My Coffee Time

意外的,今年與已故美國攝影大師Richard Avedon(1946-2004)相遇兩次,一次是在Jeu de Paume,另一次則在Les Rencontres d’Arles 2008.

在巴黎見到Richard Avedon(1946-2004)的攝影作品前一天,我才剛欣賞過Annie Leibovitz的作品,這兩位一樣享譽國際的美國攝影大師有不少的共通點:從自學攝影起家,各自擁有欣賞他們的伯樂把他們帶進時尚攝影圈,也一樣最擅長於人物攝影,而且幾乎同時在巴黎推出他們的回顧展.因此,大家不難體會,連續兩天看的作品主題有某種程度上的共同交集,即人物攝影與時尚廣告攝影這兩大部份.

若說Annie Leibovitz以保持距離的姿態細膩的呈現出人物平易近人的一面,那Richard Avedon(1946-2004)便是以極度親近的眼光,毫不保留的企圖將人物內在的情感挖掘出來;前者在講究的燈光與構圖下,把作品呈現的非常性感,充滿感性且多彩的氛圍,而後者卻偏好全白的背景與不精確的燈光下,喜歡在人物的肢體活動之間去捕捉那不完美卻充滿知性純黑白的瞬間.

由於Richard Avedon(1946-2004)曾有一段時間相當投入一些紀錄片風格手法的攝影,因此即使他轉入時尚廣告攝影或拍攝人物時,仍把紀錄片攝影手法帶入其中,相當令人欣賞,像他幫Dior拍攝的Dovima with Elephants,更是讓他一舉奠定國際地位的精采作品,而像那充滿瞬間活動力的Les Cheveux,肢體語言看似極限卻富含優美氣質的Veruschka,正在思索而感嘆般的Marian Anderson,嚴肅若有所思帶著感傷神情的的Truman Capote等等,都堪稱人物攝影精采的傑作.

儘管如此,我個人最欣賞並不是那些名人人物或奢華品牌的時尚廣告攝影,而是他較年輕時所拍攝的那些紀錄片式的攝影作品,在越戰戰亂中或社會低下階層中所拍攝的小人物照片(見1或2),他們那在困苦生活中刻畫出充滿歲月痕跡的臉龐,那因生活充滿不確定感而綻放出充滿哀傷的神情,還有他們那面對鏡頭時的生澀姿態透露出他們心中的那份深刻的無助感,再再才是讓我打自內心欣賞Richard Avedon(1946-2004)的最重要作品.

PS圖片取自Images Richard Avedon by Google.

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延伸閱讀:Annie Leibovitz's一個攝影師的生活

                   遇見阿爾勒

剛過去的這個週日,整個歐洲都下雪了,當然法國不少地方也是,尤其是高山區,像是阿爾卑斯山麓與庇里牛斯山區,雪下得很大,法國南部近阿爾卑斯山區,一夜之間也是白雪靄靄,離山區較遠地勢較低的都市地區則是下零星的小雪.

下雪的時候,我正在里昂近郊東北三十公里處,那裡有座著名的中世紀小古城,它的名字就叫做Pérouges,我非常喜歡這個地方,在法國政府的有效監督並給予相當的經費支援下,古城居民盡心盡力讓古績建築本身的保存相當完好,而且周圍充滿鄉村田野景緻,古城正下方坡地的草原上,不論春夏秋冬,總是有成群的綿羊安靜的在那裡休息,還有就是在這座古城裡頭有家自1912年便存在充滿古色古香風味,堪稱家戶諭曉的咖啡店L’Ostellerie du Vieux Perouges.

這家咖啡店就在第二代,第三代與第四代家族的共同經營下,室內仍然保存它原來的風味,天花板上外露的深褐色木樑,經年累月磨損但維持良好的木頭地板,中世紀特色的拱門作為空間的分隔,二十世紀前後法國美好時代風格的家具與餐具,還有一些過去時代人們品嘗酒類或廚具用品的收藏等等,尤其那最著名的甜點Galette de Pérouges,更是多年來只要路過附近,忍不住吸引我前往多次拜訪的最大誘因.

