokyo(東京宮)安排的Cellar Door這個前衛的裝置藝術展在二月14日才剛剛開幕,短短的一週內佳評如潮,難得見到看展排隊的人綿綿不絕,讓我這個常在東京宮出沒的人倒有些意外的感覺.
Cellar Door指的便是進入展場的那道會自動開關的門,這道門象徵的意義相當重大,它不只代表是一個展覽的入口,代表的更是一個奇異旅程的開始與結束,透過這道 門,我們從此時此刻的世界,進出另一個以聲光科技架構的另一個異次元的世界,在這個世界裡頭,人類如無生命般的細胞體虛無的存在著,在日漸消弱的思維邏輯當中,在越來越冷酷退化的生態環境中,從腦神經脈絡,心跳,呼吸,周圍空間與生活方式,都在如電腦終端機控制室裡如樂音般的被操控著.
雖然,展場空間在創作者Loris Greaud有意志的驅使下調性顯得冷酷,驚喜卻無所不在,讓觀展的人們不時顯露出興味盎然的笑容與深怕錯過的審視目光,讓現場氣氛反而溫熱的充滿衝突之美,尤其在每個裝置空間的細節在Loris Greaud的精心講究下,聲光的表現力恰到好處,在變化多端的每一道光之間所呈現出的場景景緻,猶如劇場美學般的表現非常細膩,其所受過純藝術與平面設計紮實的訓練底子跟長年的實做經驗所練就出來的功力果真是一覽無遺.
PS圖片來自Agence de Loris Greaud.
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Cellar Door指的便是進入展場的那道會自動開關的門,這道門象徵的意義相當重大,它不只代表是一個展覽的入口,代表的更是一個奇異旅程的開始與結束,透過這道 門,我們從此時此刻的世界,進出另一個以聲光科技架構的另一個異次元的世界,在這個世界裡頭,人類如無生命般的細胞體虛無的存在著,在日漸消弱的思維邏輯當中,在越來越冷酷退化的生態環境中,從腦神經脈絡,心跳,呼吸,周圍空間與生活方式,都在如電腦終端機控制室裡如樂音般的被操控著.
雖然,展場空間在創作者Loris Greaud有意志的驅使下調性顯得冷酷,驚喜卻無所不在,讓觀展的人們不時顯露出興味盎然的笑容與深怕錯過的審視目光,讓現場氣氛反而溫熱的充滿衝突之美,尤其在每個裝置空間的細節在Loris Greaud的精心講究下,聲光的表現力恰到好處,在變化多端的每一道光之間所呈現出的場景景緻,猶如劇場美學般的表現非常細膩,其所受過純藝術與平面設計紮實的訓練底子跟長年的實做經驗所練就出來的功力果真是一覽無遺.
PS圖片來自Agence de Loris Greaud.
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February 14,2008
漫步在雲端的Hotel Everland
瑞士雙人設計師L/B(Sabina Lang/Daniel Baumann)一向偏好從1960-1970年代去挖掘尋求他們創作的靈感,進而結合裝置,壁畫,雕塑,建築,移動等多元概念與技術,去建構完成他們的每一個作品.而Hotel Everland正是他們這類的精采作品之一.
在Gianni Jetzer的規劃下,Hotel Everland是L/B為瑞士2002年國家展覽會所完成的獨一無二的藝術作品.目前正安置在巴黎的Palais de Tokyo(東京宮)的屋頂上,預計停留一年(2007.11-2008.12).在來到東京宮之前,這個充滿Futurisme(未來主義)色彩的Hotel已經陸續在瑞士的Yverdon-les-Bains 與Burgdorf,以及德國的Leipzig三個地方展示過,完全符合Everland這個概念.
既然命名為Hotel Everland,隱含可以居住的意義成分,沒錯,這個藝術作品並非只是一個單純的展示作品,它也提供人們居住的功能,因此,跟一般的Hotel一樣,人們可以預約在裡頭停留的天數,超大的窗台設計,讓人們在東京宮的屋頂上,不但有星星雲朵的陪伴,更有隨手可得般的愛菲爾鐵塔在一旁,讓人們度過無與倫比獨特難忘的夜晚.
