September 4,2008
雅典印象
從機場到市中心,在兩邊有幾小片橄欖樹林帶點些許荒蕪或混亂風光的公路上,讓公車一路上以驚人速度飛快狂奔的司機,就夠讓人對雅典人既期待又害怕的了.果然,雅典的酷熱潮濕的氣候,吵雜稍嫌混亂的市容,極速奔馳的車輛,欠缺足夠的行人空間,暴躁易怒時有爭吵的民族性格,讓整座城市常常漫佈一絲絲危險的味道,大熱天裡,讓人不經意的得在一旁跟著冒冷汗.
雅典奧運後的物價大幅膨脹,過度觀光市場化與充滿消費主義的傾向,加上治安變得不好,讓雅典人生活顯得不容易而造成生育率偏低,走在路上,能夠遇到的年幼孩子實在少得很可憐.由於雅典市中心的超市並不多,所處位置或招牌並不顯著,幸運的,我遇到了一個好心年約五十的雅典婦人願意帶我走上一段路,好讓我得以順利找到所需的用品,就在路上,我從她的身上證實了年輕的雅典人不太生育孩子的這件事,她並以自己二十六歲的女兒當例子,告訴我在環境嚴重惡化,治安不加,以及相對薪水過高的物價,讓現代雅典的年輕人實在過得很辛苦,越來越多甚至迷失自己的根而惶惶度日.
儘管如此,老一輩的雅典人還是把不少數千年傳統文化留存下來,與現代雅典的風貌和諧並存,雖然有時因古老技藝的沒落,讓其流落街頭的景像顯得有些落寞哀傷,雅典還是散發出其獨具的風味,這裡與西歐截然不同偏黃明亮的陽光色調與希臘語散發出來的思辯卻富感情的韻味,讓雅典在新舊交錯之間,處處充滿經典電影場景如羅馬假期中那般的色彩,亦一如其跳蚤市場中佈滿整面牆的泛黃卻洋溢懷舊風格的海報,所散發出來過去時代曾經光輝的味道,連冰淇淋的色彩也不似同樣處於南歐的義大利冰淇淋般那麼現代精緻,反而充滿粗曠懷舊的風味.
最讓人驚訝的是,塗鴉繪畫幾乎無所不在的存在雅典任何的一個角落,遍佈豐盛的程度在歐洲大概是唯一,因為塗鴉繪畫的背後一般隱含創作者對社會的憤怒或不滿的意義存在,通常存在於一個城市當中發展較為不好的角落,尤其是失業率與犯罪率皆高的場所,若像是日內瓦這樣治安良好著稱的城市,是並不太容易找到塗鴉繪畫蹤跡的.因此,雅典的塗鴉繪畫興盛的程度,著實讓人吃驚甚至感到一些惶恐,不論是地鐵鐵路沿線,世界知名古蹟周圍,甚至高級住宅區新古典風格的建築面上,隨時都會發現塗鴉繪畫作品的蹤影,尤其雅典的考古博物館周圍毒梟與警力明顯針鋒相對的場面,雖然讓人不可置信,但著實是雅典塗鴉繪畫語彙表現的最佳驗證地之一.
PS圖片來自My Coffee Time Pictures by Flickr.
August 17,2008
平面中的故事性
當在Palais de Tokyo(東京宮)的書店區翻閱Stefan Sagmeister歷年展覽集結的作品集Things I Have Learned In My Life So Far時,讓我頓時對故事性的這樣問題體驗更深,他的作品集的集結方式相當符合他當初進行每個個別主題創作時的原創精神,一個主題分別一本小冊子,集合所有小冊子於一個有個如可以變臉般功能封面的紙盒當中.當人們分別一一翻開各個小冊子很難不被吸引,裡頭就像萬花筒般的語彙,雖然某些表現手法粗略了些,卻力道十足的傳送著創作者企圖傳達的訊息,而且宛如故事般的進行著.
