My Coffee Time

來自英國倫敦南邊郊區的2020年的Croydon規劃走向所引起的突發奇想,讓法國現任總統Nicolas Sarkozy繼續發揮其喜歡被媒體大肆關注的本領,邀請法國當今在建築與都市規劃最具聲望的十大設計師,從都市規劃,建築設計到環境整合,提前想像2030年的巴黎市結合郊區所形成的大巴黎風貌.(請見備註)

這個奇想希望所有參與的設計師,從中打破以環城高速道路作為界線的巴黎市與巴黎郊區,把整個大巴黎地區全新打造,突破過去與現在那阻隔兩方身分地位,有錢的中產以上階級與被白人社會邊緣化貧困的外來移民之間,那道無形的堅不可破的藩籬,但我們因此以為Sarko(以下用此簡稱)想爲一直苦無出路的窮人開創一道明光,那就錯了,他不但想爲自己製造話題而擁有不間斷的曝光率,主要企圖想在自己的任內留下讓後人”緬懷的話題遺產”!

巴黎自拿破崙三世時代,在當時巴黎市長歐斯麥男爵的大刀闊斧下,剷平許多的破落建築,並規劃出以現今凱旋門為中心放射狀的都市樣貌,接著密特朗時代不但承繼過去的精神傳統,並在這個基礎上,繼續拓展巴黎現代建築風貌,從拉得芳斯的大凱旋門,經杜勒麗花園,一直到羅浮宮由貝聿銘設計,動員驚人人力研發資源完成,在嚴格的溫度控制下特殊製作的玻璃架設的金字塔,還有巴黎十三區的法國國家圖書館那隨著光線不斷變化景緻的四大L型對稱座落的柱體建築,密特朗的最大貢獻正是那些建築遺產帶給巴黎非常興盛的觀光業,並提供了很龐大的就業機會.

連最近卸任不久的法國前總統席哈克都留下了由Jean Nouvel所設計的原始藝術美術館Musee du Quai Branly,從建築內外的設計,到內部藝術品的典藏規劃,做得相當的盡善盡美,讓把法國從盛帶領走向國力嚴重滑落的席哈克,總算對法國納稅人有個好交代,就是從法國本身過去歐斯麥男爵,密特朗到席哈克的對照,到Sarko一向崇尚的英國倫敦近幾年來在金融危機前的美好拓展的景象,讓一向愛好鎂光燈的這個總統更是不甘寂寞的有了這樣的突發奇想,也正因為如此,這樣想像的計畫,近來在整個法國引起很大的討論,假若這個從想像發起的二十年後巴黎的都市規劃有實現的一天,絕大多數的評論並不贊同.

尤其巴黎人幾乎持反對的意見,畢竟以那快速道路分隔的兩邊所繳交的稅制與稅金是明顯的不同,來巴黎拜訪的人不妨觀察一下每個社區的公園風格樣貌,就可以從中判對所處社區的好壞以及居民的社經地位,正是因為每個社區的居民的社經地位不同,所繳交的稅額不同使然,就法國人的一貫思維,付出的當然要有所回饋,而巴黎市與郊區的差異那麼的大,若要那些付出多的人把付出的分割出去,那是很困難的,更何況法國人的階級意識相當濃厚,環城高速道路那道界線,正是有這樣的隱含意味在裡頭,也正因為如此,當巴黎郊區發生暴動時候,巴黎市中心為什麼安然無事,也是這樣的思維所維持下的結果.

那樣透過環城高速道路作為區隔兩方階級的意識,早源自路易王朝時代與更早之前,巴黎市中心一些著名的公園廣場正是這樣思維的縮小版,壯闊的羅浮四周建築環繞下的杜勒麗花園與被美麗紅色建築圍繞的孚日廣場就是經典的好例子,而歐斯麥男爵在改造巴黎時,更把這樣的思維發揮的淋漓盡致,乾脆把窮人全部逐出市中心,而今天巴黎不只是都市樣貌,連社會生活運作的方法,都與之息息相關,因此這麼長遠以來即存在並根身抵固的想法,要從巴黎人身上移除,就已經是不可能的任務.如果再細細的從都市建築與規劃去探討,大到整體通盤檢討,小到各種管路與稅金配置,光是交通與治安的問題,就夠讓巴黎人畏懼,Sarko心目中那2030年假想的巴黎,根本是難以實現存在的美夢.

備註:”大巴黎”是巴黎市區與郊區連結,彼此打破藩籬,是指比今日巴黎市規模更大的”大巴黎市”,與此時”大巴黎地區”為法國一個省份的定義不同.目前與這個假想相關的展覽正在巴黎展出.

PS圖片來自LA DEFENSE.

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1919年在法國南部Rodez這座小鎮出生的Pierre Soulages,已經九十年的歲月與來日的生命,都與這個出生地緊緊相依,除了曾在巴黎生活的那幾年,他的生活方式或創作精神幾乎都歸依於此.

Rodez這座小鎮本身與周圍有著豐富的史前時代與羅馬時代的遺跡,充滿遺世獨立的味道,Pierre Soulages曾經熱切追隨當地考古學家腳步投入探堪考證的工作,在這段不算短暫的時期,讓他對史前壁畫與羅馬建築有著極深入的研究認識,並把1800年壁畫與建築中元素與精神活用在他自小著迷,運用不斷並陪伴他至今的黑色,做為他創作的基礎,在隨機自然的手法中,以蝕刻版畫與石刻版畫的技法,不斷的實驗,最終發現他那獨創帶著光線性質與極度簡煉的黑色創作系列.

當時才27歳的他,因緣際會的認識當代達達派藝術家代表性人物Francis Picabia,並在他的輾轉媒介下,Pierre Soulages的創作手法深受德國當代著名藝術家如Gerhard Richter的欣賞,從柏林出發,經由紐約,再回到巴黎的展出生涯,從聯展到個展,從沒沒無聞到聲名大噪,與當時時興以巴黎出發,經由紐約,再到世界各地的路徑大相逕庭,即使如此,熱愛原生土地歷史文化的他,還是把絕大部分的創作生活投注在他出生的鄉土上.

位於Rodez西北不遠處的小鎮Conques中那啟蒙他羅馬建築元素最重要的l’abbatiale Sainte-Foy,他以最崇敬的態度,在上千次直接在玻璃上的揮灑嘗試,成功的爲該座修道院繪製出裡外兩面均散發出特殊灰藍光芒別具韻味的彩繪玻璃,而曾經在古典派與浪漫派繪畫技法上給他最多靈感的le musée Fabre,2007年局部在他的協助完成整修下,更獲得他20幅含闊1950-1980年代作品的捐贈,使位在Rodez東南邊Montpellier的這座美術館從地方性藝術中心,得到更多的國際能見度.

位於巴黎的法國國家圖書館有其版畫作品的豐富館藏,以館方規劃的主題而定,他的作品時被以個展或聯展的方式展出,因此可以欣賞其作品的機會並不少,Pierre Soulages是法國當代藝術家中國際級的大師之一,在他極簡順暢饒富詩意直線/塊與橫線/塊的方形構圖中,在純粹的黑白之間或突來一筆鮮明的紅與藍,或大或小,虛實之間,在展場常見人們常被吸引得一再靠近,裡頭透出的光線韻味與空間語繪,穿透人們眼睛的同時,讓人忍不住跟著思索其想表達的意涵,若跟中國書法兩相對照下,其中的精神奧秘頗有相通之處,讓人不禁感受到中西文化如此的不同,精神性卻如此接近,深覺相當有趣.

