創作，指的是：創新的作品。既名為創，免不了會有破、有傷，銳意革新才有所得。這對於沒有基礎的新手，是容易的；彷彿只要不同，就可以佔盡利基。對於老手，特別是科班出身教養完整的老手，就有很多看不見的障礙要穿越，非得搏命一擊全力以赴才得些微的蛻變，並不容易。
生於緬甸，在藝專畢業，鍾奕華實實在在是台灣科班出身。1992年第一次個展，同年作品進入太古佳士得香港春拍，作品質量確有可觀，首展距今將近20年，不可不稱為老手。這樣的創作者，卻將這次的個展稱為「蛻變」，怎麼說？
出身學院，對於美術史上流派變遷，各家風采的涉略與研究，當然必不表淺。所以之前的創作要附麗於或表現主義或印象派或寫實，技法的純熟一點不是難事。重點是這樣創作理所當然，但專屬於創作者的獨創性呢？怎樣去看見？
當創作者的心裏有個觀賞者時，他的目標在外，他的呈現有個關注的眼睛，自不免會受人關注而影響。所以作品的曼妙、精巧、或是落落大方，都有個準繩。鍾先生的作品藏家如雲，眼光獨到刁鑽，自不免有鞭策之意。但對於藝術高度的追求，則無法假以外力。唯有創作者孤獨面對。在放下畫廊的經營，偕同妻子南下定居後，沒有了外界人情世故的干擾，心也就靜了。畫畫，回到了單純的人畫兩忘的境地。此時，畫作變了。
向來被視為討巧的金色被用上了，用來讚美隨筆畫出的豐腴女體，在奔放貴氣的用色外，又巧妙的回歸到向女性的、原型、瑪莉亞、大地之母致敬。卻更奔放，更源自於孩童時期對母親飽滿的愛意。
他運用了點描法，卻絲毫不見秀拉Georges Seurat的規矩自制，反而是讓南台灣的陽光與色澤佈滿畫面，熱力十足，非常罕見。即便是以台灣鄉村為主題的早期台灣畫家，也不曾以如此「艷色」揮灑，這自然是融合了畫家血液中的南洋養分、童年記憶，以及美感經驗而成。
在他的畫作中，植物是巨大的，大甚於城市。這也是孩童的觀點，近的巨大些，遠的渺小些。或在油彩上刮出線條，改變圖與地的賓主關係，創造曖昧的平面空間感，或是油彩平塗，敷色時，卻故意對比色並置，創造刺激的平面錯視，運用野獸派的用色卻回到了印象派的視覺感，有些部分甚至運用硬邊處理，這也日本浮世繪被印象派轉換的技法處理，把大膽活跳的艷色以線條穩住，但不求沉穩。
如同他在藍色沙發上，放進充滿童趣的抱枕。這就是老畫家遇見內在的孩童，他們在畫裏彼此相愛。自此，這畫家已不再被他傳統的教養束縛，相反的，他巧妙的轉換了，創新了。這是確實是他的「蛻變」。更讓我好奇的是，蛻變之後，他還將怎樣揮灑？期待。
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