另一個有趣的例子來自John Galliano的同名設計師品牌的最新一期廣告,廣告中的模特兒那充滿中國京劇臉譜元素的妝容與髮式造型,加上如相片剪貼簿或筆記本般的拼貼手法呈現出的懷舊風格分外的引人注目,在John Galliano接受Air France Magazine的專訪時,他那如孩童般對旅行途中點滴回憶是那麼的真摯充滿情感,這回讓人跟著有些感動,喜歡從旅行中挖掘創作靈感的他,這一季的成果正是來自中國北京之旅,尤其在京劇當中,不論是來自服裝布料,或是來自人物妝扮,那既傳統又鮮明的色彩讓他十分著迷,他這個來自英國的設計師反而沒有臣服於Tartan(蘇格蘭格子圖案)輕便俐落帶調皮味道的旋風中,而且還大膽的獨樹一格.
最值得一提的是濃濃吹著懷舊與環保時尚風的今天,即使只是一件T-Shirt,衣服上面的圖案文字不再只具好看點綴的作用,更不再只是作為服裝搭配的用途,除了走向越來講究自然環保的布料使用,上面所運用的圖文簡單有力或充滿舊時代風格,使我們眼前的圖像文字的選擇比以往更具意圖表現,背後具有更強烈的故事性,有1970年代的精神,也有對環境與人們的關懷,隨著時代的演變,從反戰變成環保,從呼喊口號變成親身活動實踐,裡頭充滿值得思考的有意義的訊息,非常值得我們再三的關注與品味.
PS圖片來自Design Museum Collection.
August 7,2008
Keith Haring
透過Musee d’Art Contemporain de Lyon(里昂當代藝術美術館)這次為他大膽所策劃的回顧展,等同爲他在當代藝術史得到正面接受並正式承認其當代藝術家的定位,讓他備受爭議充滿商業色彩的作品提升到如正統藝術的層級,讓藝術作品與大眾文化之間的鴻溝更為淡化,並與商業行銷的藩籬打破,更讓人們對藝術定義的思考可以更為多向與多元.
在純熟精練的線條與滿滿具象徵性的圖像符號之間,他的作品充滿古埃及壁畫與非洲原始藝術的影響語彙且充滿人道主義的精神,把在充滿暴力毒品與過度崇尚金錢權力氛圍的1970-1980年代的紐約,不但冒險違法以白色的粉筆刻畫在地鐵底色黑色的廣告板上而聲名大噪,在私交甚篤同樣死於愛滋感染的Jean-Michel Basquiat(1960-1988)的作品以及在Niki de Saint Phalle(1930-2002)在比利時所建造La Maison du Dragon(1975)與這位著名當代女性藝術家共同合作的經驗,更讓他後期的作品元素呈現更為豐富,在表現手法上更為純熟精練,把他想傳達的想法更清楚明確的表達出來.
展場完整收集撥放他各個時期被訪談的Video,把他每個時期在歐美幾個建築留下的壁畫作品發生緣由,與他自身想要表達的意念想法傳達清晰無遺.我們只能說在短暫的三十二年的生命裡,Keith Haring已經盡情精采的走過,而在他出生五十年後,Musee d’Art Contemporain de Lyon(里昂當代藝術美術館)剛以這這場展覽中期即已超越98000入場人次,結束時更打破當年Andy Warhol紀錄的這個回顧展作為送給他五十歲生日的致敬禮,他自己也意想不到吧!至於我個人也出乎意外的在美術館延長展覽期限下幸運的躬逢其盛.
PS圖片為展覽海報,來自Images Keith Haring by Google.
June 26,2008
比利時印象
算一算,走過歐洲不少地方了,比利時倒是個頗讓我喜出望外的國家.
Wallonie(南比利時)自然田野的風光保存的非常好,遠勝於我長年居住的法國的許多地方,這塊充滿山野河谷的區域,自然景觀並沒有因為人們的居住而有太大的改變,尤其在Rochehaut(侯修,意指高岩),仍然可以看見與一千五百年前幾乎無異的山河風光,連當地房子的位置與數目,都跟當時相當接近,而沿著橫跨法比兩國,與該區域其他小地區人口相對較密集(其實人口數還是蠻少的)的La Vallee de la Meuse(默斯河谷)更是一個佐證.