由於這週末的天氣更為寒冷,讓我興起再度前往品嘗它的甜點的慾望,就在傳統古老大壁爐中的木頭被火燃燒發出的剝剝聲與散發出那溫暖沉靜的木香當中,在穿著傳統服裝的服務人員專業悉心的服務之間,過去的這個週末雖然因初雪的來臨倍感寒冷,我倒是在這座中世紀小古城度過了非常溫暖的一段午后時光.

PS圖片來自My Coffee Time Pictures.

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備註:L’Ostellerie du Vieux Perouges集合旅館,餐廳與咖啡店.

網路把藝術的認同走向更多元化了.最近幾年,它除了方便系統整合古代與各個時期為數龐大的藝術作品與相關評論內容,加上高解析度與360度空間旋轉的螢幕效果,讓普羅大眾不用親自前往收藏的美術館或藝廊,也可以一親歷代大師作品芳澤,同時讓當代藝術的行銷或展出訊息更為快捷迅速,人們透過館方與藝廊建立的網路介面平台可以更深入認識了解作品呈現的起始想法與規劃方式.

這要歸功WEB 2.0的強大功能,透過它,越來越多的各式平面媒體投入網路市場,也正因為它帶來龐大商機的潛力,連世界知名的博物館,美術館,藝術中心與大小藝廊也想利用它傳播的威力,把所收藏作品做完整的整理,企圖透過網路世界開發行銷並挖掘諾大的潛在客層,最近MOMA de San Francisco的ArtScope 便成功把3500件館藏作品整合在一個看似平淡無奇以黑色基底網頁上,如萬花筒無限般的內頁卻讓人相當享受挖掘中所帶來的無窮樂趣.

除了大西洋彼岸的美國,歐洲在網路上的運用近年來也相當突飛猛進,更意外的讓以往難登大雅之堂的街頭藝術大大翻身,尤其塗鴉藝術更是前所未有的走入陽光.不再只是地下藝術,在短短的兩三年內漸次並嚴然成為當代文化中重要的藝術潮流之一,最近兩年內相關的報導與雜誌發行也日漸異軍突起.像MODART這本專門報導街頭藝術的雜誌,從今年年初開始發行至今,頗受好評.

這本雜誌把塗鴉藝術家創作開始的歷程,其作品風格以及想要傳達的社會性意涵,連相關網站連結,都做了完整清晰的整理,其中它所介紹過塗鴉藝術家BLU在柏林佔據頗大牆面的MUTO,光是透過VIMEO這個網站上欣賞的瀏覽人次已經突破四百萬,讓塗鴉藝術家與相關工作者受到相當大的鼓舞,網路世界無窮的拓展潛力,且日以繼夜的還在開發中,看來塗鴉藝術將會隨著網路更前進的趨勢,而將更昂首闊步邁進,不僅已然成為當代都市景觀的一環,亦將成為當代都市藝術文化中堅的一份子.

PS圖片為Ian Francis的作品.

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延伸閱讀:雅典記憶

不到一年的時間,從Dior Homme的最新一季男裝廣告,我們看到了風格已趨成熟的Kris Van Assche的確不負眾望交出了令人欣賞的成績單,姑且不論媒體在時尚週給予的高度評價,光是從這季廣告的平面設計就可以一窺端倪,廣告風格雖然十分簡單且與以往有些許的差別,在黑白兩色的對比中隱約展現的藝術性雖不似以往強烈,背景與主題之間的完美呼應仍與以往一樣直接突顯主題即服裝本身,人們在視覺中探觸到的那份律動感自然輕盈到幾乎不帶痕跡,讓Dior Homme的廣告自Hedi Slimane至今,仍然散發出十分的吸引力!

PS圖片來自Casafree.com.

Corbu Comme Le Corbusier這本書是這麼形容L’Architecture de Le Corbusier(柯比意建築)的:

“柯比意先生建築房子的時候,非常喜歡使用混凝土,他認為除了空間,光線與舒適居家設備,建築精神的表現與色彩的使用,也是讓人們得到舒適生活不可或缺的要素!”

這說法雖把他在建築上表現的精要介紹得非常清楚了,但事實上柯比意建築帶給人們在視覺上與在精神上的衝擊並非這麼簡單.