不過,有一點必須提醒大家,人們在Hotel Everland裡頭的一舉一動,其實是在隱藏式攝影機下進行的,當人們要進駐旅館時,負責接待的人員,除了會告知入住退房的起訖時間,也會提醒有隱藏式攝影機存在的這件事.因此,人們在裡頭,將不只是享用其獨一無二的各種設施,如風格獨具的浴巾或精選準備的音樂撥放,而且每個人也將成為L/B這獨一無二的藝術作品中的每個獨一無二如實境秀般的主角.
PS圖片來自Everland Home.
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在Gianni Jetzer的規劃下,Hotel Everland是L/B為瑞士2002年國家展覽會所完成的獨一無二的藝術作品.目前正安置在巴黎的Palais de Tokyo(東京宮)的屋頂上,預計停留一年(2007.11-2008.12).在來到東京宮之前,這個充滿Futurisme(未來主義)色彩的Hotel已經陸續在瑞士的Yverdon-les-Bains 與Burgdorf,以及德國的Leipzig三個地方展示過,完全符合Everland這個概念.
既然命名為Hotel Everland,隱含可以居住的意義成分,沒錯,這個藝術作品並非只是一個單純的展示作品,它也提供人們居住的功能,因此,跟一般的Hotel一樣,人們可以預約在裡頭停留的天數,超大的窗台設計,讓人們在東京宮的屋頂上,不但有星星雲朵的陪伴,更有隨手可得般的愛菲爾鐵塔在一旁,讓人們度過無與倫比獨特難忘的夜晚.
不過,有一點必須提醒大家,人們在Hotel Everland裡頭的一舉一動,其實是在隱藏式攝影機下進行的,當人們要進駐旅館時,負責接待的人員,除了會告知入住退房的起訖時間,也會提醒有隱藏式攝影機存在的這件事.因此,人們在裡頭,將不只是享用其獨一無二的各種設施,如風格獨具的浴巾或精選準備的音樂撥放,而且每個人也將成為L/B這獨一無二的藝術作品中的每個獨一無二如實境秀般的主角.
PS圖片來自Everland Home.
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February 13,2008
平面空間中跳躍的力量
二十世紀初期,隨著報紙興盛的大量發行,漸漸的有一些藝術家借由取自報紙上面的文章與圖片作為創作的媒材,以Typographie的概念為基礎,運用各種形式的拼貼手法,將自己想要演譯的言外之意表達出來,企圖突破語言概念所能闡釋的界限.
不僅如此,在幾十年後,更有藝術家竭盡心思的突破以往作品在藝廊或美術館展示的傳統方式,而借由報紙發行的形式或根本以報紙本身這個平台,讓自己的作品透過報紙傳播的力量,以獲取主流媒體與一般大眾關注的目光,正如1960年代法國新寫實主義派的Yves Klein的Le Saut dans le vide(空間中的跳躍)便是經典之作.
乍看之下,那一跳所呈現的方式,平凡的如同報紙上任何一篇報導版面設計一般,似乎沒有什麼特別之處,然而仔細一看,卻可能被那一個經過Photomontage(合成攝影技術)成功轉變為真的像正在進行的憑空跳躍動作嚇一跳,Yves Klein的這個巧思之作在當時不只引起很大的迴響,間接的也創新了藝術作品的展示方式.
最大的意外收穫是,那樣的一跳,從此竟而改寫了人們對藝術的傳統定義,藝術作品的表現形式手法變得更多元,可以更為甚至完全的個人化,Yves Klein不僅把表現主義的原創精神發揮得淋漓盡致,新表現主義因而誕生.
PS圖片來Yves Klein expose le vide dans une salle d'exposition vide.