這條著名的河谷,在法國的部分儘管相當自然,但在較多人為的作用下,顯得較為紊亂且不那麼清麗,一走進比利時這部分,馬上就讓人眼睛爲之一亮,清新潔淨不說,整個氣氛更是寧靜,在每座依山傍水的小城鎮裡頭周圍,城鎮與城鎮之間,生活的景緻處處充滿生活的藝術,河岸人家步調悠緩且建築深富歷史性價值,接近它越深入,就宛如走進愛麗絲夢遊仙境般的只想一直探險下去.
Flandre(北比利時)政經力量較為強勢,知識經濟與文化發展非常蓬勃,Bruxelle(布魯塞爾)讓人為其古蹟建築完好的實力驚艷不已,除了讓人驚歎的Eglise des Sts-Michel-et-Gudule裡外的精雕細琢,在Grande Place de Bruxelle(布魯塞爾大廣場)這個舉世聞名的廣場四周建築更爲其過去的歷史文化所遺留下來輝煌壯觀如史詩般的見證.這座城市的Musee d’Art Ancien(比利時皇家美術館)的典藏值得好好品味,Musee des Instruments de Musique(簡稱MIM,樂器博物館)裡頭超過7000件來自世界各地古今樂器的收藏,伴隨著配合樂器的精湛選曲讓人聆聽的耳機,更是不容錯過.還有它的公園也是很讓人驚喜,不論是清靜優雅的Parc de Bruxelle(布魯塞爾公園),還是小巧玲瓏有著精采雕塑噴泉的Parc d’Egmont( 艾格蒙公園),都讓人意猶未盡的不想離去.
更北的其他城市在法蘭德斯與荷蘭文化的互相影響,加上來自法國與義大利新古典時期與文藝復興時期文化的交錯作用下,城市規模雖小,景觀也雖比南比利時城鎮較為擁擠,生活步調相對也快了些,儘管外國觀光客眾多,並不影響其都市樣貌與生活品質且出人意表的表現傑出,尤其在Anvers(翁斐)這個孕育比利時藝術創作與時尚設計人才之都,除了深受荷蘭傳統影響的豐富建築群與饒有想像力的雕塑噴泉Fontaine de Brabo讓人驚歎,在富有遠見的規劃下,公共交通系統跟道路規劃方式,都以人為本體以節省能源為基礎去建設發展,力求無污染的環境裡,Tramway(地上電車),腳踏車與雙腳就足以讓人們盡情享受這座城市所有的生活資源與便利.
Anvers(翁斐)果然也不負比利時時尚文化之都的卓越聲望,每條街道每個轉角就是一個美好的藝術風景,這裡設立在MOMU(時尚設計博物館)的皇家美術與設計學院的學生不愁沒有源源不盡的涵養資源,尤其講究做工與創意的學程,讓這裡孕育出許多時尚設計大師級的人物,橫跨各類設計,服裝與珠寶尤其突出,誠如Ann Demeulemeester ,Dries Van Noten,Kris Van Assche, Martin Margiela和 Veronique Branquinho等等.可惜,在時間有限下,我錯過了那著名的 Maison de Rubens(魯本斯之家).
PS圖片來自My Coffee Time Pictures by Flickr.
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June 23,2008
Tim Walker的童話世界
在自身也從事藝術創作於1940年代擔任Vogue藝術總監Alexander Liberman(1912-1999)創新的時尚觀點精神下,畢業自Exeter Art College並在New York磨練過的的Tim Walker,近年來在Vogue UK有著可以讓他盡情揮灑的舞台,每一個鏡頭的成果,來自於他不斷的構想與推演而出,在展覽現場,我們可以看見他如何事先透過繪畫手稿,慢慢的將架構成形,並且跟工作人員做詳細多重的溝通,雖然工作方式繁複且動員有些龐大,呈現出來的作品氣氛卻總是輕鬆有趣,精心策劃出來的畫面細節會讓人忍不住留連忘返,裡面不但充滿著童趣,而且有著豐富的想像力.
PS圖片來自Tim Walker Pictures By Thomas/Treuhaft.
