粉紅機器人六號的香蕉共和國

不知道還有多少人記得Killing me softly with his song這首由Roberta Flack演唱的經典情歌，收錄在其1973年出版的Killing Me Softly專輯裡。

我想許多年輕的樂迷(事實上Killing me softly這首歌與我的年紀相同，1971年，由Charles Fox與Norman Gimbel共同譜寫)應該是藉由Hip-hop團體The Fugees於1996年的重新翻唱才再度認識這首歌曲，然而不論是在1971還是1996，它都是一首紅遍全球樂壇的冠軍單曲，而Lauryn Hill柔美深情的聲線也與Roberta Flack有幾分神似，只是The Fugees的版本添加了時興最流行的嘻哈元素而顯得摩登時尚，但是骨子裡那份濃郁靈魂風味兩者卻是不分軒輊。

其實，我更喜歡的是Killing me softly這首歌在非關男孩About a Boy這部電影當中所扮演的角色。

在影片中，Marcus的媽媽Fiona是一個有自殺傾向的重度憂鬱症患者，特別偏愛在心情低落的時候就著鋼琴，自彈自唱Killing me softly這首歌曲，雖然成效不彰，每每以痛哭失聲收場，但我相信在那一剎那，她的心情是被全然釋放的。Marcus為了讓媽媽高興，於是決定在中學的音樂會中演唱這首歌，你是知道的，老式情歌在嘻哈與舞曲當道的校園文化中必死無疑，況且當面被訕笑的感覺鐵定糟糕透頂，然而Marcus讓我看到表現「體貼的勇氣」這件事情本身是多麼地難能可貴，我試著問當年的自己是否有能力做到？我想大概答案是否定的，因為光是舞台恐懼症自己可能就無法克服。

  Marcus, Fiona and Will

誠實地講，自己聽音樂的歷程最早是從情歌開始的，在80年代那個仍舊講求旋律經營的美好時代，已經不記得有多少個夜晚我守在收音機旁等待電台情歌的播放，Wham的Careless whisper、Whitney Houston的Greatest love of all、Madonna的Crazy for you、Chicago的You're the inspiration、Air Supply的Making love out of nothing at all、Chris de Burgh的The lady in red、Genesis的In too deep、Phil Collins的One more night、Paul Young的Everytime you go away、Roxette的It must have been love、Peter Cetera的Glory of love、Bill Medley與Jennifer Warnes對唱的(I've had) The time of my life以及Dionne Warwick與Gladys Knight、Elton John與Stevie Wonder四人合唱的That's what friends are for...，感覺上，我好像可以把這個名單一直無限延伸下去(也請大家共襄盛舉，一起來完成這個「情歌殺死我」事件簿)。

妻總是跟我說：去買張80年代的情歌精選集吧！因為每次看到電視上有人在推銷六張一套還是八張一套的70與80年代情歌大補帖，說是什麼一網打盡你心中過往所有美好記憶，我總是心癢難耐，不知道為什麼在熱情洋溢、血氣方剛的青春期，別人猛飆重金屬以發洩莫以名狀的憤怒，我卻偏愛憂鬱感傷的歌曲來抒發無處可逃的年少愁緒，其實形式是其次，重點是要找到情緒出口。很高興這些情歌在我還是小毛頭的時候陪我度過那段惶惶不安的青澀歲月，而在我年紀逐漸增長時又重回自己身旁，溫暖內心那個直到現在還愛著音樂的小男孩。

所以說，情歌不只能殺死人而已，對於某些人而言，包括我在內，它更是一種救贖的象徵。

打上字幕的MV，感覺上很像當年空中英文教室的教唱錄影帶，非常的卡拉OK。

當女孩遇上爵士，會擦出什麼樣的火花？

一直知道這部影片「搖擺女孩」的一些消息，一群可愛的高中女生玩爵士樂，怎麼樣來說，對一個喜歡爵士樂的中年大叔都是一種致命的吸引力啊！不知道Whither與IBIZA以及Rose兄是否有相同的感受？希望你們不要介意我把大家都拖下水當成中年男子，但.....畢竟我們都已婚了，這是不爭的事實。