今年十月,Centre Pompidou將會爲他規劃推出重大的回顧展,展場將會展出其平面作品,包括版畫與非版畫作品,也會以其平面作品立體裝置呈現出Pierre Soulages想要表現的建築性空間語繪,同時在這個回顧展期間,Le Musee du Louvre將將其超大尺寸作品以整座完整牆面在Le Salon Carre演繹展示,是繼Pablo Picasso至今的第二人.

PS圖片來自Images Pierre Soulages by Google.

近來時尚界的發表方式與想法走向越來越回歸其品牌初創階段般,為了節省不必要的支出,如在自己的工作室,以異常平易近人的方式請參與的人士一邊品嘗甜點咖啡一邊欣賞,拉近彼此的距離,或在自己的商店,讓走秀的模特兒如閒話家常般的以戲劇手法呈現,反而更具創意.這些品牌的做法來自於金融經濟危機不斷擴大的效應結果.

這波如滾雪球般的危機,讓對時尚品牌追求不遺餘力的法國時尚部落格經營者,除了把穿過的單品,不論衣服,包包,鞋子或眼鏡從透過網路賣出,以維持自身的購買力,此時荷包不但不如從前豐厚,比起以往更是緊縮許多,讓她們靈機一動,開始出現以聚會的方式,現場以物易物的方法,讓自己身上的裝扮得以有可以替換的對象,維持時尚形象,最重要的是可以幫自己節省下不必要的大幅花費,而這樣聰明有效益的做法,還讓THE NEW YORK TIMES(紐約時代雜誌)遠度重洋以驚嘆的態度加以報導.

而COURRIER INTERNATIONAL(國際通訊)在前幾週的專題報導中,以超過六頁的跨幅版面,大幅報導俄國因這波金融經濟如海嘯般的危機,尤其英國倫敦的情況遠比想像的嚴重,英國政府一連串的措施最終宣告無效,除了讓在倫敦大幅投資的俄國新興富豪財富縮水,甚至紛紛宣告破產,在沒有足夠現金流通背景下的俄國市場,也開始在網路出現無需現金的以物易物的交易手段,讓每個需要出清的商品,不論是小麥玉米或原料器材,都可以以交換的方式等同賣出,交換到最後,當出現有現金的交換者,其現金便是最後者的獲利.

在二十一世紀的今天,出現幾千年前如古代人們生活的方式,可以說是非常有趣的一種社會現象.這樣的現象不但頓然出現,而且還持續著,隨著時間,大家更體認到,在地球環境因過度開發與污染而充滿危機的今天,因這樣的現象而出現以物易物的做法,不但可以減少不必要的商品製造,讓人們的生活消費下降,間接讓各項的污染降低許多,在能源的節約上也有很大的幫助.因此,越來越受到法國普羅大眾的推崇,已經轉變為一種社會運動,更擴大到日常生活,意外快速成為並內化為基本應有的生活態度了.

PS圖片來自DEMEUREDUCHAOS.ORG.

當代商品的設計概念許多來自過去,以懷舊創新的手法不斷的推陳出新,環境保護意識強烈且持續的抬頭,加上去年中期開始的全球金融經濟危機,讓2009年的設計越向Design Durable靠攏的同時,也期望能夠更深入普羅大眾,在商品的風格與價格上,顯得較為樸實無華且親切可人.

像瑞士品牌Vitra與Freres Bouroullec以四年的時間,花費相當驚人的人力與財力資源之後,終於研發出以環保為出發,讓人們能夠親近些名為Vegetal Chair這樣的一把椅子,他們以大自然的樹枝為靈感,利用塑料材質的可塑性,在不斷的嘗試,失敗與調整之間,以平易近人的價格,穩定實用,輕盈有效率,符合人體工學且與能環境整合等五個訴求,希望把設計帶入更一般人的生活當中.

而在壁紙設計方面一向具強烈品牌風格的Farrow & Ball,也不約而同從大自然的元素中,去攝取圖騰的巧思,並且以更具經濟效益且比以往更具持久性的材質,把他們一貫的風格保留,結合不斷創新的印染紙張技術,使其壁紙圖騰更具鮮明的現代風味的同時,仍堅定維持其品牌長久以來的核心價值,深具歷史傳統色彩.

另外,在巴黎大大小小的餐廳有著歷久不衰地位的Thonet 14(1859),其精練曲線組成的整張座椅線條,輕盈卻穩重耐用,都是好的設計的特質,以其原型架構為基礎,今年,不少的設計師不約而同的在其椅背的空間想像,在支撐的”腳”度上,甚至在椅座造型,材質與色彩上,做了一些有趣革新的變化改造,150年間已經賣出5000萬把的這張椅子,這一年將會有各種不同再創新的精采面貌熱鬧出現.

不論是Freres Bouroullec最新的座椅設計Vegetal Chair, Farrow & Ball的壁紙圖案,還是新Thonet 14(1859)的出現,它們三者有個最大共同的特色,便是來自十九世紀設計的再創,除了讓人不厭其煩的Art Nouveau(新藝術風格)元素的多重運用,還有讓人們唸唸不忘的1950年的懷舊風格,加上大膽鮮明的紅黃與藍紫色彩,並以環保的技術創新他們的產品,使其設計風格充滿現代性,並企圖讓商品富含實用與意義,更期望商品在市場上的存在可以更為持久,以跳脫過去設計競爭的狹隘概念.

PS圖片來自Thonet 14 by Google.

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延伸閱讀:

平面的魔術師 Marian Bantjes

平面中的新藝術風格

如果讓我來選擇法國的旅行景點,在我的腦海裡,浮出的幾個選項中,其中一個便是充滿浪漫氣息的諾曼第北部海岸.

諾曼第這個離巴黎最近的省份之一,第一個讓人想到的景點有二次大戰美英聯軍的登陸遺跡,也是吸引大批英國觀光客滿足他們的驕傲感的觀光勝地之一,第二個就是舉世聞名號稱全法國也是全世界最美麗的歷史古蹟遺產之一,位於諾曼第與布列塔尼之間潮來潮往千變萬化的壯闊沙洲中間的聖米榭山修道院,第三大概就是內地遍布蘋果園產出好喝的蘋果酒與干邑白蘭地.當然,清爽美味的蘋果酒絕配的可麗餅也名列榜上.

諾曼第北部海岸線相當的長,從最東邊有著最著名如象鼻深入大海當中的白色海岸,往左蔓延,從懸崖砂礫灘,隨著潮水風向的變化,漸漸的轉變成白色細沙的沙灘,沼澤地的泥灘,最後出現大顆鵝卵石的礫灘.一路上的景致不斷的轉換變化,從白到青,從青變黃,再從黃變綠,綠再轉成灰黑,最後再度轉成白,不論在地形上或是色調上,變化不斷,豐富充滿韻律.