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不僅如此,在幾十年後,更有藝術家竭盡心思的突破以往作品在藝廊或美術館展示的傳統方式,而借由報紙發行的形式或根本以報紙本身這個平台,讓自己的作品透過報紙傳播的力量,以獲取主流媒體與一般大眾關注的目光,正如1960年代法國新寫實主義派的Yves Klein的Le Saut dans le vide(空間中的跳躍)便是經典之作.
乍看之下,那一跳所呈現的方式,平凡的如同報紙上任何一篇報導版面設計一般,似乎沒有什麼特別之處,然而仔細一看,卻可能被那一個經過Photomontage(合成攝影技術)成功轉變為真的像正在進行的憑空跳躍動作嚇一跳,Yves Klein的這個巧思之作在當時不只引起很大的迴響,間接的也創新了藝術作品的展示方式.
最大的意外收穫是,那樣的一跳,從此竟而改寫了人們對藝術的傳統定義,藝術作品的表現形式手法變得更多元,可以更為甚至完全的個人化,Yves Klein不僅把表現主義的原創精神發揮得淋漓盡致,新表現主義因而誕生.
PS圖片來Yves Klein expose le vide dans une salle d'exposition vide.
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February 7,2008
法國攝影大師Edouard Boubat的回顧展
二次世界大戰後,法國最具代表性與時代性的攝影師經典人物之一的Edouard Boubat在1999年逝世於巴黎近郊,將近十年後的今天,位於巴黎瑪黑區的Maison Europenne de la Photographie Ville de Paris為他舉辦一場含括其1949-1999年的攝影回顧展.從Edouard Boubat每一幅作品當中,攝影師本身的個性與內在涵養的展現一覽無遺,在富含細微變化且清澈的黑白色調之間,其取景構圖處處充滿著如詩如畫的意境之美,尤其是那些於1950年代為了Realites這本以人文主義報導著稱的雜誌,在葡萄牙,西班牙,義大利,法國與北非撒何拉沙漠所拍攝的一系列的照片,更是讓在場的每一位觀賞者不時發出讚嘆之聲與目光.
在光線的掌握上,他的處理方式細膩得讓人驚訝,細微到連每個花苞各個角度每個可能的塊面在光度上的表現,他都一一設想而且做到了,連每個人物在每個空間位置當中的光度差異,包含其衣著布料上細微的光的表現,甚至每根髮絲之間的光的閃爍性,他也都不輕易放過.
更讓人感動的是,所有的人事物透過他的相機,結果總是那麼的清新美好,其中呈現出的精神性豐沛十足,讓人們得以見證當時的人們的生活傳統與方式有著多麼豐富的內在文化,即使在艱困之間,他們對生命是多麼的充滿尊敬之情.
PS圖片來自Maison Europenne de la Photographie Ville de Paris.
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在光線的掌握上,他的處理方式細膩得讓人驚訝,細微到連每個花苞各個角度每個可能的塊面在光度上的表現,他都一一設想而且做到了,連每個人物在每個空間位置當中的光度差異,包含其衣著布料上細微的光的表現,甚至每根髮絲之間的光的閃爍性,他也都不輕易放過.
更讓人感動的是,所有的人事物透過他的相機,結果總是那麼的清新美好,其中呈現出的精神性豐沛十足,讓人們得以見證當時的人們的生活傳統與方式有著多麼豐富的內在文化,即使在艱困之間,他們對生命是多麼的充滿尊敬之情.
PS圖片來自Maison Europenne de la Photographie Ville de Paris.
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February 6,2008
戲劇中的平面效應
2004年版本的魔笛,在以極簡解構風格著稱美國籍的平面設計師及插畫家Robert Wilson的操刀下,舞台設計簡煉到只有寫意風格的彩色線條在幾何塊面上點綴的背景,人物造形插畫性的趣味十足,在Kenzo以富含禪意風味色調清澈的服裝設計烘托下,加上精準的燈光搭配,演出者的演唱功力也有相當的水準,這齣新魔笛的表現讓人驚艷不已,可以說是非常成功的.