同樣由「水男孩」導演矢口史靖執導的Swing Girls，敘述一群日本高中女生在放暑假時因為陰錯陽差而被迫開始學習爵士樂，卻在接觸之後無法自拔地嚮往爵士樂國度內那份自由自在、無拘無束的精神，想盡辦法到超市打工、去山裡採松茸而被野豬追，甚至不惜賣掉妹妹的PS2以換取一支二手的薩克斯風，這些女孩就是不顧一切地想要自組一支爵士樂隊。後來我才發現，原來片中女主角上野樹里正是日劇交響情人夢裡的野田妹，於是對她的喜愛又增加了幾分。

然而有趣的是，高中生想要掙脫傳統束縛的青春奔放正好與爵士樂不按牌裡出牌的搖擺態度相互呼應，於是我不由自主想到，為什麼台灣也相當鬱悶的高中生玩的總是熱門音樂、古典樂以及國樂？鮮少聽到以爵士樂為主的樂隊，以自己當時還是高中生卻也只聽流行音樂的經驗來說，沒有爵士樂來解放我們被禁錮已久的心靈，這真的是一件相當可惜的事情。

其實，整部影片之所以好看不是在於她們會不會演奏樂器，或是最後到底演奏的多好，真正動人的地方是這群高中女生熱愛音樂的那份心意，不管遇到什麼難以解決或是難以啟齒的事情，譬如勤於練習的她們卻忘了報名以致於趕不上當地高中音樂大賞，她們都可以藉由爵士樂找到出口，適時化解彼此的尷尬與芥蒂，那種因音樂而結合的感覺真的很棒！而音樂也總是適時填補語言與文字留下的空缺，讓下雪的北國冬天氣氛頓時搖擺、溫暖起來，聽聽這群女生演奏的Take the “A” Train、Moonlight Serenade與Sing, Sing, Sing等爵士經典曲目便可以明白音樂之於她們的魔力了。

我想「搖擺」也可說是一種輕鬆人生態度的展現，就像是Swing Girls裏所說：世界上分成兩種人，會搖擺的和不會搖擺的。尤其在台灣這麼一個工作密度與強度如此之大的國家，不如大家都來休息個五分鐘吧！讓爵士樂帶領我們再度回到那個洋溢青春氣息的美好夏天，盡情搖擺。

Take Five by Dave Brubeck Quartet (1961) 

一切的故事全因1918年那場致命流感所引起。

因看不慣木材工人被剝削而由勞資共同創立的共和鎮，在西班牙流感肆虐其間(全球17億人口中大約2500至4000萬人口因此死亡)自我關閉，切斷與外界所有聯繫，企圖等待這場浩劫自然過去，卻沒有預料到一位士兵的誤闖，進而挑戰這個位於美國西北部小鎮所有當初創建的核心價值，他們內心所面臨的煎熬絕對不亞於這場流感外在加諸其上的苦難。

這也是這本小說動人好看的地方。因為疾病帶來的恐懼衝擊著人類價值觀賴以存在的基礎，愛情、親情、友情、信任、家庭、社群、與國家與戰爭無一倖免，通通被捲入這場看似天然災害造成的結果之中，考驗著人性深層最最脆弱、也最害怕被觸及的地方，當關鍵時刻到來的時候，我們是否能夠做出正確抉擇以挽救大局？而所謂的大局又是什麼？範圍到底涵蓋哪些層面？

國家當然是重要的，但是否有必要為一場自己完全不認同的戰爭挺身而出？你的家庭怎麼辦？你的愛人怎麼辦？即使選擇不參與，是否有勇氣捍衛自己的決定？流感當然是危險的，為了家人與小鎮安全而隔離有它不可否認的正當性，但是一旦流感入侵自己家庭與小鎮而別人因為相同理由將你排除在外時，我們又應該如何自處？這不是一個非善即惡的世界，人類行為的是非對錯總不如表象那樣顯而易見，作者Thomas Mullen細膩的情節鋪陳讓因如何處置私我與群體權利義務關係而陷入兩難的書中主角們有了平凡人的血肉，讓我們看到了人性不那麼高貴的那一面，而我們總是在光明與黑暗之間來回不斷遊走、掙扎，希冀找到一個平衡點。

雖然流感過去了，第一次與第二次世界大戰也結束了，冷戰早已成為歷史代名詞，並沒有人知道這個小鎮最後的命運，但是對於人類的試煉將持續纏繞著我們，答案會是什麼只有未來才會知道。