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June 17,2008
當藝術不再純粹時(2)
面對低潮是絕大多數的藝術家的共同遭遇,即使已經成功的藝術家都面臨且談過這類的經驗,也深知如何盡可能的讓自己面對那樣的困境,包括創作上與現實上的經濟問題,但面對高潮甚至最高潮卻是極少數人的際遇,這類的藝術家還是會想要在階段上再力求突破,但可尋求的途徑並非那麼的寬廣與輕易.
過去透過博物館或美術館的合作收藏,曾在19-20世紀發揮很大的效用,正如Musee Rodin的誕生,雖然這類的合作模式仍被沿用,但在藝術市場越來越傾向全球化商業化的今天,那樣的模式日漸失去其往日的功能效應.慶幸的是,現在則可以透過私人企業的贊助,讓創作者可以得以延續其創作力,但企業與創作者之間的溝通協調便是個微妙的關鍵,好可以導致雙贏,不好則會雙輸,形成兩個極端的結果.
現在最明顯的便是一些奢華的品牌與知名的藝術家合作的方式,品牌透過藝術家的作品去建構其更清新的企業形象,而藝術家透過品牌在市場上的操作能力去彰顯其作品更高的價值,像最近期的Zaha Hadid為Chanel在香港所設計裝置,企圖在世界多個重要城市落腳的展覽中心Chanel Mobile Art,以及以其為號召下,Karl Lagerfeld邀請諸多知名藝術家如Fabrice Hyber合作以Chanel Mobile Art為主題的裝置創作,另外還有Frank Gahry為Louis Vuitton設計,預計於2010年完工充滿未來主義解構風格的藝術展示中心,目前與未來也漸次或即將掀起一波波火熱談論話題.
但隨之潛在的問題也來了,也是目前當代藝術圈面臨並且正在關注且廣泛談論的話題.這類合作的模式的過度運用,對當代藝術家到底是一個好的生存法則?還是可能讓當代藝術家在奢華之間迷失自己而失去其原創的精神?最重要的是將對當代藝術的走向會是一個助力?還是殺傷力?這些問題的回答見人見智,但確定的是當代藝術正走往不再純粹的方向.
PS圖片來自BLUE NOSES IMAGES BY GOOGLE.
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June 13,2008
當藝術不再純粹時(1)
其中位於巴黎巴士底廣場附近的Maison Rouge的創辦人Antoine de Galbert的說法最讓人欣賞,他說"當我們購買一件藝術品時,在乎的應該是作品本身內容,而不是作品的未來可能的價值,而且不論她來自法國小鎮Bourg-en-Bresse或美國大都會New York,她們的價值應該是一樣的,而不是由購得的地點來決定她們的價值",但可惜的是,這是一種理想,現實上, 藝術品的市場是非常殘酷的,藝術品的經營者跟收藏家交互炒作,才是作品價值的決定關鍵.
當全球藝術品市場的交易金額不斷的創新高,在收藏與炒作的巧妙合作下,也間接創造了更多的千萬及百萬美元的富豪,去年,全球藝術品成長率高達34%,法國的藝術品市場卻下跌了5.8%,並且還持續萎縮當中,為什麼法國藝術品市場的拓展這麼困難?原因除了法國經濟成長持續低迷,使得購買力也變得比以往更積弱不振,還有便是來自藝廊經營的策略多偏向單打獨鬥,藝廊的經營者完全以自己的偏好導向去做單一經營,藝廊跟藝廊之間橫縱的連結欠缺,因此拓展的資源被瓜分的支離破碎.
媒體的力量其實在藝術品的市場也扮演著舉足輕重的地位,左右了人們的購買方向,過度的人為操作,藝術品本身的價值變得不再純粹,當人們收藏一件藝術品時,看中的並非是藝術內容,而是其未來可以獲取的附加價值,對最高級的收藏家而言,這更是其收藏的不二法門,可以為其建立高貴的收藏家形象,還可以加速其財富的累積.
這樣的現象在亞洲更是顯著,特別是在中國,在他們的經濟實力不斷的大幅成長下,越來越多有能力收藏的富豪也越來越多,中國在深具市場潛力之下,早已經有不少知名的收藏家進行佈局,最近幾年全球的資金大幅滾滾不斷的投注在中國藝術品的市場上,因此以極度快速倍數成長的幅度造就了不少天價的中國藝術家,造成了藝術品價值成長過速的例外現象.