但在2005年,Gerard Mortier忍不住再度挑戰觀眾的視覺神經,於是誕生了另一個版本的魔笛,在這齣更新的魔笛當中,我們見到了過度講究平面設計運用的舞台設計,整座舞台的背景在Art Video形式的大型螢幕下,舞台上過度堆積的立體方塊,讓舞台空間的動線表現顯得紊亂不清,戲劇本身的演譯鋪陳方式因此變得粗糙,更讓演唱者在必須在配合結合一些舞蹈形式的表演模式與配合立體方塊移動的動線變化下,其聲音的表現可以說只有差強人意,更讓現場觀眾的神經在五花八門絢爛的舞台下無法專心觀賞表演內容而緊繃,最重要的是莫札特歌劇的原貌精神完全不見了,表演結束時,付出高昂票價的觀眾們當場臉色更是難看到極點.
Le Figaro在首演完的隔天更以聳動的標題,意圖奉勸Gerard Mortier千萬不要把聲譽一向卓越的巴黎歌劇院最後變得空無一人,而平面設計在古典歌劇的世界裡就這麼摔了一大跤.儘然如此,Gerard Mortier還是不畏輿論的堅持個人理想繼續往前邁進,並藉由德法公共電視台ARTE不厭其煩的跟大家闡釋他企圖想讓古典歌劇現代化的理念,而且直到今天我們有時還是可以見得到那齣雖不被贊同但舞台設計絢爛原創性十足的魔笛身影,就在ARTE.
PS圖片來自Forum Opera.
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February 4,2008
平面與塗鴉
塗鴉藝術的發展 是有其曲折的歷史,從1960年代開始出現,到1970年代中期,歷經十多年的默默耕耘期後,才開始大量的出現在都市及其郊區的牆面,尤其是在鐵路行經的路線或是市中心的地鐵站內.即使如此,塗鴉藝術的地位並沒有合法性,因此每個塗鴉作品的產生都是處在地下化階段的,在夜深人靜時以最快速的方式完成的.這個時期的塗鴉圖像比較處於簡單的透視設計,以及讓人可以認識塗鴉者的字母符號.
漸漸的,1980年代後的塗鴉開始走向個人風格化,1990年代後更為強烈明顯,自此稱之為Post-Graffiti,塗鴉創作者為了加深個人風格,塗鴉繪畫不再只是來自直覺式的字母排列,不但開始有特殊小圖案加以裝飾,也為了讓作品更具完整性,塗鴉者不再只是快速的完成圖像,而開始花時間構思構圖,讓自己的塗鴉更與眾不同,利用更多的色彩與造型,如星星箭頭,以豐富塗鴉的圖畫性,藉以強調鮮明突出的自我表現,同時讓作品走向更明顯的藝術性.New YorK(紐約)地鐵站自1960年至今的牆面塗鴉圖像變化,可以說是塗鴉藝術演進史的縮影與最佳範例.
今天的塗鴉繪畫不再是地下進行的活動了.以Le Fabuleux Destin d'Amelie Poulain(艾蜜莉異想世界)這部電影著名全球的聖馬當運河通往北巴黎方向的兩側牆面,是巴黎塗鴉創作者的天堂之一.每當我騎腳踏車經過那裡,三不五時就會看到他們在那裡盡情的作畫姿態,是專注的,也是放鬆的,精神鮮明的是處在享受創作樂趣的狀態.現代不少的塗鴉創作者,在多年的牆面探索下,漸漸的摸索出符號的精確性,也漸漸的從戶外走入室內,跟一些視覺傳達設計的領域關係連結加深,開始在平面設計的世界裡佔有一席之地,如在電影海報,如在企業的商標 設計,如在一張新的CD專輯封面,他們都做出了傲人的成績.
PS圖片來自Akroe在Costume 3 Pieces.
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