隨著福樓拜小說在台灣曾經一時的風行,接著普魯斯特的巨著”追憶似水年華”的發行,越來越多人發現諾曼第北部海岸的美好,尤其位於富樂喜海岸這一段,正是近代法國文學孕育誕生的精華地之一,我們可以在普魯斯特住過的旅館前,在藍天碧海與白沙之間,一起徜徉緬懷他作品中那個時代的人物在那裡的風華歲月與心境點滴.附近一帶的海濱區域,近年來更是英美與法國人喜歡投資置產的區域,在這裡我們可以看見許多珍貴難尋面向海景有著私人庭院的好房子,也可以找到180度欣賞潮汐潮往景緻的度假民宿.

這片綿延不絕的白色沙灘海岸,不但是巴黎人週末最熱愛的度假勝地,一直往西行,在著名的諾曼第登陸的歷史性海岸後半部,便是有著白色海鳥群集遍布的沼澤地形的海灘,這裡的海鳥多得數不清,多得當他們群飛時,可以蓋滿整座天空般的壯觀,牠們在那裡安然自若的覓食著生活著,也無畏許多慕名而來趁著退潮時分穿越整個泥灘前往海水方向盡頭的大批賞鳥者,依然自在的那裡清唱著牠們禮讚大自然之歌.

沿著海岸地形往北蜿蜒,最後會抵達一座深入英吉利海峽的寇特通半島.在這座半島的東北邊不乏迷人的迷你海邊小鎮,不論哪個季節,天氣好的時候,在燦爛陽光閃爍下,整座小鎮充滿美麗光影並反射出炫目的繽紛色彩,這裡有著美味的油漬海鮮料理,有著原始古老風情的石造小屋,每座房屋的門口門板上,更不乏以木頭或陶土精心製作有著號碼的門牌,教堂在陽光照射下閃閃發亮,它的鐘聲在青藍透徹的海水旁飄揚著,並且有著凝聚迷你小鎮所有居民的力量,婚喪喜慶都在這裡有著它們的份量,拜訪的那一天,正是爲了一個剛剛失去生命的孩子,全小鎮人家既哀傷又莊嚴的在那裡陪伴這個孩子進入天堂.

半島的西北邊才是我真正的目的地.從榭堡出發,沿著海岸線,右手邊大海閃閃發亮的光芒出乎想像的美好,沿途的海岸懸崖上,每幾公里的路程,就有一個觀景台,每個觀景台隱藏在大自然當中,低調如羞得難以想像,壯闊的海岸美景與人們在海面上驅駛的風帆,把沒有太多顯著波浪的湛藍海平面妝飾上點點的多姿色彩,,在半島西北一座一座海岸小山頭的盡頭,有著雜草叢生帶著最原始荒野味道下的白色礫灘,這裡的一切是那麼的寧靜,所有的事物是那麼與自然和諧共存,那唯一一座純淨白色的燈塔下,曾經在法國電影中,訴說著故事中那一幕幕不被當地人所接納的不倫之戀的浪漫場景.

原本隨性但又像被精心安排過般的船隻們,在有著藍色海水宛如人間仙境映照的水塘中停泊,那裡的一切是那麼的靜懿,視覺上是那麼的美不勝收,不論海風如何呼呼的吹,不論狗兒是如何的吠,在那與大自然幾乎完全結合一體天地盡頭般的世界裡,總是沒有什麼人們生活在那裡似的,氣氛平靜得讓人有些屏息,空氣潔淨的宛如夢幻,時間好似永遠凝結在那一刻,不再流動般的,讓人捨不得離去!

PS圖片來自My Coffee Time Pictures.

1989年柏林圍牆倒塌的那一刻開始,西柏林地下藝術的潮流漸漸的流向東柏林,也奠定了今天Mitte這個街區在藝術,時尚與設計聲望與日俱增的基礎.

Le Tacheles就位在現在東柏林這個最多藝術家與設計師出沒的地方,在一棟六層樓的建築物裡,二十世紀初期,這棟建築曾是柏林最好的百貨公司所在地,宛如巴黎左岸聖潔曼德沛的Le Bon Marché ,但最終不敵二次大戰的蹂躪,在炮火空襲中遭受嚴重的損毀,一直到1990年代,建物的擁有者以幾近免費的租金吸引來自全歐藝術家的進駐,讓這裡得以得到新生,也帶動了東柏林新的藝術脈動.

可惜好景不常,原本非常團結致力於塑造該地藝術潮流的藝術家們,在好不容易打造出來其頗大的影響力之後,開始對這個地方未來的展望,甚至當前的各種活動走向,在意見想法上產生越來越大的歧異,有人希望守住最初的理想,單純的創作與單純的展演,維持藝術家創作的最好品質,但也有人希望擴大版圖,讓這個地方更具聲望,在媒體之間搏得更多的認同與掌聲.於是,吵雜之聲近兩三年來不曾間斷,甚至不惜對簿公堂.

除此之外,建物的擁有者開始改變心意,爲了繼續保持其建物後來增加的價值,決定當駐紮當地的藝術家們的十年租約約滿後不再繼續,即2008年年底,希望把這棟已然深具名望的建物改建回到如二十世紀般的金碧輝煌的高級百貨公司,作為高級精品店與相關時尚產業的集散中心,企圖讓這個充滿塗鴉繪畫的著名地下藝術中心搖身一變為東柏林最具時尚影響力的金融商業中心,儘管藝術家們的抗議聲不斷,也儘管受到社會輿論的龐大壓力,但還是無法改變它即將消失的命運!

PS圖片來自Le Tacheles.

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沒有接受過正規繪畫技巧訓練的Francis Bacon(1909-1992),在Diego Vélasquez與Pablo Picasso的作品啟發下,以表現主義與超現實主義的風格,加上解構的手法,在平塗的色塊與背景之間,以扭曲的人物身軀,截肢的部分軀體以及充滿焦慮神態的人物表情,呈現出作品驚悚一面的同時,暖性的色調卻同時中和其中的唐突感,構圖與色彩在衝突性之間亦互相平衡的展現藝術家甚為獨特的創作風格.

1944-1945年是Francis Bacon(1909-1992)創作生涯的重要分水嶺,在這個年代前的創作作品並沒有得到大眾的共鳴,一部分來自於個人作品風格尚未清晰確立,一方面來自於他對自身作品不甚滿意,並且將之一一損毀.因此,今天我們所見到的他的作品絕大多數是他在那年代之後的創作結晶,從他在西班牙馬德里著名的Le Musee de Prado的Diego Vélasquez作品所獲得的啟發開始,與之後陸續在巴黎,柏林與倫敦之間往返的生活經驗的心血整合.

他個人從未正面承認其作品來自畢卡索作品元素所賦予轉化結果,也不認為Diego Vélasquez對他的作品有什麼直接的影響作用,反倒是對自己同性戀傾向的生活對其藝術創作的幫助相當認同.然而2005年巴黎的Le Musee Picasso所策劃的Bacon-Picasso這個名實相符的對照展,把Francis Bacon(1909-1992)從畢卡索上百張的鉛筆速寫所得到的靈感,到畢卡索的立體派時期的創作作品一一對照下,讓人不得不看見他自畢卡索作品身上得到的真是相當的豐碩.

2008-2009年可以說Francis Bacon(1909-1992)曝光率最高的兩年,不論是去年法國巴黎在馬德蓮教堂旁的La Pinacotheque,稍早前在英國倫敦的Tate Britain, 與Metropolitan Museum of Art,今年二月份接續前者的西班牙馬德里的Le Musee de Prado,幾乎連續不斷的出現他的蹤跡,包含主題展跟回顧展,讓這個橫跨現代藝術與當代藝術潮流的二十世紀代表性藝術家之一的他,在其身後近二十年的今天,在英國與歐陸之間仍然不斷的閃耀其藝術光芒.