當藝術是如此的不再純粹時,當代的年輕藝術家的發展可能因此大起或大落,或永遠都沒有出頭的機會.可 喜的是還有另一個要素可能決定藝術家的未來,多年前,我曾在國立巴黎建築學院上一位繪畫教授的課時,發現選修這門課的學生作品水準相當參差不齊,由於我跟 這位教授有私人情 誼,當上完課搭他的便車回家時,他看出我的疑惑,便跟我做了如下的解釋"每年,學院決定學生入學許可的評選委員都不一樣,因此評選的標準根本不存在, 就看當時你的作品是被誰審到,完全一樣的作品,今年進不了,明年也許就進來了,就看你的運氣!".
顯而易見的,一個藝術家是否得到好的發展也跟入學許可的取得一樣 需要運氣.此時,我們也可以逆向思考一下,還是有不少人並不太理會媒體時尚鼓吹的觀點,會以自己真正的喜好或家人的習慣去做藝術品收藏的選擇,因此,當代藝術家的未來還是有一條可行的路可以開拓,但前提是藝術還是必須回歸到純粹的點上,否則,最終當代藝術家的生命還是會走進死巷.
PS圖片來自Andy Council.
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April 17,2008
光之圓舞曲
尤其在里昂的市府廣場四周文藝復興風格的建築牆面上,光展現其驚人的誘惑力,經過人為的嚴謹設計構圖,相對位置與圖像呈現速度的精密計算,經由每一道光線所拓展而出的色彩與造型,不但結合完美得讓人難以想像,精心搭配結合環場音效的音樂所引發的氛圍,細膩的穿透人們全身的每一根神經,那一夜的里昂,讓我對法國自羅馬高盧時代以來的歷史如氣勢磅礡的史詩,如身臨其境般的場景呈現,爲之驚艷得永難忘懷.從此以後,光的表現力讓我爲之深深著迷.
巴黎這座城市在光的表現上就是一個絕佳舞台的代表,其每一座重要的新舊建築,不論當代,近代或古代,透過光,他們的經典身軀被照映得更為嬌俏迷人,如羅浮宮廣場I.M.Pei(貝聿銘)所設計的後現代主義的玻璃金字塔,前方不遠處的艾菲爾鐵塔,拉得芳斯大凱旋拱門,巴黎聖母院,新建完成的原始藝術博物館Musee du Quai Branly,甚至每一座公園,每一座橋墩,每一個廣場,在光的指引下,我們得以發現每一座建築除了白天的美,他們的夜晚也竟是那麼的迷人.更讓巴黎在光影的變化之間向世人展現出其更無窮的吸引力.
光在都市景觀的運用起始時間,距今不過幾十年,大量運用更是最近幾年的盛事,在建築學院偏向傳統的課程設計當中,光的這個元素是並不被重視的,但卻在當代建築師的手中,開始起活躍的生命,並且逐步的融合在都市建築景觀的藍圖當中,光與建築之間的完美結合的建築師當中,最擅長且最著名之一,就屬全球知名剛獲得2008年Le Pritzker Prize殊榮的法國建築師Jean Nouvel,在他與以概念燈光裝置擅長著稱的Yann Kersale的合作下,造就了數個著名以光的表現力著稱的當代建築,如位於西班牙巴塞隆納近郊 的La Tour Agbar就是他近年最著名的代表.
這座光在建築上重要代表的當代建築,它像子彈造型的建築,矗立在巴塞隆納一個鬥牛場的附近,就位於tramway路線的旁邊,雖然當時我拜訪的時候,其周圍的景緻稍嫌荒涼,而且跟大型購物中心緊鄰,地理位置上讓人覺得不是那麼的理想.但其本身在玻璃色調與光影變化的效果之下,360度的玻璃牆面,隨著光影角度的變化,不斷的變換其夢幻般色彩的身軀,讓這座建築在天際之間發揮其閃閃動人的極度魅力,讓人印象極其深刻且有感動的感覺.