我總是波士頓的地鐵遇到她，這位叫做Mary Lou Lord的女孩，她愛拿著一把吉他自顧自地在等車的人群中唱了起來，即使列車來去的巨大聲響淹沒了她的聲音也絲毫不以為意，然而當她的歌聲從不同路線列車尚未進佔的短暫空隙間穿越而出時，人們的心緊緊被吸引，時間為之凝結。

其實我只有一張Mary Lou Lord出版於1995年的專輯，而且還是EP，這是我第一次在Government Center地鐵站遇到她時買的，當時正送一位從台灣來波士頓遊玩的大學好友至Logan Airport搭機返台，我的心情極度低落。

那是我第一年到波士頓求學，朋友來訪稍稍緩解我思鄉的情緒，但是朋友離去時卻使得四周氣氛更加凝重，像是一團濃重污濁的空氣壓在胸口，令自己幾乎無法喘氣呼吸，要不是Mary Lou Lord的適時出現，用她的歌聲與一把吉他溫暖了一個異鄉遊子的心，我不敢想像那一個晚上自己會有多寂寥，而我將Mary Lou Lord這張同名EP放進音響裡聽了一整晚。

關於Mary Lou Lord，大家印象最深刻的可能是她與Kurt Cobain以及Courtney Love之間的愛恨糾葛關係，不過我對這沒什麼興趣，我喜愛Mary Lou Lord純粹因為她是麻州人，而且出生在每年萬聖節都熱鬧滾滾的女巫鎮Salem，離波士頓只要半個小時的車程，她曾就讀過波士頓百克里音樂學院Berklee College of Music，那是美國培養搖滾與爵士樂手的音樂聖地，更重要的是，Mary Lou Lord喜歡在地鐵與街頭唱歌給大家聽，她就像是波士頓文化地景的一部份，無法被切割開來，一如我對波士頓的情感眷戀，已經根深蒂固到無法自拔的地步了。

今天晚上聽著Mary Lou Lord的音樂，想念著波士頓的種種而寫下這篇算是回憶的短文，感觸良多，當初在波士頓結識的朋友已各分東西，然而我相信不管我們何時再見，只要提起那裡的一景一物，氣氛頓時熱絡起來，彷彿我們從未曾離開。

到時，Mary Lou Lord這位女孩還是會在地鐵唱歌給我們聽。

Lights Are Changing

是的，我只花了新台幣117元就買下Tom Waits的Used Songs專輯。

因為最近又是一年一度玫瑰/大眾唱片放暑假的時間，許多唱片都以六折，有的甚至是3.8折的售價殺出。老實說，今年令人滿意的好貨並不多，所以省下不少敗家的經費，不過仔細尋找，仍是可以發現一些不錯的作品，像是Tom Waits的唱片。

算一算，到目前為止我已經擁有湯姆先生十一張專輯了，但是看到Used Songs這張(第十二張)收錄他在華納時期(Elektra/Asylum Records)出版的七張唱片精選集，心癢難耐，終究還是買了下來，到底我仍然抗拒不了Tom Waits音樂裡那股使人目眩神迷的魅力，而他那種被煙燻過、被酒侵蝕過、被石子磨碾過的破鑼嗓子任誰也無法輕易忘懷。

以80年代為分野，Tom Waits的作品大致可以區分成兩類：80年代之前藍調味十足，80年代之後日漸趨向濃厚的實驗性格，但是唯一不變的是那成為底蘊的酒館音樂成分，讓人一聽便醉，重要的是，在Tom Waits的音樂世界中你根本無須隱藏自己，因為所有傷心人的傷心事在這裡都可以得到充分的尊重與理解，也就是說，Tom Waits的唱片具有一種療傷止痛的功效，能夠安慰躲在世界各個角落裡一顆顆焦躁不安的寂寞靈魂。

雖說Used Songs只花了117元便到手，但是即使在後面填上好幾個0也無法形容Tom Waits的音樂在我心目中的份量，我想所有認識以及聽過湯姆等待先生的朋友都應該心有戚戚焉才是。