PS圖片來自Le Musee de Prado.

剛收到的最新一期ELLE週刊讓我大笑不已,裡頭法國著名的時尚編輯Sophie Fontanel與耶誕老公公在巴黎花神咖啡店的那一場約會,把耶誕老公公的形象徹底顛覆,笑果連連,真是成功的應景企劃.

法國版的耶誕老公公果然超法國,爲了抽根煙,堅持不進入花神咖啡館,只想待在露天座位,還藉口說溫室效應太嚴重.這位超特別的耶誕老公公手上的煙,把經過的孩子們逗得很有趣,第一個孩子爲耶誕老公公的健康深感擔憂而啜泣,第二位孩子因為還沒想好他想要的禮物,卻意外過早見到耶誕老公公,讓他好傷心.

這個耶誕老公公也會喊窮,不但響應全球金融危機而舉牌自力救濟,當街向路人乞討鈔票硬幣(如附圖),還會把同行人員帶進Sonia Rykiel,要在場的人任意選購,卻無意付出半毛錢,還讓選購者得自行掏出荷包自己付錢.這樣的耶誕老公公當然還有其他的玩笑發生,讓同行的人內心滿載而歸樂開懷.好一個有趣的耶誕老公公,可不是嗎?

最後,非常感謝各位這一年來的拜訪,回應與打氣,並祝福大家耶誕節快樂!新年事事順心如意!新年後再見囉!!!

PS圖片來自ELLE法文版週刊.

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平面中不乏對社會現象的批判思考,經由圖像與文字,透過圖文隨機式或有計畫的整合,用直陳或隱晦的手法,溫和的把創作主題表現出來,甚至更直接大膽以挑釁的方式,挑戰社會大眾的視覺神經與思考反應,目標以引起廣泛熱烈的回響討論.

從古至今對社會現象有想法上的表現的藝術家並不在少數,近幾個世紀以來,越來越多的藝術家更在其作品中有特殊鮮明的表達,不論是為了攀附當時權貴的品味喜好而名利雙收,而從事的討好之作,雖然大鳴大放,但終就敵不過隨著時間流逝趨勢也隨之轉變的考驗,例如Rembrandt,或者是出生良好,但思想守舊充滿階級意識,為了想保持權勢而付出莫大的代價,乍然失去其過去努力自絕於流行偏好曾經得到世人認同的創作榮耀,例如Gustave Courbet.

正在Le Musee d’Art Contemporain de Lyon(里昂當代藝術美術館)所展出的Irrespektiv,這個展覽是Kendell Geers生平第一個回顧展,全部作品對現實當中的社會現象充滿思考批判,除了以墨水繪製展現大膽情慾姿態的色情圖像,還利用深具象徵與諷刺意義的回收媒材把作品具體成形:破碎啤酒瓶或被火燒得面目全非的汽車代表歐洲社會在白人主導下,有色人種因被各種隔離手段求助無門所引發的暴力行動;紅白塑膠帶子所包紮的各種宗教塑像所諷刺人們在宗教信仰中無法得到應有的慰藉,內在因而受到沉重傷害的迷思;牆面佈滿鮮紅色屍袋具血腥意涵的空間,企圖讓人們穿越的同時,正面直接的面對並引起內在的恐懼.

之前我在平面中的故事性中所提到的Stefan Sagmeister,他除了透過文字圖像,也喜歡利用裝置藝術的手法,對社會現象表達其具體概念,讓觀者在觀賞其創作的同時,無形中直接面對並思考他想要提出的社會現象議題,進而把觀者推入其所欲建構的思考共同體中,成為其中的主動參與者,把藝術概念行動化.然而,這樣的手法並非創新,早自普普主義與達達主義的藝術家作品中,”社會現象”便是普遍偏好的主題,除了造型,連色彩的選擇使用都有其特殊考量,即特殊意義的存在.

PS圖片來自Le Musee d’Art Contemporain de Lyon.

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 延伸閱讀:色彩在平面中可能的意義

平面中的故事性

1960年代末期的德國,浪漫派概念的攝影蓬勃發展,Hilla與Bernd Becher這對在Académie des Beaux-Arts de Düsseldorf(杜賽道夫皇家藝術學院)授課的夫妻教授,堅持走向寫實主義,企圖將戰後德國工業發展下的建築面貌與人們生活忠實的保存下來.當時,這樣的小眾概念在杜賽道夫皇家藝術學院的教授與學生的共同努力下,終於在進入二十一世紀的前後,不但開花結果,並且得到歷史意義上的認同.

2004年底,Le Centre Pompidou(龐畢度中心)為這群師生過去的努力策劃了深具肯定意義的回顧展,徳法媒體的相關報導,讓來自德國杜賽道夫的攝影概念得到大眾的迴響.今年,Le musée d’Art moderne de la Ville de Paris(巴黎市立現代藝術美術館)再度做一樣主題的策劃,所有展出的攝影作品,全部來自這所著名學院的師生,除了Hilla與 Bernd Becher這兩位教授作品與2004年底參與龐畢度展出的畢業學生作品,同樣畢業自這所學院,已經知名卻鮮少或從未在法國展出的德國攝影師也共襄盛舉,例如Laurenz Berges與Petra Wunderlich.

不論是過去2004年在龐畢度中心或今年在巴黎市立現代藝術美術館的展出,最受到矚目就屬近幾年在攝影方面創下罕見天價的Andreas Gursky的作品,儘管這回的展覽當中,他只展出一幅,其擅長以Photo Numerique的手法,在多次攝取同一個影像後,再以電腦與編輯軟體重新整合編輯修飾,在其偏好超大尺寸的攝影作品當中,我們可以巨細靡遺的觀看影像上的每個細微的細節,從各種建築牆面上的肌理,大小物品表面上的圖騰,大自然景觀中的風吹草動,街頭廣場中或股市活動中的人們的姿態手勢,甚至身上的配件與衣著背後的號碼等等,讓觀賞者猶如在實地般的投入畫面活動.

PS圖片來自Images Adreas Gursky by Google.

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意外的,今年與已故美國攝影大師Richard Avedon(1946-2004)相遇兩次,一次是在Jeu de Paume,另一次則在Les Rencontres d’Arles 2008.

在巴黎見到Richard Avedon(1946-2004)的攝影作品前一天,我才剛欣賞過Annie Leibovitz的作品,這兩位一樣享譽國際的美國攝影大師有不少的共通點:從自學攝影起家,各自擁有欣賞他們的伯樂把他們帶進時尚攝影圈,也一樣最擅長於人物攝影,而且幾乎同時在巴黎推出他們的回顧展.因此,大家不難體會,連續兩天看的作品主題有某種程度上的共同交集,即人物攝影與時尚廣告攝影這兩大部份.

若說Annie Leibovitz以保持距離的姿態細膩的呈現出人物平易近人的一面,那Richard Avedon(1946-2004)便是以極度親近的眼光,毫不保留的企圖將人物內在的情感挖掘出來;前者在講究的燈光與構圖下,把作品呈現的非常性感,充滿感性且多彩的氛圍,而後者卻偏好全白的背景與不精確的燈光下,喜歡在人物的肢體活動之間去捕捉那不完美卻充滿知性純黑白的瞬間.