另一個值得跟大家推薦就在諾曼第與布列塔尼交界處的Le Mont Saint Michel(聖米榭山),它是全法國最著名也是被世界文化遺產組織界定號稱世界最美的古蹟文化遺產之一.這座位於廣大沙洲中蕞爾小島上的修道院的光是來自於Louis Clair與Emmanuel Clair的構想而來的,他們在修道院宛如三角形的正面,透過營造出光的向上凝聚力表現建築面的精華,並藉由光的層次變化,把修道院建築的每個細節(連植物都考量進去)做細膩的立體表現,出來的效果驚人的富戲劇性.就這樣,在光影的變化之間,光每一刻的婆娑起舞,就像圓舞曲般的旋轉,跳躍與重複,激盪在人們的眼前.
PS圖片來自Une Tour bleue pour les 20 ans de la Journée de l'Europe.
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April 13,2008
Patti Smith眼中的世界
整個展覽以攝影作品為主軸,並集合她以色鉛筆手繪塗鴉作品與其較年輕時期相伴的美國著名攝影師男友Robert Mapplethorpe幫她測錄製作的多支Video,其中我們可以見到她在每個不同時期的精神風貌,包括她如何與工作夥伴共同合作的情景與她一些非常私人的生活與旅行等多面的想法.現場還有她最景仰且珍藏的法國詩人Arthur Rimbaud的作品集以及她以這位詩人為靈感的圖文創作.除此之外,從她的攝影作品當中不斷出現如教堂內外的天使聖者雕塑圖像或La Cene(耶穌的最後晚餐)的局部,以及在一些收藏品當中如耶穌基督受難流血的木刻雕像,可以想見宗教在她的心目中佔有何等重要的地位與價值.
最讓人印象深刻的是展場的氣氛,幾近黑暗的空間裡,透過多部Video在不同的位置不斷的放送所散發的光線交錯,同時搭配其強烈風格龐克搖滾的音樂或她如囈語般的語音撥放,在每張攝影作品所散發出來自她十分獨特的眼光之間,讓人在行徑當中,漸漸感受到她內在那異常強勁的感受力,讓我們不知不覺掉進她那非常個人的世界裡,隨著她因音樂撥放而出的熱烈激情,或隨著她因痛失靈魂伴侶的孤獨哀傷,把如長河般的生命裡,時而波濤奔放般的感觸,時而冷酷虛無般的情境,一一表現無遺,更呼應展覽最後一個Video中的海浪景象,時而平緩,時而翻騰,伴隨著她的詩詞吟誦聲的強烈氛圍,讓人忍不住跟著一起跌入沉思的情緒.
這是我看過最特別的一個展覽,在她的所有作品裡頭,看到的並不是創作者的概念如何的表現或創作者的技巧是否豐富,看到的是一個真正的藝術家如何竭盡的運用她的心力真切感受這個世界帶給她的每一個時刻的想法與記憶,更可以看到她完全駕馭且善用自己敏銳的天賦透過Polaroid 250(即展覽名稱Land 250的由來)去捕捉那讓她感動的每一個場景畫面,或以各色畫筆在結合Typographie的概念裡,專注勾勒繪出每一條飽含詩意的線條與每一面調性豐富的色塊,加上其文字旁白,讓人在她的筆觸與色調之間不斷的看到意外的驚喜.
PS圖片來自Feed Your Head,Site Officiel de Patti Smith.
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April 11,2008
充滿梵谷記憶的小鎮
眼看生命將走到盡頭的梵谷,神志反而變得異常的清醒,抑鬱寡歡的他,每天仍舊扛著畫架,在醫生允許外出的一個小時當中,努力揮灑他的畫筆上奔放的線條與色彩,他似乎已經預知他即將來臨的不幸,作畫時間雖然短暫,卻數量驚人,人物的眼神或景色的氛圍,掌握的絲絲入扣,震撼人心.
在他自殺後的一年,他的弟弟迪歐跟加胥醫生也追隨他的腳步離開人間,感情水乳交融的兩兄弟,死後就是在這座小鎮的墓地裡,緊緊的葬在一起,而梵谷之屋在他自殺之後,就再也沒有人在那裡居住過了.
