Brilliancy

穿著去年香港演唱會上買的Robert Smith大頭 tee 去看The Cure，有種莫名的優越感......


Robert 似乎比去年此時瘦了點，是我距離舞台太遠的錯覺嗎？


開場前一直擔心Madison Square Garden沒坐滿 (約七成左右，隔天在Radio City還有演出分散了票源)，會影響The Cure的心情和表現，沒想到紐約觀眾的熱情，完全彌補了這點遺憾。

鼓譟聲、尖叫聲不絕於耳，還有人自製海報舉了一整晚，這種偶像歌手演唱會上才看得到的舉動出現在場上實在很歡樂。Robert看起來真的很開心，比起香港演唱會說了不少話，雖然大部分我都聽不懂 (除了Thank you之外，只聽得懂 "it's fucking amazing"，"fucking awesome"，"I speak English very clearly"...嗯？)。在Lullaby、Close to Me、Why Can't I Be You? 等歌的時候還放開扭了幾下，後來有歌迷從台下遞上玫瑰花，更是讓他既害羞又興奮，直喊著"this is stupid~"，然後舞蹈動作越來越多......

從九點多唱到十二點，The Cure照例非唱個三小時不痛快，照例 Friday I'm in Love 接著是 In Between Days，照例要安可三次 Boys Don't Cry才會出現。不照例的是Robert Smith龍心大悅的模樣真是太可愛了。看著喜歡的樂團被歌迷取悅，真是一件爽快的事。

大鼓前方紅紅的就是迷妹送的花

Friday I'm in Love，螢幕上出現一堆愛心



ps. 昨天鄰座的大叔也來看了The Cure，聽到我去年有跑香港場，覺得很有趣。
"那你們有留Robert那種髮型嗎？" 大叔問，抓了兩把頭髮舉起來。
"當然沒有啊~誰會留那種髮型啊？"我說。
"哦...我們二十年前都有～很流行耶！" (得意貌)
搖滾老頭真是很不可思議啊！

The National

昨晚R.E.M在Madison Square Garden的演出由The National開場。

距離上一次看The National 已經半年，當時是五六百人的場地，爆滿的盛況記憶猶新。而今在萬人場館替R.E.M暖身，座位上稀稀落落，走道上來來去去，難免有大廟欺小神的慨歎。


Modest Mouse


Modest Mouse 隨後上場。

老實說，Modest Mouse的現場實在差強人意，主唱聲音資質真不好，樂器表現也相當零亂。


R.E.M


主秀上場，整個舞台、燈光馬上活了起來。

Michael Stipe以一種和他年紀、外貌完全不符的風騷姿態和嘹亮嗓音，掀起一連串八零的浪潮。那些歌有的和我年紀一樣大，有的才剛剛面世，卻一點也沒有時代的隔閡。鄰座的大叔告訴我，他第一次看R.E.M是在1984年，當時R.E.M還在替The Police暖場，而他正好是我現在這個年紀。過了25年，Michael Stipe除了變成禿頭以外，仍是個帥氣無敵的偶像。

記得R.E.M曾在一篇訪問裡說，他們發行第一張錄音室作品之前，就已經巡迴各地、跑了兩三年的演出，"現場經驗"是他們音樂創作上很重要的養分，也是他們最重視的部分。我想，老團不死，也沒有凋零的跡象，就是因為這些珍貴養分吧！(suck young blood?)

Johnny Marr客串兩曲


鼓手Bill Berry : Michael, what r u doing?!

直到這一晚，我才明白，Sigur Ros的音樂其實是喜悅的、明亮的。低鳴的吉他不是夜裡的嗚咽，而是戀人的耳語。清澈的琴音不是孤絕的浮冰，而是微亮的晨曦，醞釀著金光爆裂的瞬間。當所有樂器轟然急下，Jonsi的鬼魅吟唱，終於激盪成尖銳的星芒， 和四濺的鈸聲匯成一道道光束，從耳朵流進血液，充盈而暈眩。如果聽Sigur Ros會不小心流淚，我想那是幸福滿溢所致。

今年Summer Stage最有看頭的免費場－Vampire Weekend。



中央公園的綠意舞台



一邊出大太陽，一邊下大雷雨



雨最大的時候相當慘烈

Vampire Weekend主唱：You look even more beautiful in that wet! (主唱都要學著講場面話)