在Firminy-Vert的Le Site de Le Corbusier(柯比意建築群)便可以得到這樣的驗證,它是一個完整的城市建築計畫,主要包括La Maison de la Culture(文化中心),Le Stade(運動場/使用中),L’Unite d’Habitation(集合式住宅)與L’Eglise Saint-Pierre(聖皮耶小教堂),還有一座游泳池,共有五個部分.在柯比意原始的意向裡,他希望在解決人類住宅問題的同時,不僅在建築成本與所需的時間上有所節省,也必須講究生活基本機能,讓人們的生活回歸到自然與綠意共存,並且藉此計畫的執行給予地方一個重生的機會,而要實踐這樣的一個理想,則必須尋找一塊完整且具自然性質的區塊完成,Firminy-Vert這個過去沒落的曠工小鎮,因擁有科比意心中所認知的條件而雀屏中選.

由於建築過程所需經費不足和技術上的問題,讓進度一度遲緩甚至停擺,雖然間隔一段時間後一度繼續,但隨著科比意離開人世而完全停擺在那裡,一直到2003年之前,這座科比意心中的理想城市只有地面上局部如基座般的建築風貌,尤其冬天在白雪的覆蓋下,顯得相當孤獨無助如廢墟.儘管如此,聯合國國際文教組織從未放棄他們,La Maison de la Culture和Le Stade於1984年,L’Unite d’Habitation於1993年和L’Eglise Saint-Pierre於1996年,在三個不同的時間分別被劃分界定為世界古蹟遺產.

自2003年中下期開始,在建築師Jose Oubrerie(柯比意合作者)的奔走下,這座科比意城市建築的修復露出了一線曙光,並很快的於該年年終開始修復計畫會議,接著分階段開始執行修復計畫,經過了2004-2006年的艱辛過程,在堅持完全依循”科比意原創的精神”下,把這座科比意心中理想的城市建築群做了相當完整且堪稱完美的修復,尤其是L’Eglise Saint-Pierre更是一大傑作,光是建築外形的完成就耗費將近一年的時間,由於在建築品質上的嚴謹要求,連門把與鑰匙孔的打造這樣的細節也極度考究,施工過程不惜動用兩組建築修復團隊,力求符合科比意一向堅持的樣貌色彩.

繼瑞法邊境附近如香菇造型的L’Eglise de Ronchamp(1956年),以及位於里昂西北那以內在充滿精神性所賦予的活力著稱的Le Couvent de la Tourette(1959年)之後,這座2006年修復完成的教堂,不論那精巧幾何極富原創性的外觀造型,室內與室外的景觀透過方形或長方形窗戶的連成一氣,在光線的投射與反射之間,每個空間充滿詩意,天花板那經科比意精確考究而發展出的紅黃藍綠四色,加上科比意設計的家具原型陳列點綴之下,整座建築名副其實是科比意概念表現中心.

最上方四方立體近似錐形空間的禮拜堂,利用紅黃綠三色幾何造型的天窗所引進富變化性質的彩色光暈,與一面精心散布充滿詩意印象的圓孔群,將外面的自然光完美的引入投射建築內部,把以環型階梯的形式連綿緩緩向上排列線條精簡講究功能的祈禱長椅,以及混凝土原始色調的階梯,在光線的投射與反射的作用下,烘托散發奇幻迷人的味道,非常的引人入勝,即使人們在那裡的一言一行,在錐形空間的回盪反射下回音不斷,驚奇的是一點也不擾人,而且飽和充斥著科比意心目中在宗教上嚮往探究的那份精神性.

PS圖片來自My Coffee Time Pictures.

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巴黎當代藝術市集FIAC 2008,終於落幕了,比以往的規模更大了一些,參展的藝廊更國際化,作品水準也更為提升,法國政府部門更組織了二十人收藏委員會(九位相關部門人員,其他十一位當中大多為收藏家,其中兩位為藝術家),今年預計收藏五十幅作品,主要以視覺藝術作品為主要選擇對象.

延續去年的做法,展場分別散布在羅浮宮靠近賽納河邊的方形中庭,大皇宮那有著壯觀拱形天窗的中殿與杜樂麗花園的草地,當代藝術中心Jeu de Paume今年也加入共襄盛舉.由於這個博覽會的規模不斷的擴大,參觀的票價年年高漲,由於參展的藝術家的素質不斷提升,除了年輕新生代的當代藝術家之外,也越來越多有名望的當代藝術家透過他們合作藝廊推動的手而紛紛加入,例如1980年代以連續美容手術實況過程作為其代表作品的Orlan也赫然其中,加上媒體的推波助瀾,高貴的入場票價仍無阻於大批的人們前往參觀的興致.