由於Richard Avedon(1946-2004)曾有一段時間相當投入一些紀錄片風格手法的攝影,因此即使他轉入時尚廣告攝影或拍攝人物時,仍把紀錄片攝影手法帶入其中,相當令人欣賞,像他幫Dior拍攝的Dovima with Elephants,更是讓他一舉奠定國際地位的精采作品,而像那充滿瞬間活動力的Les Cheveux,肢體語言看似極限卻富含優美氣質的Veruschka,正在思索而感嘆般的Marian Anderson,嚴肅若有所思帶著感傷神情的的Truman Capote等等,都堪稱人物攝影精采的傑作.

儘管如此,我個人最欣賞並不是那些名人人物或奢華品牌的時尚廣告攝影,而是他較年輕時所拍攝的那些紀錄片式的攝影作品,在越戰戰亂中或社會低下階層中所拍攝的小人物照片(見1或2),他們那在困苦生活中刻畫出充滿歲月痕跡的臉龐,那因生活充滿不確定感而綻放出充滿哀傷的神情,還有他們那面對鏡頭時的生澀姿態透露出他們心中的那份深刻的無助感,再再才是讓我打自內心欣賞Richard Avedon(1946-2004)的最重要作品.

PS圖片取自Images Richard Avedon by Google.

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延伸閱讀:Annie Leibovitz's一個攝影師的生活

                   遇見阿爾勒

剛過去的這個週日,整個歐洲都下雪了,當然法國不少地方也是,尤其是高山區,像是阿爾卑斯山麓與庇里牛斯山區,雪下得很大,法國南部近阿爾卑斯山區,一夜之間也是白雪靄靄,離山區較遠地勢較低的都市地區則是下零星的小雪.

下雪的時候,我正在里昂近郊東北三十公里處,那裡有座著名的中世紀小古城,它的名字就叫做Pérouges,我非常喜歡這個地方,在法國政府的有效監督並給予相當的經費支援下,古城居民盡心盡力讓古績建築本身的保存相當完好,而且周圍充滿鄉村田野景緻,古城正下方坡地的草原上,不論春夏秋冬,總是有成群的綿羊安靜的在那裡休息,還有就是在這座古城裡頭有家自1912年便存在充滿古色古香風味,堪稱家戶諭曉的咖啡店L’Ostellerie du Vieux Perouges.

這家咖啡店就在第二代,第三代與第四代家族的共同經營下,室內仍然保存它原來的風味,天花板上外露的深褐色木樑,經年累月磨損但維持良好的木頭地板,中世紀特色的拱門作為空間的分隔,二十世紀前後法國美好時代風格的家具與餐具,還有一些過去時代人們品嘗酒類或廚具用品的收藏等等,尤其那最著名的甜點Galette de Pérouges,更是多年來只要路過附近,忍不住吸引我前往多次拜訪的最大誘因.

由於這週末的天氣更為寒冷,讓我興起再度前往品嘗它的甜點的慾望,就在傳統古老大壁爐中的木頭被火燃燒發出的剝剝聲與散發出那溫暖沉靜的木香當中,在穿著傳統服裝的服務人員專業悉心的服務之間,過去的這個週末雖然因初雪的來臨倍感寒冷,我倒是在這座中世紀小古城度過了非常溫暖的一段午后時光.

PS圖片來自My Coffee Time Pictures.

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備註:L’Ostellerie du Vieux Perouges集合旅館,餐廳與咖啡店.

網路把藝術的認同走向更多元化了.最近幾年,它除了方便系統整合古代與各個時期為數龐大的藝術作品與相關評論內容,加上高解析度與360度空間旋轉的螢幕效果,讓普羅大眾不用親自前往收藏的美術館或藝廊,也可以一親歷代大師作品芳澤,同時讓當代藝術的行銷或展出訊息更為快捷迅速,人們透過館方與藝廊建立的網路介面平台可以更深入認識了解作品呈現的起始想法與規劃方式.

這要歸功WEB 2.0的強大功能,透過它,越來越多的各式平面媒體投入網路市場,也正因為它帶來龐大商機的潛力,連世界知名的博物館,美術館,藝術中心與大小藝廊也想利用它傳播的威力,把所收藏作品做完整的整理,企圖透過網路世界開發行銷並挖掘諾大的潛在客層,最近MOMA de San Francisco的ArtScope 便成功把3500件館藏作品整合在一個看似平淡無奇以黑色基底網頁上,如萬花筒無限般的內頁卻讓人相當享受挖掘中所帶來的無窮樂趣.

除了大西洋彼岸的美國,歐洲在網路上的運用近年來也相當突飛猛進,更意外的讓以往難登大雅之堂的街頭藝術大大翻身,尤其塗鴉藝術更是前所未有的走入陽光.不再只是地下藝術,在短短的兩三年內漸次並嚴然成為當代文化中重要的藝術潮流之一,最近兩年內相關的報導與雜誌發行也日漸異軍突起.像MODART這本專門報導街頭藝術的雜誌,從今年年初開始發行至今,頗受好評.

這本雜誌把塗鴉藝術家創作開始的歷程,其作品風格以及想要傳達的社會性意涵,連相關網站連結,都做了完整清晰的整理,其中它所介紹過塗鴉藝術家BLU在柏林佔據頗大牆面的MUTO,光是透過VIMEO這個網站上欣賞的瀏覽人次已經突破四百萬,讓塗鴉藝術家與相關工作者受到相當大的鼓舞,網路世界無窮的拓展潛力,且日以繼夜的還在開發中,看來塗鴉藝術將會隨著網路更前進的趨勢,而將更昂首闊步邁進,不僅已然成為當代都市景觀的一環,亦將成為當代都市藝術文化中堅的一份子.

PS圖片為Ian Francis的作品.

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延伸閱讀:雅典記憶

不到一年的時間,從Dior Homme的最新一季男裝廣告,我們看到了風格已趨成熟的Kris Van Assche的確不負眾望交出了令人欣賞的成績單,姑且不論媒體在時尚週給予的高度評價,光是從這季廣告的平面設計就可以一窺端倪,廣告風格雖然十分簡單且與以往有些許的差別,在黑白兩色的對比中隱約展現的藝術性雖不似以往強烈,背景與主題之間的完美呼應仍與以往一樣直接突顯主題即服裝本身,人們在視覺中探觸到的那份律動感自然輕盈到幾乎不帶痕跡,讓Dior Homme的廣告自Hedi Slimane至今,仍然散發出十分的吸引力!

PS圖片來自Casafree.com.

Corbu Comme Le Corbusier這本書是這麼形容L’Architecture de Le Corbusier(柯比意建築)的:

“柯比意先生建築房子的時候,非常喜歡使用混凝土,他認為除了空間,光線與舒適居家設備,建築精神的表現與色彩的使用,也是讓人們得到舒適生活不可或缺的要素!”

這說法雖把他在建築上表現的精要介紹得非常清楚了,但事實上柯比意建築帶給人們在視覺上與在精神上的衝擊並非這麼簡單.