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April 8,2008
Louise Bourgeois
Louise Bourgeois在當代超現實派的藝術家裡可謂是最長壽與最年長的一位,她於1911年出生於巴黎近郊的一個專長修復古老地毯的工藝之家,在一個充滿各色針線與陳腐待修的地毯與老舊家具的氣味且封閉得可以的環境中長大,家庭在父母表面的和諧下時時亦暗潮洶湧,因為照顧她的保母正是其父親的情婦,在許多被授意或似不經意的時刻裡,她看見了她的父親與保母如何的暗通款曲,以及其母親是如何的隱忍不做聲的只為了保護她與其他孩子的正常成長.
這摻雜灰色調的童年,正是Louise Bourgeois創作的根本來源,在她的作品當中,童年中記憶所及的家中一切,包括有形的與無形的,如陳舊的地毯或如代表性器的創作語彙符號,也許隱喻隱藏於某個角落,也許大膽反覆的表達呈現,尤其其1960年代時期的作品表現的最為激烈,雖然如此,La Cellule Spider, 1997,讓人在意味母親的大蜘蛛底下象徵禁痼的牢籠般的房間裡,那把披著破舊地毯的椅子正是暗諭其父親的地位,透過整個裝置語彙隱隱的表達出她對其父親的愛與恨仍是那麼的鮮明.
隨著年紀的增長,Louise Bourgeois的作品變得越來越成熟,尤其是1990年代後期到2007年的作品,儘管主題依然環繞在童年那些充滿傷痕的痛苦記憶,但她的創作手法卻變得較為溫和,也讓人覺得也較為平易近人,在創作媒材選擇上的轉變也可見出端倪,從早期的木材,藍紅色的臘,白紅色的大理石,鐵的鍛鍊到布的運用, 讓人見識到她的心境是如何的運轉其中.尤其她為她兒子Alain所創作從懷孕,孩子的出生,分娩到孩子的長大成人的The Reticent Child, 2003,在背後有弧度的放大鏡的反射下,同時充滿幽默的童趣,真是讓人激賞.另外,描繪其對兄弟姊妹手足之情十足懷念的Seven in Bed, 2001著實讓人為之深思動容.
PS圖片來自Centre Pompidou.
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April 7,2008
傳統新生命
我第一次拜訪日內瓦是在2005年的夏天,在幾天的停留期間,這座城市最吸引我的並非是那個壯觀的擎天水柱,不是雷夢湖(即俗稱的日內瓦湖)岸邊太陽底下的比基尼群,不是湖上船影點點的水上活動,也不是瑞士的巧克力與鐘錶,而是三五步就會出現的"牛雕塑作品".剛開始只是覺得好玩,當每到一個角落發現每隻牛的色彩造型不但不一樣,有些甚至還會跟周圍都市景觀搭配設計,呈現出其清楚的主題性,驚喜之餘,好奇心也油然而生,"到底有多少隻牛散落在日內瓦的每個角落?"
日內瓦的牛是由玻璃纖維製作完成,由不同的藝術家合力製作多達七十隻不同造型,不同色彩,不同姿態的牛,由日內瓦機場開始延伸至日內瓦的每個街頭角落,這個構想最出來自1998年的蘇黎世,由於獲得很大的成功回響,不只在日內瓦,在紐約,倫敦,雪梨,芝加哥,布魯塞爾等城市都可以見到這有名的牛雕塑作品散落在市區角落,2006年時,巴黎也做了一次這樣的街頭展示.
雖然最終在日內瓦沒能看見所有的牛的面貌,然而在追尋的過程中,卻讓我有了另一個想法在腦海裡逐漸成形,我不禁開始反問自己一些問題,這些牛雕塑作品其實是來自很簡單的想法而且由來已久,正如人類原始社會創造器皿或繪製壁畫時從動植物身上尋找靈感一樣的簡單,牛便是最早出現在遠古時代的主要角色之一,只因為牛與人類最基本的生存關係是脣齒相依的.
牛不論在東方的中國或印度,西方的埃及或羅馬高盧,都會輕易的見到牠在不同的時代,以不同的面貌形式,如雕刻,繪畫或純粹裝飾,存留在人類歷史文化的印記當中,深刻近似不可或缺.今天,有關牛的"記憶"幾乎都是傳統的,都是實用的,也正因為傳統實用的鮮明特質,讓有關牛的"技藝"容易被忽視而落入俗套窠臼,而難以跟當代藝術的走向接軌.