我最欣喜的是Joan Mitchell的作品也陳列其中,這位不少作品身價頗高的美國當代女藝術家的作品承襲自印象派的概念,並融合抽象表現主義的技法,深受Franz Kline與Willem de Kooning兩位抽象表現主義大師的影響,乍看之下頗似Pierre Bonnard的作品局部與風格,其部分厚實的筆觸奔放在虛實之間帶細膩的感覺,可能是長期定居以莫內的花園著名於世的Giverny的關係,加上其母親頗具寫詩的才能,在家庭教育的影響下,她的作品色彩清淡優雅卻充滿著光影閃爍的味道,整個作品散發出一股淡淡的詩意.

另外,最讓我好奇的莫過於Jake et Dinos Chapman這對英國兄弟藝術家的作品,並非因為法國媒體對他們的一致推崇,而是他們的作品真的很特別,而且相當驚世駭俗,有異於一般人,常有豐富想法隱藏在裡頭,他們不斷的從過去的作品去挖掘創作的題材,以極度諷刺或辛辣幽默的手法,運用繪畫技法結合綜合媒材裝置的呈現,不斷突破作品表現的概念,這回他們的作品,有時讓人莞爾一笑,有時讓人仍有種不寒而慄的感覺,宛如更具外顯險惡表現力的當代格林兄弟.

PS圖片為Jake et Dinos Chapman的作品,來自Stiletto.fr.

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延伸閱讀:藝術?色情?戀獸狂?Kulik Oleg在FIAC2008

              巴黎當代藝術博覽會FIAC        

L’Art Nouveau(新藝術風格,又稱現代風格藝術)出現綻放於19世紀末到20世紀初之間,從L’Art Gothique(哥徳藝術)攝取養分,自英國醞釀發展,隨著時間散佈漫延於歐陸,受到這股潮流最大的影響且開花結果最為豐碩的就屬比利時,法國與西班牙,在現代繪畫,現代建築,現代雕塑或現代陶藝都產生根本的效應,最經典的代表藝術家與建築師包括Victor Horta,Hector Guimard與Antoni Gaudí,他們最著名的代表性的作品分別Hotel Tassel, Hôtel Jassedé與Palais Güell.

談到新藝術,就不能不談到維也納分離派代表人物Gustave Klimt,從他的作品出發去認識新藝術中的元素,是個相當好的管道,包括來自自然界動植物與各類花卉的粉嫩色調與線條圖騰,各種幾何造型在畫面上的重複運用與來自拜占庭文化中的阿拉伯風格裝飾,金色的色塊,圓潤流暢的線條與既繁複又反複的圖像,將之互相精心結合下,在各種可能的平面中,新藝術終於在二十世紀初中期發揮他那驚人的吸引力,成為現代藝術運動的重要潮流之一.

新藝術風格的作品除了表現在各種繪畫創作,也表現在建築內外的裝飾,在歐洲許多城市都可以找到蹤跡,也許是建築物入口處的雕花鐵門或棚架,也許是室內大廳的地面拼磚或佔據整個牆面的壁畫,小到各種居家物品與餐具器物,新藝術可以說是十分貼近生活的一門藝術,運用在建築與設計時,與L’Art Decoratif(裝飾藝術)可說幾乎是等義詞,也正因為貼近生活,其所運用的材質也相當廣泛,涵括鐵,玻璃,石塊,磚,木頭等等不勝枚舉,主題也非常廣泛,大自然中的動植物花卉轉變出的圖騰,具像與意像,寫實或幾何,分別或交錯運用,甚至也會出現神話中代表善惡兩極對立的蛇魔,飛龍或天使等等.

在新藝術蓬勃發展的時期,法國就有不少該風格的經典建築與經典繪畫的誕生,善於保存古文物的法國,在政府每年一定的維護經費以及本土企業與外來龐大資金(美國為大宗)的贊助下,至今將它們都保持得非常好,很值得前往參觀品味一番,如Le Musee d’Orsay(奧塞美術館),Le Grand Palais(大皇宮)與Le Petit Palais(小皇宮)的建築外觀與建築內部,許多部份仍洋溢著新藝術風格的美好記憶,尤其奧塞美術館那以鐵鑄與玻璃建築可引進自然光大圓弧屋頂的一樓大廳,牆面反覆運用的壯觀花紋雕刻圖飾與那精雕細琢的金色大鐘,正是欣賞新藝術風格的最佳典範.