完全同意妻的話，看完這本書，會有一種想要將他的繪本一口氣全部蒐齊的衝動。

必須老實地承認，在妻買下「故事的開始」這本書之前我只讀過向左走，向右走這本繪本，當初曾在機場買下它帶回波士頓送給當時還是女友的妻，因為覺得裡面的情節很像我們在現實生活中的經歷，大學與研究所時期同處同一空間的我們，整整七年的時間有過太多機會可以遇到彼此卻又擦肩而過，然而這些遺憾其實都是為未來美麗的相遇增添難能可貴的幸福溫度，一如幾米的繪本給我的感覺。

而這樣的一種感覺因為瞭解幾米之後更加確定，書裡面幾米自己提到在成為幾米之前的那場幾乎奪走他生命的大病成為他創作過程中所有作品隱而不顯的基調，於是即使繪本裡人物是可愛的、線條是俏皮的、色彩是活潑的，讀著讀著不自覺還是會有一股淡淡的憂傷悄然自心底升起，逐漸蔓延擴散，當然絕對不到絕望的地步，甚至在寂寞得快要讓人死掉的氛圍中我們還是可以嗅到美好的味道(又寂寞又美好)，那是一種看到種子自荒漠的土地裡發芽的欣喜，只會讓人更加珍惜生命的滋味，即使它總是酸甜苦辣全部糾結在一起。

此外，我很喜歡幾米持續不懈的創作態度，他每天從早上九點一直工作到下午六點為止，一直努力地想把他心中那個初生的想法畫下來，因為對他來說創作從來不是一件輕而易舉的事情(這點與村上春樹類似，村上每天總是從清晨四點寫作到接近中午的十一點，從不間斷)。就像是人生會經歷過許多階段，促使每個階段開始的契機都不相同，但是在那樣一個關鍵點到來之前，我們必須不斷練習，做好跳起來抓住它的準備動作，因為機會稍縱即逝。

至於女兒出生之後成為幾米創作重要的靈感來源，布瓜的世界與小蝴蝶小披風等短篇作品都是發想自幾米的女兒柔柔，這樣的一種父親與子女的關係無形中拉近了自己與幾米作品中間的距離，而他在書中也提及他太太對其在創作這條路上的支持與影響，我想，香蕉共和國這個部落格存在的一個很重要的理由也是由於此。

曾經。愛是唯一。

我看的音樂電影算起來並不多，但有三部讓我印象深刻，第一部是一群在愛爾蘭都柏林玩靈魂樂、努力實踐組團夢想的The Commitment，第二部是由美國滾石雜誌最年輕撰稿人Cameron Crowe執導、辯證搖滾樂本質的半傳記電影Almost Famous，而第三部則是今天下午在家觀賞的Once。

其實很喜歡看這類型電影的原因在於，發現有一群你根本不認識的人(不管是戲裡或戲外)可以因為某一句歌詞、某一段音樂旋律或者是音樂背後的故事而一起歡喜、快樂、憤怒、悲傷，而這群八竿子打不著的同好竟是那麼樣的氣味相投，甚至到了相濡以沫的地步，真高興自己也是其中的一份子，而音樂電影裡的音樂正是治療重度上癮樂迷不可或缺的藥引。

Once的故事一點都不複雜，地點與The Commitment一樣設定在都柏林，一位於當地走唱的37歲搖滾歌手在街頭遇上一位來自捷克、擁有古典音樂背景的19歲女孩，兩人由於對音樂的共同喜愛進而相知相戀，再平凡不過的愛情故事卻因為一首首動人的歌曲而變得古典雋永，那份單純喜歡對方的情愫也再度為兩顆早已乾涸的心靈注入一股清泉，隨著美麗的音樂節拍汨汨地流動起來，這樣的暖流也悄悄地送進觀影者內心直到片子結束後仍久久不散。

不諱言，現實中的我(們)希望一個美好的結局，但是片名Once卻早已預告男女主角最後的分手，因為在大部分的時候，曾經擁有的愛情，似乎最令人欷噓，但卻也美得令人屏息，自己也明瞭這樣的一種安排在觀影的當下是一個最好的結果，只是....。

然而令自己雀躍的是，戲外的他們不僅成為情侶，也共組樂團The Swell Season，並且出版了一張同名專輯，而Falling Slowly更榮獲那一年奧斯卡最佳電影歌曲，也稍稍安慰我這位中年男子希冀愛情還是能夠圓滿的需求。