在瑞士的日內瓦,從各色各樣的牛的身上,我們看到了成功的突破,把一個傳統再造創造出其新生命的突破,而且是建立在與瑞士人自身傳統生活價值的基礎上,與現代生活作完美的結合.其他很多的傳統技藝何嘗不想跟日內瓦的牛一樣的想力求突破,想要建構新的面貌價值,尤其在歐洲,這樣的思維讓許多沒落的工藝美學有了新的生命.
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March 26,2008
甜點中的平面風景
說起巴黎最著名的甜點店,大家馬上會想起Laduree,Fauchon或Lenotre等等,但不知大家是否注意到這幾家甜點店櫥窗裡如陳列珠寶方式般的甜點們的長相面貌其實蠻近似的?甚至位於蒙馬特近幾年竄起步入大師之林的Arnaud Larher以自己命名的甜點店裡頭的甜點也有類似的情況.為什麼呢?這時候就必須提到當代法國甜點大師Pierre Herme.
這位來自亞爾薩斯的甜點大師在上述的著名甜點店都待過,Arnaud Larher也曾師承他的門下.Pierre Herme自己的學習歷程也深富獨特帶點幸運傳奇的色彩,從14歳開始,他就在Gaston Lenotre這位著名的當代甜點大師之一身邊見習,一路除了創新味道法則與甜點製作技術,尤其在甜點的視覺設計上做很大的革新,年紀輕輕便成為著名的法國當代甜點大師之一,並且帶領他們走向前衛精緻的造型風格,同時在日本東京創造以他自己的姓名命名的高級甜點店獲得很大的成功回響.
今天,他不但將法國甜點帶往充滿藝術風味的殿堂,並且成為法國人們生活中最重要的時尚潮流之一.我們可以在因達文西密碼而聲名大噪的Eglise Saint Sulpice旁的"Pierre Herme"欣賞並品嘗他那充滿創意視覺設計富平面風景的甜點,也可以在Ecole Ferrandi的Atelier Pierre Herme跟他一起追尋這如當代藝術創作般的甜點製作的秘密,更可以在Laduree品嘗那富Pierre Herme色彩的Macaron與各種甜點的美好滋味.
因此,當您有機會品嘗嚐當代的法國甜點時,記得,先三百六十度好好的觀賞它,細細的品味它的線條與造型,還有那些讓人心曠神移的繽紛色彩所帶來的在視覺上的美好效果,再來便是把您手上的刀叉慢慢的遊移,除了在甜點的外頭享盡視覺的饗宴,甜點的裡頭更可能帶給你意外的驚喜,請好好的享用那美妙的甜點當中的平面風景吧!Bon Appetit!
PS圖片來自France2.fr.
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March 23,2008
構成未來的Zaha Hadid
宛如一如預期般的,Zaha Hadid漸次走向建築的領域,並跨界設計,在充滿雄性權力的建築與設計的世界裡,以罕見的女性剛柔並濟之姿,成為全球最著名的當代建築師與設計師之一,更在2004年獲得建築界的諾貝爾獎Le Pritzker Prize最崇高的肯定.去年,Grand Palais(大皇宮)所策劃的Design Contre Design這個探討當代設計演進的展覽,最重要最核心的展覽作品之一,就是Zaha Hadid所設計的Banc Iceberg,這把椅子處處展現出她在線條流暢,造型簡約的設計能力上的功力之作,已經成為博物館當代設計的經典館藏之一.
今天,在全世界各地,不論是當代建築師競技場的杜拜,還是兵家必爭之地的中國,我們可以看見Zaha Hadid作品已經成形或正在成形的身影,雖然在獲得Le Pritzker Prize之前,她在建築作品上尚未出現代表作,之後,她的影響力卻明顯的與日俱增,尤其在進入2008年之後,她的作品正在世界各個重要城市以驚人的速度大量的增加之中.
PS圖片來自INTERNAUTE SAVOIR.
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