Talking Heads首腦David Byrne近來和紐約一公共藝術組織Creative Time合作，將南岸漁港的歷史建築Battery Maritime Building，改造成一個大型聲音藝術裝置。

Battery Maritime Building建造於1907年，原本是曼哈頓往來布魯克林的渡口，後來功能被地鐵系統取代，就以古蹟保存至今。走進這棟建築，感覺像走進華山酒廠，有一種後工業時代的僵直氣息。斑駁的牆面，長滿紅鏽的金屬，百年來的潮汐和海風加速了老化的痕跡。走上二樓即是展場，一架古董風琴置於大廳，藍色、黃色的纜線連接琴鍵，另一端則接到牆壁、水管、樑柱、甚至暖爐等，全都是原本就存在這個空間裡的物體，利用彈奏時牽動終端的物體發出聲響。也就是說，當你彈奏這架老風琴的時候，其實是在彈奏這整個建築。

有些民眾試圖彈奏出一段旋律或節奏，但所組合起來的聲響，就像每天在紐約街頭的工地噪音－樑柱是尖銳的金屬碰撞、空心管路則發出低沉的機器開鑽聲，迴盪在廣大的廳堂裡。難怪入場參觀前要簽署一份同意書，如果你身心無法負荷，David Byrne和主辦單位可是不負責任的！

 
琴很美


琴的背面也很美

 

終端的裝置

原文轉錄自 http://www.indievox.com/post/brilliancy/42

昨天在 OXYMORON - 白痴奧克西 的文章Congrats! Mr. Lu!回應：

廣仲不是已經在主流唱片工業裡了嗎？
就像張懸的成功一樣，主流唱片公司不斷從獨立圈挖掘有賣點的音樂，
然後用大筆鈔票大肆宣傳，塑造某種形象，
打著獨立音樂的旗幟，行主流包裝之實。
這對獨立音樂圈來說是好是壞，還得再觀察。

以Coldplay首波宣傳的Violet Hill，以及給iTunes在電視上狂打廣告的Viva La Vida為例，
看看這兩首歌的層次，很難讓人相信商業導向不會影響創作力。
但我相信等到Coldplay有Radiohead的地位. 財力. 影響力的時候，
他們也會跳脫EMI的管束吧！這應該是趨勢。

只能期許廣仲在主流的環境裡還能繼續做自己喜歡的東西。

我想我應該把自己的觀點表達清楚一點。

之前張懸、現在廣仲的成功意味著什麼？獨立音樂開始獲得市場重視，主流唱片公司開始重視原創精神？抑或是，獨立音樂人唯有藉著大規模的包裝宣傳才能獲得商業上的成功？

當然，這兩個問句並不是非A即B的問題，但無論何者為是，主流唱片公司會因此學會做音樂、做藝人的方式嗎？不會，主流唱片公司本來就不是做音樂的，他們是賣音樂的，以最大利益為考量無可厚非。而張懸、廣仲的例子只會讓他們從中學會：獨立音樂是可以賺錢的，打著獨立音樂的旗幟，行主流包裝之實是容易成功的；直接收編那些具有一定 fan base的獨立音樂人，也比做一個新人省錢省力多了。

或許你可以說，因為廣仲的音樂好聽，所以經過主流的包裝才能夠大紅。這點前提能夠讓主流唱片公司反省一下，回歸音樂本質。但好音樂究竟只是加分作用或是具有決定性關鍵？現實一點來說，沒有主流的包裝，廣仲的音樂再好聽也不會大紅大紫。別忘了，音樂好的地下樂團一堆，但他們什麼都不是。

因此在我看來，廣仲的成功並不會影響音樂工業的運作模式，也不會改變多數消費者依循電視、電台廣告作為指標的消費模式，只是更鞏固主流廠牌這套廣告宣傳模式，並摸索出更多應用方式而已，對台灣整體音樂環境並沒有太大的助益。而收編獨立音樂人進入主流體系，究竟是好是壞？嗯，再觀察。以前我們老是說，主流體系會害慘有實力的獨立音樂人，現在看起來主流廠牌越來越會"做"這一塊了。而且，那些在主流體系裡締造銷售紀錄的獨立音樂人能多賺點錢、過好生活也是真的。

所以，請努力擠進主流體系吧！獨立樂團們！

ps.
1. 獨立樂界一哥1976也在近日簽給SONY BMG了。Indie or Mainstream? To Be, or Not to Be? 這問題有得延續了。