今天放假，偷得浮生半日閒，與妻中午到一家叫做咖哩事典的餐廳用餐，餐點普通，下午前往萬代福戲院看了一部法國片－雜貨店老闆的兒子，我們相當喜歡，稍微彌補了之前對咖哩事典的過高期待。

其實自己一直對「成長」類型的題材非常感興趣，總覺得片子看完之後原本沾滿塵埃的心靈也被沖刷洗滌了一遍，整個人清新舒爽起來，尤其在生活上遇到困難或者瓶頸時，藉由別人的故事反而更能夠看清楚自己的盲點，出了戲院之後，會有一種力氣再度充滿的精神抖擻。

雜貨店老闆的兒子The Grocer's Son就是這樣的一部片子。

故事發生在法國的普羅旺斯，小鎮的雜貨店老闆生病了，離家多年、在里昂混不出什麼名堂的兒子被迫必須回家幫忙照顧雜貨店，並且每天必須開著流動的店鋪車到各個小鄉村為當地老人補給日常用品，卻在那樣看似一成不變、甚至死氣沈沈的生活節奏中找到自己生存的意義。故事線簡單但卻貼近生活的脈動，而且不時閃現讓人露出會心微笑的劇情安排，都是讓這部片子好看的要素，劇中那一群純樸可愛的老人尤其居功厥偉，他們與雜貨店老闆兒子充滿人情味的互動更是促使這部電影由好看邁向深刻的關鍵。

我相當喜愛的一個片段是雜貨店老闆兒子與其女友在重新為那部老舊不堪的箱型貨車重新上漆的時候，這是整部片子基調由灰白轉向彩色的契機，自己當下的想法是，一旦契機出現時，我們是否有能力去掌握它？還是選擇逃避會讓生活看起來簡單些？直到現在，都會覺得後者的驅力仍深深籠罩著自己，這也是自己愛看這種成長勵志電影的主要原因，因為從中可以讓我再勇敢些，動手改變常軌，哪怕只是一點點都是一種進步。

在普羅旺斯湛藍的天空下，滿場觀眾溫暖的情緒正在悄悄流動著，直到我們步出戲院之後都是如此，而那是一種金黃色的美麗心情。

從沒想過原來吃花生這件事也可以那麼樣的Bossa Nova。

熟悉我的朋友大概都知道我對於吃花生這件事有一種近乎到迷戀瘋狂的程度，不管是水煮花生、炒花生、油炸花生、鹹酥花生、五香花生，還是愛之味牛奶花生，我都愛不釋手，非得要一個接一個地讓它們完全消失在我眼前，像上了癮一般無法停止，即使吃到尿酸過高也在所不惜，那種恣意暢快的吃著花生感覺就像是聽花生隊長的OH MY GOD這張專輯的感覺。

已經忘記為什麼會買下OH MY GOD專輯，大抵是因為這對樂隊的名稱叫做花生隊長，這支樂隊宣稱他們玩的是Bossa Rock，也就是說，在搖滾樂的基調中融入Boosa Nova的風味，我相信他們做到了，整張專輯歡樂到一整個不行，於是從擁有的那一刻起，每年夏天我都會用它來消暑，裡面所有的歌曲聽起來都有種海邊風裡的鹹味，而夏天本來就應該穿得少少地、盡情在沙灘上扭動搖擺自己的身軀。

其實花生隊長成立之初玩的是龐克，中間轉至迷幻搖滾，後來到團員們都三十歲左右之後才定調為Bossa Rock，對嘛！三十幾歲的男人就是應該學會放輕鬆，不要讓一切事情將自己壓得喘不過氣來，雖然三十之後的這”10”年被稱為是我們的轉捩點，也是第二次「轉大人」的時機，但是小心欲速則不達，轉不轉得過去又如何，重要的是我們自己心裡到底怎麼看待這件事情，此時Bossa Nova或者是Bossa Rock的音樂最適合陪伴我們了。

所以說旋轉吧！三十歲以上的大男孩，隨著花生隊長的音樂釋放我們禁錮已久的靈魂。

覺得困惑嗎？大男孩。怎麼覺得這個場景似曾相識？！