除了美術館,巴黎街頭也可以發現新藝術風格的驚喜,拜訪蒙馬特時,阿貝斯地鐵站新藝術風格的出入口,與那佈滿大街小巷的Henri de Toulouse-Lautrec與Alfons Mucha以及人稱La Belle Epoque(法國美好時代)的海報複製商品都深具吸引力,後者精練流暢的線條與粉潤明暢的色彩所散發出來的濃厚時代精神,把過去新藝術風格在平面上的運用極致展現無遺,當代從事與平面設計相關的藝術家與插畫家也仍受到相當的影響,例如日裔美國插畫家Audrez Kawasaki的插畫作品正是來自日本漫畫與巴黎新藝術海報風格的結晶.

雖然新藝術風格曾被人們一度遺忘,由於當代藝術設計的潮流走向個人化表現,它的元素被越來越多當代設計師與藝術家所追尋運用,在上回所提及的Cathy Pill把哥徳藝術創新活化的同時,延伸自哥德藝術的新藝術風格也是她攝取靈感的來源之一,將大自然的花卉圖騰與幾何線條的拼貼重組,轉化為個人設計語彙,讓新藝術元素在伸展台上依然活躍,近年來新藝術風格插畫家James Jean與Prada合作十分成功的時尚動畫Trembled Blossoms,也是新藝術風格再次現代化的重要範例.另外,將新藝術元素在平面設計上發揮得十分具個人色彩且深具魔幻力,我之前介紹過的Marian Bantjes,也值得一提再提.

PS圖片來自Images Gustave Klimt by Google.

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1971年,在Rolling Stone以John Lenon為封面的黑白攝影而一鳴驚人的美國女性時尚攝影師 Annie Leibovitz,直到1983年都專職於這本報導搖滾樂的專業經典雜誌,並完成142張精采封面與數十個精心策劃的成功專訪,Bob Dylan ,Bob Marley和Patti Smith都曾在其手中留下歷史性的鏡頭.1981年,就在John Lenon被暗殺的數小時前所拍攝完成的全裸的John Lenon依偎在其妻Yoko Ono這張封面照片,更是讓她奠定其國際級攝影師地位的經典作品.

之後,她轉投Vanity Fair的懷抱與1990年代末期與Vogue的合作至今,同時也從事時尚廣告攝影的工作.她爲Demi Moore所拍攝懷孕全裸的側影,也是她著名的攝影作品之一,當年還登上Vanity Fair封面而引起廣大的討論旋風,她幫Disney掌鏡的一系列廣告,讓Scarlett Johansson,Beyoncé Knowles,Rachel Weisz,Julie Andrews等演員明星一一傳神的化身為格林童話裡的主角,更為她以往以來的攝影風格添加童話風貌的夢幻色彩,義大利咖啡品牌Lavazza的廣告今年也選上她負責操刀,融合她在Disney廣告中新建立的風格加上原本的個人習慣的運鏡手法,將Lavazza一系列廣告表現得既性感又帶有知性美.

Annie Leibovitz擅長人物攝影,由於曾在San Francisco Art Insitute學習繪畫技巧,其攝影作品如同繪畫非常講究取景構圖,肌理表現,色調配置,光線安排與人物眼神姿態,其所完成出來的攝影作品猶如現代化的古代繪畫,在強烈燈光與簡單背景之間,十分講究人物身上的每個細節,包括表情姿態與髮式衣著,在她銳利帶著距離的目光下,呈現出的作品風貌卻很親近人心,不論是當代最長壽的藝術家Louise Bourgeois或是一些著名的攝影師,藝術家或建築師如Richard Avedon,Cindy Sherman, Philip Johnson,還有英國女王伊麗莎白二世等等,他們在她的運鏡下跳脫以往人們對他們的既定印象,讓人們對他們隨之重新做新的思考與認識.

