中大藝術學研究所

     日前有篇關於"北美館~海洋堂與御宅族文化展"的新聞，提到了台北市議員認為展場內某些公仔的穿著過於暴露，認為有色情之嫌，並且質疑這些次文化的玩具，何能與藝術畫上等號。追根究底，這些展品所被冠予"色情"之指控，乃是基於這些展品不是藝術的概念。然而回想2006年初，北美館同樣展廳所展出的"榮耀之門－十九世紀法國巴黎官方沙龍展"，當中一些批著古典外衣的繪畫、雕塑作品，其女性身體的裸露、引人遐想的神情，決不下於此次展覽的公仔。上述歐洲19世紀的展品姑且不論內容與品質，當歷史的靈光與神秘歐洲氛圍涉入其中時，他們毫不困難的被當作是藝術，進而得到裸露的豁免權。 

    物質空間性的轉換在藝術的發展，具有強烈的能動力。根據Alois Riegl對於藝術風格發展的看法，認為原始人們從所見到有形具體的3D物質，轉換成平面2D的抽象過程，是藝術發展的關鍵時刻。在線性、平面的創作中，人們的想像力產生了實際上不存在的線，在此之後藝術得以繼續發展。在此肯定了空間轉換中產生的能動性。模型的製作似乎是個相反的過程，從平面像立體的轉換，相對於原始藝術中對於平面線性的創造，在此是將虛擬世界中的面取出，端看創作者賦形實體的能力。每個人對於空間的感受性不同，所產生的造型、體塊感當然會反映出差異，這也是造成各設計師的公仔之魅力的源由之一。

    展場內介紹了，設計師所做的第一手原型，加以翻模量產化的過程。然而，量產後的模型，在失去了將他們從二度空間拉入現實空間之設計師的靈光後，似乎只剩淬煉後的殘渣，僅僅是玩具而已?那些擺在玩具店的模型，照著說明書組裝後的產物毫無創造力可言?我們可以看看拼布設計師Kaffe Fassett的例子。Kaffe Fassett設計了工具套件kit，使人們可以重新製作他的設計。此外他也帶領工作室業餘的編織者，引領他們創造出自己的風格。因此Kaffe Fassett如同在音樂中的低音線，在此上方可以自由的創作。

    類似的，模型製作也是在現有的框架下進行，在典範的帶領下展現個人性(在此，模型的典範為模型設計師所創造的模型零件)。實際上，海洋堂從1960年代末，就希望提升模型的藝術性，從1972年所發行的刊物Artpla可見其企圖心。而海洋堂於1973年發售的自創工具套件"Spray Ace"與"Nipper Ace"，符應模型藝術性的意圖，這些工具使模型的製作能展現更多的創意與巧思。模型製作者可將量產的零件加以添加、增補，賦予質感與色彩，如此產生了與第一手製作的模型不同面貌，成為製作者的個人詮釋。在此，並不是要界定模型是不是藝術的問題，而是模型做為藝術的可能性。