在Firminy-Vert的Le Site de Le Corbusier(柯比意建築群)便可以得到這樣的驗證,它是一個完整的城市建築計畫,主要包括La Maison de la Culture(文化中心),Le Stade(運動場/使用中),L’Unite d’Habitation(集合式住宅)與L’Eglise Saint-Pierre(聖皮耶小教堂),還有一座游泳池,共有五個部分.在柯比意原始的意向裡,他希望在解決人類住宅問題的同時,不僅在建築成本與所需的時間上有所節省,也必須講究生活基本機能,讓人們的生活回歸到自然與綠意共存,並且藉此計畫的執行給予地方一個重生的機會,而要實踐這樣的一個理想,則必須尋找一塊完整且具自然性質的區塊完成,Firminy-Vert這個過去沒落的曠工小鎮,因擁有科比意心中所認知的條件而雀屏中選.

由於建築過程所需經費不足和技術上的問題,讓進度一度遲緩甚至停擺,雖然間隔一段時間後一度繼續,但隨著科比意離開人世而完全停擺在那裡,一直到2003年之前,這座科比意心中的理想城市只有地面上局部如基座般的建築風貌,尤其冬天在白雪的覆蓋下,顯得相當孤獨無助如廢墟.儘管如此,聯合國國際文教組織從未放棄他們,La Maison de la Culture和Le Stade於1984年,L’Unite d’Habitation於1993年和L’Eglise Saint-Pierre於1996年,在三個不同的時間分別被劃分界定為世界古蹟遺產.

自2003年中下期開始,在建築師Jose Oubrerie(柯比意合作者)的奔走下,這座科比意城市建築的修復露出了一線曙光,並很快的於該年年終開始修復計畫會議,接著分階段開始執行修復計畫,經過了2004-2006年的艱辛過程,在堅持完全依循”科比意原創的精神”下,把這座科比意心中理想的城市建築群做了相當完整且堪稱完美的修復,尤其是L’Eglise Saint-Pierre更是一大傑作,光是建築外形的完成就耗費將近一年的時間,由於在建築品質上的嚴謹要求,連門把與鑰匙孔的打造這樣的細節也極度考究,施工過程不惜動用兩組建築修復團隊,力求符合科比意一向堅持的樣貌色彩.

繼瑞法邊境附近如香菇造型的L’Eglise de Ronchamp(1956年),以及位於里昂西北那以內在充滿精神性所賦予的活力著稱的Le Couvent de la Tourette(1959年)之後,這座2006年修復完成的教堂,不論那精巧幾何極富原創性的外觀造型,室內與室外的景觀透過方形或長方形窗戶的連成一氣,在光線的投射與反射之間,每個空間充滿詩意,天花板那經科比意精確考究而發展出的紅黃藍綠四色,加上科比意設計的家具原型陳列點綴之下,整座建築名副其實是科比意概念表現中心.

最上方四方立體近似錐形空間的禮拜堂,利用紅黃綠三色幾何造型的天窗所引進富變化性質的彩色光暈,與一面精心散布充滿詩意印象的圓孔群,將外面的自然光完美的引入投射建築內部,把以環型階梯的形式連綿緩緩向上排列線條精簡講究功能的祈禱長椅,以及混凝土原始色調的階梯,在光線的投射與反射的作用下,烘托散發奇幻迷人的味道,非常的引人入勝,即使人們在那裡的一言一行,在錐形空間的回盪反射下回音不斷,驚奇的是一點也不擾人,而且飽和充斥著科比意心目中在宗教上嚮往探究的那份精神性.

PS圖片來自My Coffee Time Pictures.

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巴黎當代藝術市集FIAC 2008,終於落幕了,比以往的規模更大了一些,參展的藝廊更國際化,作品水準也更為提升,法國政府部門更組織了二十人收藏委員會(九位相關部門人員,其他十一位當中大多為收藏家,其中兩位為藝術家),今年預計收藏五十幅作品,主要以視覺藝術作品為主要選擇對象.

延續去年的做法,展場分別散布在羅浮宮靠近賽納河邊的方形中庭,大皇宮那有著壯觀拱形天窗的中殿與杜樂麗花園的草地,當代藝術中心Jeu de Paume今年也加入共襄盛舉.由於這個博覽會的規模不斷的擴大,參觀的票價年年高漲,由於參展的藝術家的素質不斷提升,除了年輕新生代的當代藝術家之外,也越來越多有名望的當代藝術家透過他們合作藝廊推動的手而紛紛加入,例如1980年代以連續美容手術實況過程作為其代表作品的Orlan也赫然其中,加上媒體的推波助瀾,高貴的入場票價仍無阻於大批的人們前往參觀的興致.

我最欣喜的是Joan Mitchell的作品也陳列其中,這位不少作品身價頗高的美國當代女藝術家的作品承襲自印象派的概念,並融合抽象表現主義的技法,深受Franz Kline與Willem de Kooning兩位抽象表現主義大師的影響,乍看之下頗似Pierre Bonnard的作品局部與風格,其部分厚實的筆觸奔放在虛實之間帶細膩的感覺,可能是長期定居以莫內的花園著名於世的Giverny的關係,加上其母親頗具寫詩的才能,在家庭教育的影響下,她的作品色彩清淡優雅卻充滿著光影閃爍的味道,整個作品散發出一股淡淡的詩意.

另外,最讓我好奇的莫過於Jake et Dinos Chapman這對英國兄弟藝術家的作品,並非因為法國媒體對他們的一致推崇,而是他們的作品真的很特別,而且相當驚世駭俗,有異於一般人,常有豐富想法隱藏在裡頭,他們不斷的從過去的作品去挖掘創作的題材,以極度諷刺或辛辣幽默的手法,運用繪畫技法結合綜合媒材裝置的呈現,不斷突破作品表現的概念,這回他們的作品,有時讓人莞爾一笑,有時讓人仍有種不寒而慄的感覺,宛如更具外顯險惡表現力的當代格林兄弟.

PS圖片為Jake et Dinos Chapman的作品,來自Stiletto.fr.

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延伸閱讀:藝術?色情?戀獸狂?Kulik Oleg在FIAC2008

              巴黎當代藝術博覽會FIAC        

L’Art Nouveau(新藝術風格,又稱現代風格藝術)出現綻放於19世紀末到20世紀初之間,從L’Art Gothique(哥徳藝術)攝取養分,自英國醞釀發展,隨著時間散佈漫延於歐陸,受到這股潮流最大的影響且開花結果最為豐碩的就屬比利時,法國與西班牙,在現代繪畫,現代建築,現代雕塑或現代陶藝都產生根本的效應,最經典的代表藝術家與建築師包括Victor Horta,Hector Guimard與Antoni Gaudí,他們最著名的代表性的作品分別Hotel Tassel, Hôtel Jassedé與Palais Güell.

談到新藝術,就不能不談到維也納分離派代表人物Gustave Klimt,從他的作品出發去認識新藝術中的元素,是個相當好的管道,包括來自自然界動植物與各類花卉的粉嫩色調與線條圖騰,各種幾何造型在畫面上的重複運用與來自拜占庭文化中的阿拉伯風格裝飾,金色的色塊,圓潤流暢的線條與既繁複又反複的圖像,將之互相精心結合下,在各種可能的平面中,新藝術終於在二十世紀初中期發揮他那驚人的吸引力,成為現代藝術運動的重要潮流之一.