她這第二個攝影回顧展從Brooklyn Museum de New York出發,在全世界幾個著名的美術館與當代藝術中心的巡迴展出後,今年終於輪到巴黎的La Maison Européenne de la Photographie展出,這也是她首次在歐洲所做的個人回顧展,這個展覽名稱為A Photographer's Life(1990-2005),之所以以此為展覽名稱,攝影師本身做了一個很好的說明,她認為在她的生活裡,攝影工作與私人生活是無法分開的,她其實只有”一種生活”,不論是工作,家人,朋友或只是她個人的各種想法下產生的作品都是在這樣的生活方式下誕生的,尤其她跟美國著名散文家Susan Sontag之間的緊密的生活關係所產生的作品最震撼人心,她把後者臨終前對抗癌症的憔悴病容忠實呈現出的那一系列作品,讓展場氣氛一度充滿矛盾,那些風格強烈的時尚攝影與溫馨可人的家庭聚會照片,讓人顯得喜悅,卻又因Susan Sontag的病容而受到驚嚇且感到哀傷.

我是在七月份時參觀這個展覽, 目前展覽已經結束一個月了,後續仍有一些觀賞者的相關討論,有些人觀展後覺得她是一個真誠的藝術家,把她生活中的點點滴滴忠實的紀錄下來,讓一個攝影師的生活清楚明白的呈現在世人的眼前,但在法國這樣十分重視個人隱私生活的國家,反對的聲音更多,在人們的眼裡,那樣呈現私密的生活顯得過度,多數人從一個展覽當中渴望看到的是藝術家的作品,而不是其太過私人的生活,尤其她的摯友Susan Sontag那一系列照片讓人看了的確並不太舒服,正是因為太直接太忠實了,我自己則是贊成反對的一方.

PS圖片來自Images Annie Leibovitz by Google,其他述及圖片亦請見左列網站.

從小便一路追隨大師們腳步的Pablo Picasso(畢卡索),到成為吸引世人目光無與倫比的現代藝術與當代藝術大師,從他那個時代的當代,直到今天我們所處的這個當代,他仍然是製造話題最佳的引爆器.法國兩大最具全球性聲望的美術館Le Musee du Louvre(羅浮博物館)與Le Musee d’Orsay( 奧塞美術館),在策展能力聲譽卓越Le Grand Palais(大皇宮)的帶領下,共同攜手推出一個最爆炸性話題的展覽Picasso et Les Maitres(畢卡索與大師們),爲這即將接近尾聲的2008年與接著開展的2009年初有個完美的結束與開始.

來自全世界著名美術館的館藏與私人收藏,總共高達210幅作品,除了畢卡索本身的作品,從文藝復興時期的Titien(提香),浪漫派時期的Delacroix(德拉夸),現代藝術之父的Cezanne(塞尚),野獸派的Matisse(馬諦斯),印象派的Manet(馬內),Monet(莫內)與Gauguin(高更),到與他共創立體派的好友 Braque(布拉克)作品等等.整個展覽歷經三年的策劃,研究,商借收集作品到展出,包括現場展示空間的規劃,主題與時間的安排,還有因每幅畫作保存上所需的溫濕度的不同等等,讓技術人員尤其在燈光投射的強度上必須非常謹慎小心,為每個環節可是傷透了腦筋.

這展覽的企圖在於將畢卡索其畢生創作的所有重要作品靈感來源,做清晰完整的對照演譯,把他每一幅作品與其靈感來源的大師們的作品一一成雙的並列展示,在直接的對照與說明之間,讓我們得以一窺畢卡索是如何的以大師們的原作架構,從早期古代繪畫所攝取的養分,從現代藝術與當代藝術以及非洲原始藝術中所受到影響,加上他那個時代的當代藝術同儕的互相激盪下,如何結合其所得到但非獨創的創作語彙,進而誕生出那一幅又一幅充滿話題性的藝術作品.

畢卡索從其早期的藍色時期與粉紅時期開始,在藝術創作上便擁有相當的聲譽,由於他在藝術創作上的多變性,讓他跟各個重要的現代藝術與當代藝術思潮的各個流派都有相當默契上的關係,不論是二十世紀前後的印象派,野獸派或立體派,甚至1960年後因Marcel Duchamp的Ready-Made概念下,隨之當代藝術時期開展的達達派或普普藝術,畢卡索就像海綿般,不斷的攝取,