新藝術風格的作品除了表現在各種繪畫創作,也表現在建築內外的裝飾,在歐洲許多城市都可以找到蹤跡,也許是建築物入口處的雕花鐵門或棚架,也許是室內大廳的地面拼磚或佔據整個牆面的壁畫,小到各種居家物品與餐具器物,新藝術可以說是十分貼近生活的一門藝術,運用在建築與設計時,與L’Art Decoratif(裝飾藝術)可說幾乎是等義詞,也正因為貼近生活,其所運用的材質也相當廣泛,涵括鐵,玻璃,石塊,磚,木頭等等不勝枚舉,主題也非常廣泛,大自然中的動植物花卉轉變出的圖騰,具像與意像,寫實或幾何,分別或交錯運用,甚至也會出現神話中代表善惡兩極對立的蛇魔,飛龍或天使等等.

在新藝術蓬勃發展的時期,法國就有不少該風格的經典建築與經典繪畫的誕生,善於保存古文物的法國,在政府每年一定的維護經費以及本土企業與外來龐大資金(美國為大宗)的贊助下,至今將它們都保持得非常好,很值得前往參觀品味一番,如Le Musee d’Orsay(奧塞美術館),Le Grand Palais(大皇宮)與Le Petit Palais(小皇宮)的建築外觀與建築內部,許多部份仍洋溢著新藝術風格的美好記憶,尤其奧塞美術館那以鐵鑄與玻璃建築可引進自然光大圓弧屋頂的一樓大廳,牆面反覆運用的壯觀花紋雕刻圖飾與那精雕細琢的金色大鐘,正是欣賞新藝術風格的最佳典範.

除了美術館,巴黎街頭也可以發現新藝術風格的驚喜,拜訪蒙馬特時,阿貝斯地鐵站新藝術風格的出入口,與那佈滿大街小巷的Henri de Toulouse-Lautrec與Alfons Mucha以及人稱La Belle Epoque(法國美好時代)的海報複製商品都深具吸引力,後者精練流暢的線條與粉潤明暢的色彩所散發出來的濃厚時代精神,把過去新藝術風格在平面上的運用極致展現無遺,當代從事與平面設計相關的藝術家與插畫家也仍受到相當的影響,例如日裔美國插畫家Audrez Kawasaki的插畫作品正是來自日本漫畫與巴黎新藝術海報風格的結晶.

雖然新藝術風格曾被人們一度遺忘,由於當代藝術設計的潮流走向個人化表現,它的元素被越來越多當代設計師與藝術家所追尋運用,在上回所提及的Cathy Pill把哥徳藝術創新活化的同時,延伸自哥德藝術的新藝術風格也是她攝取靈感的來源之一,將大自然的花卉圖騰與幾何線條的拼貼重組,轉化為個人設計語彙,讓新藝術元素在伸展台上依然活躍,近年來新藝術風格插畫家James Jean與Prada合作十分成功的時尚動畫Trembled Blossoms,也是新藝術風格再次現代化的重要範例.另外,將新藝術元素在平面設計上發揮得十分具個人色彩且深具魔幻力,我之前介紹過的Marian Bantjes,也值得一提再提.

PS圖片來自Images Gustave Klimt by Google.

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1971年,在Rolling Stone以John Lenon為封面的黑白攝影而一鳴驚人的美國女性時尚攝影師 Annie Leibovitz,直到1983年都專職於這本報導搖滾樂的專業經典雜誌,並完成142張精采封面與數十個精心策劃的成功專訪,Bob Dylan ,Bob Marley和Patti Smith都曾在其手中留下歷史性的鏡頭.1981年,就在John Lenon被暗殺的數小時前所拍攝完成的全裸的John Lenon依偎在其妻Yoko Ono這張封面照片,更是讓她奠定其國際級攝影師地位的經典作品.

之後,她轉投Vanity Fair的懷抱與1990年代末期與Vogue的合作至今,同時也從事時尚廣告攝影的工作.她爲Demi Moore所拍攝懷孕全裸的側影,也是她著名的攝影作品之一,當年還登上Vanity Fair封面而引起廣大的討論旋風,她幫Disney掌鏡的一系列廣告,讓Scarlett Johansson,Beyoncé Knowles,Rachel Weisz,Julie Andrews等演員明星一一傳神的化身為格林童話裡的主角,更為她以往以來的攝影風格添加童話風貌的夢幻色彩,義大利咖啡品牌Lavazza的廣告今年也選上她負責操刀,融合她在Disney廣告中新建立的風格加上原本的個人習慣的運鏡手法,將Lavazza一系列廣告表現得既性感又帶有知性美.

Annie Leibovitz擅長人物攝影,由於曾在San Francisco Art Insitute學習繪畫技巧,其攝影作品如同繪畫非常講究取景構圖,肌理表現,色調配置,光線安排與人物眼神姿態,其所完成出來的攝影作品猶如現代化的古代繪畫,在強烈燈光與簡單背景之間,十分講究人物身上的每個細節,包括表情姿態與髮式衣著,在她銳利帶著距離的目光下,呈現出的作品風貌卻很親近人心,不論是當代最長壽的藝術家Louise Bourgeois或是一些著名的攝影師,藝術家或建築師如Richard Avedon,Cindy Sherman, Philip Johnson,還有英國女王伊麗莎白二世等等,他們在她的運鏡下跳脫以往人們對他們的既定印象,讓人們對他們隨之重新做新的思考與認識.

她這第二個攝影回顧展從Brooklyn Museum de New York出發,在全世界幾個著名的美術館與當代藝術中心的巡迴展出後,今年終於輪到巴黎的La Maison Européenne de la Photographie展出,這也是她首次在歐洲所做的個人回顧展,這個展覽名稱為A Photographer's Life(1990-2005),之所以以此為展覽名稱,攝影師本身做了一個很好的說明,她認為在她的生活裡,攝影工作與私人生活是無法分開的,她其實只有”一種生活”,不論是工作,家人,朋友或只是她個人的各種想法下產生的作品都是在這樣的生活方式下誕生的,尤其她跟美國著名散文家Susan Sontag之間的緊密的生活關係所產生的作品最震撼人心,她把後者臨終前對抗癌症的憔悴病容忠實呈現出的那一系列作品,讓展場氣氛一度充滿矛盾,那些風格強烈的時尚攝影與溫馨可人的家庭聚會照片,讓人顯得喜悅,卻又因Susan Sontag的病容而受到驚嚇且感到哀傷.

我是在七月份時參觀這個展覽, 目前展覽已經結束一個月了,後續仍有一些觀賞者的相關討論,有些人觀展後覺得她是一個真誠的藝術家,把她生活中的點點滴滴忠實的紀錄下來,讓一個攝影師的生活清楚明白的呈現在世人的眼前,但在法國這樣十分重視個人隱私生活的國家,反對的聲音更多,在人們的眼裡,那樣呈現私密的生活顯得過度,多數人從一個展覽當中渴望看到的是藝術家的作品,而不是其太過私人的生活,尤其她的摯友Susan Sontag那一系列照片讓人看了的確並不太舒服,正是因為太直接太忠實了,我自己則是贊成反對的一方.

PS圖片來自Images Annie Leibovitz by Google,其他述及圖片亦請見左列網站.

從小便一路追隨大師們腳步的Pablo Picasso(畢卡索),到成為吸引世人目光無與倫比的現代藝術與當代藝術大師,從他那個時代的當代,直到今天我們所處的這個當代,他仍然是製造話題最佳的引爆器.法國兩大最具全球性聲望的美術館Le Musee du Louvre(羅浮博物館)與Le Musee d’Orsay( 奧塞美術館),在策展能力聲譽卓越Le Grand Palais(大皇宮)的帶領下,共同攜手推出一個最爆炸性話題的展覽Picasso et Les Maitres(畢卡索與大師們),爲這即將接近尾聲的2008年與接著開展的2009年初有個完美的結束與開始.

來自全世界著名美術館的館藏與私人收藏,總共高達210幅作品,除了畢卡索本身的作品,從文藝復興時期的Titien(提香),浪漫派時期的Delacroix(德拉夸),現代藝術之父的Cezanne(塞尚),野獸派的Matisse(馬諦斯),印象派的Manet(馬內),Monet(莫內)與Gauguin(高更),到與他共創立體派的好友 Braque(布拉克)作品等等.整個展覽歷經三年的策劃,研究,商借收集作品到展出,包括現場展示空間的規劃,主題與時間的安排,還有因每幅畫作保存上所需的溫濕度的不同等等,讓技術人員尤其在燈光投射的強度上必須非常謹慎小心,為每個環節可是傷透了腦筋.

這展覽的企圖在於將畢卡索其畢生創作的所有重要作品靈感來源,做清晰完整的對照演譯,把他每一幅作品與其靈感來源的大師們的作品一一成雙的並列展示,在直接的對照與說明之間,讓我們得以一窺畢卡索是如何的以大師們的原作架構,從早期古代繪畫所攝取的養分,從現代藝術與當代藝術以及非洲原始藝術中所受到影響,加上他那個時代的當代藝術同儕的互相激盪下,如何結合其所得到但非獨創的創作語彙,進而誕生出那一幅又一幅充滿話題性的藝術作品.

畢卡索從其早期的藍色時期與粉紅時期開始,在藝術創作上便擁有相當的聲譽,由於他在藝術創作上的多變性,讓他跟各個重要的現代藝術與當代藝術思潮的各個流派都有相當默契上的關係,不論是二十世紀前後的印象派,野獸派或立體派,甚至1960年後因Marcel Duchamp的Ready-Made概念下,隨之當代藝術時期開展的達達派或普普藝術,畢卡索就像海綿般,不斷的攝取,不斷的吸收,並不斷的創作,不但作品的產量多得驚人,而且作品的價值在他創造話題的一流手法下節節攀升,身後其作品價值還頻頻打破世界紀錄.

畢卡索不僅在各種技法概念結合的繪畫創作一直維持不墜的聲望,在版畫創作,雕塑創作與陶藝創作各方面,他也是藝術史上不可或缺的重要靈魂人物之一,在獨創的單色拼版印色的版畫技法,充滿原始藝術況味的現代雕塑與豪放不羈充滿詩意的造型釉色表現,讓他在現代藝術與當代藝術上的貢獻,不僅只止於繪畫上,也在現代版畫,現代雕塑與現代陶藝三個領域,不論是觀點或是技法,在創新方面佔據非常重要的地位.然而,這樣的畢卡索的誕生不是偶然的,他的父親顯然功不可沒.

畢卡索的父親是一位平庸不得志的畫家,在中學任職教導學生繪畫,並傾其全力的栽培他這個年幼便展現驚人繪畫天賦的兒子.於是,畢卡索便開始其一連串豐富的學習經歷,歷代大師作品的圖片仿作,各種取景構圖的安排訓練,還有各種繪圖的技巧,並持續親臨一些重要美術館,像位於馬德里著名美術館Le Musee du Prado與日後在巴黎的Le Musee du Louvre,不斷的臨摹大師們的作品.自青少年時期開始,才十四歲的畢卡索,不論是來自歷代的傳統技法或是各種最好的構圖探索,不但難不倒他,而且還有近乎大師級們的水準.因此,一路這麼走來的畢卡索,就這樣的從大師們的作品中不斷的去挖掘主題去創造自己獨特的作品,已成為現代與當代藝術大師的他,儘管一度被視為手段靈巧的剽竊高手而備受爭議 !

PS圖片來自Le Grand  Palais.

(注意:文字未經本人同意或清楚註明出處,請勿任意轉用)

延伸閱讀:Oh My God!畢卡索-Une légende toujours vivante 永遠的傳奇

L'Architecture Gothique(哥德式建築藝術)主題內容幾乎都環繞在宗教的範圍內,在中世紀充滿戰爭與瘟疫的陰影下,這個時期似乎總被一股莫名的黑暗氛圍所籠罩,這是個低下階層的人們普遍處於貧困愁苦的時期,卻隨著上層社會在經濟強大的發展下的龐大捐獻,以及具社會主導力的樞機主教們急欲張顯其政治權力的野心下,讓中世紀的中下期陸續出現藝術史上花費非常昂貴的許多教堂建築傑作.

那精雕細琢的尖塔與飛扶壁,那令人讚嘆的內部拱形頂端挑高高度,那教堂入口上眾多大小雕塑的表現手法,那每個廊柱上的細部裝飾,還有那引進光線的彩繪玻璃上的圖騰,姑且不管在時間上或在金錢上的耗費有多麼龐大,光是其建築所需的工藝技術,就夠讓人敬佩,再再都讓人見識到宗教在當時那樣無人可比擬的強大影響力.這以法國北部為基地發展的哥德式建築藝術,不但在Paris(巴黎),Amiens(亞眠),Rouen(盧昂)與Chartres(查特)等當時經濟發展強勢的重要城市結出驚人的果實,且持續的發光發熱得以蔓延整個法國與整個歐洲,直到文藝復興時期的開展而日漸勢微.

而有趣的是,在當代與現代藝術設計中,不少藝術家與設計師喜歡回歸其中去尋找靈感,從教堂建築本身眾多的線條造型,或從教堂內部來自自然界動物花卉的裝飾圖騰,運用現代的技術,融合各種可能的技巧,去發展出自身獨具風格的作品,最著名的當代藝術家當中,把哥德式建築藝術的概念極度簡化且相當成功的有L’Art Minimal(極簡派)中的Walter De Maria,儘管對他的作品Gothic Shaped Drawing(1965年)有相當的認識,但當看到他的作品時,還是不免有難以言諭的訝異,只因那以金屬框架出的圖像是那麼的簡單,其背後卻有這麼個富有意涵的想法,若欠缺對藝術家應有的認識,要人們理解還真是不太容易.

除了當代藝術家活用哥德式建築藝術概念作為創新其自身藝術作品的語繪之外,在室內傢俱設計,在服裝誅寶設計,以及在生活用品設計上,都可以輕易的見到其潛在的影響力,尤其造型與色彩的活用,不但讓哥德式建築藝術不再給人太侷限於宗教的色彩,而且非常富有現代精神,Cathy Pill這位來自比利時的設計師,在巴黎的第一場服裝秀,便是以1920年代哥徳式建築中的彩繪玻璃圖騰再造其服飾上的圖案而驚艷巴黎的服裝設計界,並在2006年開發其獨自設計師品牌,在她的巧手下重新組織創造的圖繪,以拼貼與印染的交錯運用下,讓人不禁對彩繪玻璃進一步用不同的觀點欣賞,讓哥德式建築藝術色彩更跳脫過去給人來自黑暗時期的宗教印象,在人體的姿態移動之間隨之轉變得富有活躍燦爛的新活力.

PS圖片來自Vogue.com.